索菲亚·贝尔萨内利（1993年出生于米兰）通过其艺术实践，探讨了图像的本质及其背后语言的力量。在这篇与加布里埃莱·兰迪的访谈中，她追溯了自己艺术敏感性的起源——这种敏感性源于她对世界之美与神秘的早熟洞察。 在访谈中，她讲述了诗歌、绘画、摄影和视频如何作为互补的表达方式，共同探索那些超出可见范畴的事物。身体、日常中的神圣感以及迷失的体验，都成为了她创作探索中的关键环节。 其作品的核心在于对细微事件以及隐藏在日常现实中的顿悟的关注。这种对话重构了“不可见之物”的诗学，艺术与生活在此交织，共同追寻深刻的意义。
对文字与视觉文本之间关系的思考，促使艺术家构建并穿插时空，常常营造出一种超现实且有机融合的氛围： 她的艺术历程是一系列表达的链条，艺术家通过多种媒介（从绘画到摄影，从视频到写作，并特别关注图像所产生的声音背景）不断推进自己的探索。 她的兴趣涉及诸如潜意识、集体记忆、个体与日常生活的关系，以及图像与诗性语言的原始质地等主题。表达、展现并最终倾听视觉起源的渴望，正是她当前艺术探索的动力。
贝尔萨内利于2020年获得布雷拉美术学院绘画硕士学位，其作品曾参展30余场国际群展及艺术节，其中包括由威尼斯双年展发起的“Codice Italia Academy”项目（2015）。 她曾荣获Equita奖（2019年），并参与了由克劳迪奥·穆索、劳拉·罗西塔尼、弗朗切斯卡·帕塞里尼以及安德烈亚·达尔阿斯塔共同策展的博洛尼亚勒卡罗博物馆“Impronte”驻留项目。 她曾入围Arteamcup（2020-2021）、诺维切利奖（2021）和Combat Art Prize（2023）的决赛。 2025年，她受邀在米兰艺术周期间于卡萨·泰斯托里（Casa Testori）与朱塞佩·弗兰吉（Giuseppe Frangi）共同举办双人展“DENTRO/OLTRE OLTRE/DENTRO”，展出其最新摄影作品。 2026年，她入选米兰圣费代莱画廊举办的圣费代莱奖“暴力的面孔”单元。
对艺术的倾向往往在幼儿时期就初露端倪，你也是这样吗？请分享一下……
从小我就沉浸在美之中。周围的世界与我结下了友谊，建立起一种深厚的纽带。房屋、自然、动物都蕴含着某种热情与神秘，而这种东西只能部分地被把握和理解。 那时的我，正处于敏感性初萌的阶段，却无法摆脱一种悲剧感：与外部世界的碰撞与相遇，对我而言是一场暗藏危险、蕴含警示的游戏……美本身具有一种近乎创伤性的暴力。 于是，惊奇与恐惧如影随形……我对那些微小的日常物品（比如我的玩具）的感知，既让我沉浸在无忧无虑之中，同时又拥有着让我窥见沉默深渊的力量。 我当时并不明白。我凝视着这令人窒息的景象：将它尽收眼底，又把它收进口袋。与此同时，我时不时会去外公外婆家。 在我祖父的众多收藏中，有一大套邮票，还有《晚邮报》的“色彩大师”系列丛书。因此，每当我放学回家由他们照看时，我便乐此不疲地用铅笔或蜡笔临摹艺术史上的杰作。 绘画并努力画好，这让我感到某种喜悦……随着时间的推移，这两条起初各自独立的经历，逐渐构成了那个我如今日复一日沉浸其中、不断滋养的内心世界。 直到后来我才明白，笔触（无论是诗歌还是绘画）就是我的武器，它让我能够扛起那段我未能幸免的生命的重担，将显露与未知之间戏剧性的张力引导向一种更为清晰的关系。 正因如此，伤痕对我而言也扮演着独特的角色——我被它的沉默所击中，被它那沉重的低语所困扰……
在这所有的一切中，“神秘”这一概念又有多重要呢？
神秘是我每天咀嚼的东西：它是一道沉睡在深处的声线，却奇迹般地时而浮出水面。 这有点像停驻在一个词的声谱之上，留意语调的起伏，留意它如何陡然坠入那携带着无声种子之处：未被听见之物。 黄昏时的一束鲜花，蜗牛留下的痕迹，街道上汽车的轰鸣声。 正是这些微小的瞬间，将我（带着某种力量）带回一种胜利，一种顿悟。这种顿悟，尽管具有宇宙般的宏大，却如此贴近，如此亲切，以至于能紧紧蜷缩在我的指间。
