19 世纪末，在罗马一间寂静的工作室里，一位年轻的艺术家一边观察一些纸上作品，一边自画像。他身后的墙上挂着画作。桌上摆放着工作用具：画布、画笔、颜料罐。他穿着灰褐色西装、白衬衫和黑色领带，戴着一顶黑色帽子，衣着考究，目光转向观察者，同时用手扶住额头，这表明他正在专心致志地创作，只是一时分神，没有注意到前方。描绘他本人的艺术家是乔瓦尼-科斯坦蒂尼（Giovanni Costantini，1872-1947 年，罗马），一位在 20 世纪初事业有成的有趣的罗马艺术家，描绘他的画作是一幅未出版的画作，属于Antonacci Lapiccirella 画廊，在 的展览 "Nello specchio di Narciso "中首次展出。艺术家的肖像。由克里斯蒂娜-阿西迪尼（Cristina Acidini）、詹弗兰科-布鲁内利（Gianfranco Brunelli）、费尔南多-马佐卡（Fernando Mazzocca）、弗朗切斯科-帕里西（Francesco Parisi）和宝拉-雷菲斯（Paola Refice）策划的 "Il volto, la maschera, il selfie"（2025 年 2 月 23 日至 6 月 29 日，福尔利，圣多梅尼科市政博物馆）。
艺术家以审慎的姿态和专注的目光描绘自己。没有姿势，没有虚荣，有的只是艺术家第一次观察自己时的专注、细腻和谨慎，他意识到这种凝视与其说是为了表现一张脸，不如说是为了确定一个方向。科斯坦蒂尼在创作之初（年仅19 岁：作品可追溯至 1891 年）绘制了一幅《艺术家在他的工作室》，这幅此前未曾发表过的画作在今天看来是一幅特别具有启发性的图像，是一个创始时刻的隐秘快照：在这一时刻，绘画不再是一种简单的手工艺活动，而成为了一种内在的姿态、语言和身份。
科斯坦蒂尼的这幅画从未公开展出过，是这位艺术家青年时期的 罕见作品，他因加入XXV della Campagna Romana 团体和创作《战争之泪》而闻名于世。不过，从这第一幅自画像中，我们已经可以领略到科斯坦蒂尼的独特之处：他对真相的关注，他对主题人物心理的兴趣，以及他不加甜言蜜语或修辞过滤地描述现实的愿望。这位艺术家并不自恋，他选择在日常活动中描绘自己，坐在工作桌前，专注于观察自己的一些作品。工作室不是一个中性的背景：它是构图中不可或缺的一部分。宽大的书桌、盛放画笔的罐子、挂满素描和油画的墙壁，构成了一个具体的生活空间。在这里，艺术家的孤独变成了严谨和方法。
出生于 1872 年的科斯坦蒂尼在那些年里接受了严格的训练。在罗马，他从专家 亚历山德罗-巴扎尼（Alessandro Bazzani）那里学到了布景设计的基础知识，但在乔亚奇诺-帕格里耶里（Gioacchino Paglieri）的指导下，他找到了自己的绘画天职。他还在 法国学院著名的 裸体学院学习，该学院是学术严谨和现代建议的综合体。正是在这个影响的十字路口，他的第一种语言逐渐成熟，仍然接近印象派和现实主义，但已经具有自主性。艺术家在自己工作室中的创作就证明了这一点。如果说漫射光和构图的自由让人想起法国人的教诲，那么沉思的氛围、清醒的头脑和对情感基调的控制则体现了一种倾向于本质的个人视野。“学者阿涅斯-斯费拉扎（Agnese Sferrazza）写道：”这幅画的构图采用了有趣的横向剪裁，使画家能够在工作台前描绘自己，专注于观察一些作品，突出了画室的陈设，大书桌上摆放着画笔，墙壁上挂满了素描和油画。尽管作者年纪尚轻，但这幅画中的心理反思和完整的构图结构，显示了科斯坦蒂尼毋庸置疑的技术能力。 在这些年里，他仍然明显受到印象派和现实主义的影响，并预示着他的绘画语言将日趋成熟，从而走向风景画的道路。
