Donald de Decker – wenn Kunst dazu dient, dem Klang der Bilder zu lauschen

Donald de Decker (ddd) ist ein bildender Künstler und Grafikdesigner aus Brüssel. Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht das Projekt „Acousma“, das aus der Begegnung mit der akusmatischen Musik entstand und sich nach und nach zu einer Untersuchung des Konzepts der „modulierenden Reproduzierbarkeit“ entwickelte – einem offenen System, in dem sich Formen ohne ein absolutes Original weiterentwickeln. Seine digital realisierten und unter anderem auch über NFTs verbreiteten Werke erforschen das Verhältnis zwischen Variation, Authentizität und Raum und hinterfragen, wie ein Bild fast wie ein Klangerlebnis wahrgenommen werden kann.

In diesem Interview erzählt Donald de Decker von der Entstehung des Projekts, dem Übergang von digitalen Kompositionen zu zukünftigen physischen Installationen, der Rolle von Schwarz-Weiß in seiner Forschung und seinen Überlegungen zum Wert des Kunstwerks im Zeitalter der digitalen Reproduzierbarkeit. Ein Weg, der theoretische Strenge und visuelles Experimentieren vereint, ohne auf künstliche Intelligenz als kreatives Werkzeug zurückzugreifen. De Decker arbeitet als freiberuflicher Grafikdesigner und kooperiert mit Kunden aus dem kulturellen, privaten und institutionellen Bereich. Sein Hintergrund reicht von den Künsten (Literatur, Kino, Musik, Tanz, Fotografie) bis hin zum Design (Textildesign, Grafikdesign, Architektur), und er verfügt über Erfahrungen in der Veranstaltungsbranche, in der Werbung und sogar im Gesundheitswesen.

GL. Donald, wie ist dein Projekt entstanden und warum?

DDD. Das Projekt „Acousma“ ist Teil meines künstlerischen Werdegangs, der mich beruflich weitergebracht hat. Ich habe eine Ausbildung in bildender, plastischer und räumlicher Kunst mit Schwerpunkt Grafik absolviert und arbeite seit über fünfzehn Jahren als freiberuflicher Grafikdesigner. Parallel zu dieser Tätigkeit erschien es mir immer als grundlegend wichtig, einen eher experimentellen und persönlichen Forschungszweig aufrechtzuerhalten. Lange Zeit blieb dieser Zweig eher unauffällig und fragmentarisch und manifestierte sich in Versuchen, Intuitionen oder unvollendeten Ansätzen. Unter diesen Experimenten hat sich ein Forschungsansatz, der auf mein Studium an der ERG (Scuola di Ricerca Grafica) zurückgeht, nach und nach als besonders fruchtbar erwiesen. Meiner Ansicht nach befasste sich diese Übung, die mit der akusmatischen Musik verbunden war, sowohl mit formalen Fragen als auch mit einer eher theoretischen Reflexion über die Komposition. Die Verbindung zur akusmatischen Musik spielte daher eine entscheidende Rolle bei der Entstehung des Projekts. Sie stellte einen Ausgangspunkt dar, einen Anstoß, der es mir ermöglichte, meine anfänglichen Intuitionen zu lenken und zu strukturieren. Im Laufe der Zeit entwickelte sich diese Forschung zum Projekt „Acousma“, dessen Kern nicht allein in diesem musikalischen Bezug liegt, sondern im Konzept der „modulierenden Reproduzierbarkeit“, das nun das gesamte Werkkorpus strukturiert.

Was ist akusmatische Musik und wie interagiert sie mit deiner Kunst?

Die akusmatische Musik ist ein Musikgenre, das durch elektroakustische Techniken ermöglicht wird. Die Klänge werden im Studio aufgenommen, transformiert und komponiert und anschließend mithilfe von Spatialisierungsgeräten (Acousmonium) im Raum verbreitet. Ursprünglich für das Hören ohne sichtbare Klangquelle konzipiert, zielt sie darauf ab, eine schärfere Aufmerksamkeit zu fördern und die Bildung von mentalen Bildern beim Zuhörer anzuregen. In meiner Arbeit ist diese Beziehung umgekehrt: Heute geht es nicht mehr darum, Bilder ausgehend vom Klang zu erzeugen, sondern vielmehr darum, durch eine Komposition eine Form des Zuhörens anzuregen. All dies wird somit zu einer Stütze für die wahrnehmungsbezogene Projektion und lädt den Betrachter dazu ein, seine eigene Fähigkeit zu hinterfragen, ein Bild zu „hören“ und darin eine Klanglichkeit wahrzunehmen. Ein Prozess der visuellen Erforschung, der sich der Arbeit mit der Linie bedient, zielt darauf ab, ein Gefühl der Schwingung innerhalb der Kompositionen hervorzubringen und so diese Art der Wahrnehmung anzuregen. Dieser Ansatz fällt daher nicht streng genommen in den Bereich der musikalischen Praxis, sondern vielmehr in eine Übertragung und Interpretation akusmatischer Prinzipien in den Bereich der bildenden Kunst.