那么身体呢？
呃……身体又是另一件耐人寻味的事……从小时候起，我就对表面着迷：我曾乐此不疲地刮掉自己小卧室门上的灰泥（这可让母亲乐坏了）。 门后是一块布满皱纹的玻璃，也就是80年代的那种。晚上，我喜欢看着走廊灯光照亮我那小小的“杰作”投射出的剪影。或者，像所有孩子一样，我喜欢用手指在旧纸张上乱涂乱画，那些纸张往往是大幅的。 这些纸张想必还藏在某个角落，又或许早已永远遗失……但我必须承认，那些纹理对我有着特别的安抚作用：我会在其中迷失，继而在那些细微的图案中重新找到自己，沉沉睡去，脸颊被那些奇思妙想的浮雕纹路轻轻勾勒出轮廓。 后来的人生中，我经历了一段迷失，一种身体的缺失、参照系的缺失，以及对现实呼唤的个人性匮乏。我来详细说明一下：初中毕业后，我产生了一种不确定感，一种对肉身境界的迷失，这导致了我多次陷入严重的个人危机。 我起初向你描述的那个整个内心世界，毫无预兆地向我扑来。我仿佛对自己前行的脚步视而不见：双手在黑暗中摸索，就像子宫里尚未睁眼的胎儿，尽管知道自己一直被包裹在母亲的怀抱中。 “人不会从世界上坠落，”一位我珍视的人曾这样对我说。但这些如火炬般的话语，却不足以照亮我的黑夜。 这些封闭而令人窒息的时刻，因一个标志性的细节而重新敞开：一幅血色画作在灯泡光线下变幻的肉感，纸上笔触的声响，然后…… 静物画，碗中的橘子，它们凹陷处流露的橙色……还有，我的父亲，他关于万物色彩的科学解释……这一切构成了一个新开端的躯体，构成了我意识觉醒的基石…… 我，在昏暗的房间里高举火炬，重新找回了呼吸的热度——那曾因恐慌而急促的呼吸，如今已随着欢欣的心跳而律动。 正是这些经历突显了那份联系——那不可言喻之物与其外在表现之间的关系，使我能够再次（并非永远，而是暂时）将那些时而相互对立的事物视为统一的整体。
你是如何看待时间与空间的概念的？
我经常以诗歌为媒介进行创作。起初，我会在一个空间（即诗行）中构建意象，这些意象随着诗歌的韵律徐徐展开。随后，我利用“子弹般的词语”，辅以标点符号和换行，将这一系列意象的脉络打破。 我孜孜不倦地追寻万物隐秘的韵律。这种跌宕起伏的节奏往往由词语所构成的时空构成，这些词语在刻画中创造出沉默与停顿，形成供声音栖息的呼吸间隙。 这是一种相互渗透，是“瞬间之词”与“母体之像”的交融，它们能够相互包容，又彼此包容。 我认为，在你提到的这两个方面中，最让我感兴趣的是它们的结合，以及它们原本就存在的亲近感。在艺术学院求学期间，我接触到了“光谱音乐”。这是一种在七十年代末至八十年代初兴起的高雅音乐流派。 “光谱派”音乐家将他们的语言建立在对声音物理现象的分析之上，通俗地说，就是基于声音的“光谱”。乐曲的结构呈现为延展、放缓或极度压缩的形式，如同昆虫振翅的瞬间。 于是，我开始通过深入探索单一音色（即录音机捕捉到的那短暂瞬间）来创作并构思视频中的音频，继而在其光谱那令人眩晕的垂直空间中，雕琢出一丝旋律的雏形。 我深信，一个声音中早已蕴含了一切：在那颗珍稀的种子里，便蕴藏着未来歌声的命运。我认为，若从源头出发，空间与时间是密不可分的。这有点像在大爆炸后的几分之一秒内捕捉到的原始宇宙。 岩浆、密度、浓缩、独特性。正是那腹部（被容纳的，同时也是容纳的）的收缩与阵痛，促使元素们在分裂中扩张，各自走向不同的方向。 时空是源自同一片土壤的“理念”，在我眼中，它们在那个直击内心的起源点上合而为一。 唯有在之后，它们才以不同颜色的丝线形式分离呈现。我的意图是重新审视并再现它们（通过持续与停顿），从而将它们投射回作为姐妹般存在的原始联系之中。
你对神圣的维度感兴趣吗？