从这个意义上说，与现代自画像的比较是不可避免的。19 世纪末是自我表述发生根本变化的时期。画家们不再以半神或英雄自居，而是开始探究自己的生存状态，通常是通过不加修饰的反思性图像。画家们不再以半神或英雄的形象示人，而是开始探究自身的生存状态，通常是通过朴实无华的反思性图像。学者斯特凡诺-博西（Stefano Bosi）写道：“史无前例的场景和非同寻常的背景，放弃了官方的姿势，放弃了所有的庆祝意图”，“使艺术家们能够发展出一种独创的绘画构思，能够适应复杂而矛盾的生活强度。这也反映在他们表现自我和表达情感的方式中”。博西举了埃德加-德加的例子，他是最早打破常规，将自己描绘成一个普通的、常常是资产阶级的、有时是不安分的人。他最著名的照片之一是一张让人想起1863 年《自画像》的照片，照片中的他衣着高雅，但态度拘谨，与古典模特的戏剧性相去甚远。他的形象不再是一面骄傲的镜子，而是一面怀疑的镜子。
科斯坦蒂尼也是如此。他选择描绘自己在画室里的工作状态，而不是一个遥远的、几乎披着神圣光环的作者，更像是一个在作坊里工作的工匠，这体现了一种谦逊而现代的绘画理念。这里没有波德莱尔所说的 “姿势的正确性”，博西也总是这样说，只有工作中的人，在艺术与专注、耐心和对细节的关注不谋而合的那一刻。因此，这幅作品不仅是自画像，也是宣言：在这一初始阶段，画家就宣布他坚持真实、反修辞的绘画实践，能够 “如实 ”再现现实，在其沉默、脆弱和凄美的常态中。
第二年，科斯坦蒂尼参加了他的首次公开展览，在Mostra degli Amatori e Cultori di Belle Arti展出了三幅生活中的风景画。对他来说，远离工作室的人工绘画，是一种不加滤镜地接近自然的方式。1904 年，科斯坦蒂尼加入了第二十五届罗马野营画会，这是一个人才济济的地方，他喜欢直接观察，喜欢在瞬间捕捉到强烈的风景。在这一背景下，科斯坦蒂尼因其瘦弱和紧张的身材而被昵称为 “格里洛”，这似乎也印证了他那不安分、不知疲倦、总是在移动的性格。
在随后的岁月里，他的绘画不断发展，变得更加自觉，但从不拘谨。最初的自然主义让位于一种象征性的现实主义，它不仅能再现世界的表象，还能再现世界的内在体验。正是本着这种精神，科斯坦蒂尼在 1915 年至 1921 年间完成了他的代表作：《战争之泪》系列。受第一次世界大战的启发，艺术家创作了四十多幅油画，描绘了痛苦、损失和毁灭。画中没有胜利，没有爱国主义言论。每幅画都是受伤的人性的一页。画中的人物都是普通的男人和女人，他们陷入恐惧、希望和屈服的姿态中。这种风格将现实的精确性与象征的张力融为一体，将观众带出了可见的范围，带入了经验的情感褶皱之中。
在这条道路上，1891 年的自画像似乎是整个世界观的起点。这个在画室中描绘自己的年轻人已经是多年后能够以怜悯和清醒的态度讲述战争的人。科斯坦蒂尼目光的一致性令人惊讶：从一开始，他就拒绝装饰主义、自我赞美和学术主义。他更喜欢具体的现实，事物鲜活的躯体，地方无声的张力。在这种情况下，工作室并不仅仅是一个工作空间，而是一种身份的投射：正是在那里，艺术家的天职才得以构成，不是作为一种崇高的使命，而是作为一种日常的、谦卑的、必要的实践。
这幅画现在终于揭开了面纱，它是解读的钥匙，是历史和诗意的记录。它记述了一种凝视的起源，即艺术家决定不模仿而成为自己的确切时刻。科斯坦蒂尼摒弃了他的许多同行，如波尔迪尼、萨金特或德-尼蒂斯的世俗姿态，而是选择了本质，选择了他的技艺的真实性，选择了他的工作室的勤劳寂静。
免责声明：本篇意大利语原文的中文翻译由自动工具生成。 我们承诺会对所有文章进行审核，但无法保证完全避免因软件造成的翻译误差。 您可以点击 ITA 按钮查看原文。如发现任何错误，请联系我们。
IT
EN
FR
DE
ES