是的，如果它能达到一种亲近感。对我而言，一颗橘子、一只缺了角的小茶杯、清晨燕子的鸣叫，都是神圣的。我感兴趣的是它的日常维度：一只手的优雅，一尊雕像的姿态…… 那是遥远之夜向我走来，源自我半闭眼睑中身体的湿气，或是死者的冰冷硬币下顽强残留的视线。正是这些微小的偶然，在我心中唤起最崇高的思绪。
你所关注的叙事维度，并非指故事本身，而是作为一种方式，用来照亮你在漫游中遇到的特定情境吗？
我关注的是那些隐藏在表象之下的痕迹。 那些微不足道的事件——比如风中树叶的轻微摇曳、太阳在天空中的静默旅程、石子落水激起的涟漪……它们是某种存在的声音，而在我们日益科技化、高度组织化的日常生活中，我们往往被引导着不去倾听、不去关注。 唯有艺术家和诗人那斜睨的目光，仍会被这个被忽视的当下所蕴含的辛劳与悸动所震撼。这些微不足道的偶然事件，将我召唤至另一个世界的庆典，召唤至另一幅将我环绕、将我轻摇于这壮丽景象中的图景之中。 敏感性的使命，便是诉说、展现（并且要做得恰到好处……）那创造所产生的缓慢而汩汩涌动的回响——我们正日益遗忘它，将其深藏于抽屉之中。当察觉到一种既近在咫尺又遥不可及的美时，其中总透着几分暮色般的、悲剧性的意味。 要描述一种顿悟而不带一丝忧郁，实属不易。那是一面山坡，一条令人眩晕的山脊，上面标记着一条由光亮线索铺就的道路，如同萤火虫，又如过去与不可复现的故事所留下的声音碎屑。 此时，一个形式上的问题摆在我面前。我的这种双重视线——不协调、斜向的——究竟能表现什么，更重要的是，该如何表现？我该如何描述这种在世界背脊上断断续续的行进？ 我想我必须更加相信自己视野的根本性：如果某天我看见水中有片发光的鱼鳞掠过，我必须明白，自己正被一个巨大的水库（大海）所包容，而那神秘的动物身影正向我昭示着这一点。 万物之间存在着相互呼应的关联，我渴望将它们解读为“世界中的世界”。简而言之，现实的临界面令我惊讶——它将我纳入其肌肤之中，而这肌肤无非是一个巨大的子宫，万物（我，事物）皆被容纳其中。 因为“人无法从世界中坠落”。我认为，每一种敏感性的伟大正体现在此。“绊倒在远海的线边／并由此知晓／太阳”（选自 《潜意识之火》，诗集 2024-2025）。
诗歌、绘画与宝丽来摄影之间存在哪些相似之处，又有哪些差异？
我的诗学在肌肤之下、在深渊底部的隆起处流动。绘画、摄影、视频、文字，不过是来自更深邃之物的初生诗句，是支撑着那些隐藏之物轮廓的存在。 正如我之前所言，我们被容纳在一个生命成形的子宫之中。图像与声音的素材仿佛初次交织，追逐着那难以捉摸、无法把握的事物。 “你们永远得不到我！/ 诗歌对它的诗句说道”（《笔记》，2019）。这种敞开的姿态，极光照片上的撕裂，是试图深入可见之物，以追寻那不可见之物。 在绘画创作中，我直接用双手介入，像盲人一样在纸上摸索，勾勒出我早已勾勒出的轮廓。至于诗歌……我进入了一个既坚硬又柔软的情感构成的神秘世界：我追随它、描绘它，在文字中沉睡。 这有点像将自己交托给事物的力量，被它们的存在所困扰，被它们那原始而独特的光芒所笼罩——那光芒猛烈地撞击着紧闭的眼睑，在上面烙下惊奇的印记。 这些语言、这些不同的表达方式所共有的，是一道宽广的视线，它仿佛从水下沙质的海床出发，凝视着自己所隶属的世界。 看啊，我的双眼如沉默的石块般坠落，静静地落在崭新世界的废墟之上：从那里，它们吟唱着、演绎着，发掘出这个世界未曾展现的特质。
本文作者 : Gabriele Landi
Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.免责声明：本篇意大利语原文的中文翻译由自动工具生成。 我们承诺会对所有文章进行审核，但无法保证完全避免因软件造成的翻译误差。 您可以点击 ITA 按钮查看原文。如发现任何错误，请联系我们。
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