Kannst du das Konzept der „modulierenden Reproduzierbarkeit“ erläutern?

Die Formen sind als transformierbare Strukturen konzipiert, als sich entwickelnde Matrizen, die eine Vielzahl von Zuständen erzeugen können, ohne dass eine dieser Erscheinungsformen als ursprünglich oder abgeleitet betrachtet wird. Diese Logik der Modulation basiert auf einer Reihe von Operationen (Ausschnitt, Größenänderung, Verzerrung, Verformung, Hinzufügung oder Verschmelzung), die einzeln oder in Kombination das Entstehen neuer Kompositionen ausgehend von einer oder mehreren Ausgangsmatrizen ermöglichen. Dies ist Teil einer Dynamik systematischer Erforschung, in der die Vervielfachung der Variationen Kompositionen hervorbringt und deren Zustand ständig verändert. Es erinnert zudem an einige Prinzipien der akusmatischen Musik, bei der Klänge komponiert, auf einem Träger festgehalten und dann im Raum nach verschiedenen Konfigurationen neu verteilt werden. Diese Art der Verbreitung zielt nicht nur darauf ab, das Werk zu reproduzieren, sondern eine Interpretation davon anzubieten. Die Verräumlichung des Klangs verleiht ihm somit eine neue Wahrnehmungsdimension. Durch diese Prozesse hinterfragt Acousma das Spannungsfeld zwischen Reproduzierbarkeit und Einzigartigkeit und schlägt Formen vor, die innerhalb eines offenen generativen Systems modulierbar sind und gleichzeitig eine eigenständige Identität bewahren. Diese Forschungen tragen zu einer Ästhetik der Variation bei, die bis an ihre äußerste Grenze getrieben wird, wobei die Formen, die diesen Rekonfigurationsprozessen unterzogen werden, zu Zuständen der Verdichtung oder Reduktion tendieren und potenziell zu Kompositionen führen, die extreme Schwellenwerte zwischen Sättigung und Auslöschung erreichen. Das Ziel besteht daher darin, die Bedingungen zu erforschen, unter denen sich dieses System weiterentwickeln kann, um seine Grenzen auszuloten.

Bisher haben wir digital erstellte Projekte gesehen. Wie willst du deine Arbeit weiterentwickeln?

Das Projekt entstand zunächst in einem digitalen Umfeld, das einen idealen Raum für Experimente und Verbreitung bietet. Die digitalen Werke, die als fotografische Simulationen präsentiert und über NFTs verbreitet werden, bilden den ersten Ausdruck des Projekts. Sie stellen die grundlegende Version dar, die den physischen Entwicklungen vorausging, und sind Teil eines künstlerischen Prozesses, der Vektorgrafik, algorithmische Bearbeitung und digitale Komposition miteinander verbindet. Derzeit erkunde ich schrittweise die Möglichkeiten einer physischen Materialisierung dieser Formen. Diese Phase umfasst das Experimentieren mit verschiedenen Produktionsweisen, Techniken, Trägern und Ausstellungskontexten. Dabei geht es nicht nur um die Übertragung eines digitalen Werks in ein physisches Objekt, sondern auch darum, wie diese Kompositionen je nach ihrer Erscheinungsform auf unterschiedliche Weise existieren und sich über verschiedene Medien hinweg entfalten können.

Bislang hat sich deine Arbeit ausschließlich in Schwarz-Weiß entwickelt. Warum diese Wahl?

Schwarz bildet einen Ausgangspunkt: eine Arbeitsgrundlage, die es ermöglicht, die Struktur und Kohärenz der Formen zu erproben. Es vereinheitlicht das System und spielt eine stabilisierende Rolle. Auf dieser Grundlage werden die Formen moduliert und in das Konzept der „modulierenden Reproduzierbarkeit“ eingebettet. Es wirkt als Wahrnehmungsverstärker, der die Präsenz der Kompositionen verstärkt und eine unmittelbarere strukturelle Spannung offenbart. Dieser Farbraum aktiviert Assoziationsmechanismen und fördert eine intuitivere Lesart, wodurch ein Bereich referenzieller Mehrdeutigkeit eröffnet wird, der beim Betrachter eine symbolische Ladung auslösen kann. Diese symbolische Kraft ist weder im Voraus gedacht noch konstruiert. Ich erkenne nicht unbedingt die Assoziationen, die die Kompositionen hervorrufen können. Durch diese Bilder nehme ich grafische Vorgänge wahr, die sich aus Prinzipien ableiten, welche eine bestimmte Ästhetik kodifizieren. Während des kreativen Prozesses lenken diese Vorgänge teilweise den formalen Ausdruck. In das Projekt fügt sich ein Raum zwischen meinen plastischen Affinitäten und der Autonomie des Systems ein. Der Prozess schreibt letztendlich bestimmte Elemente vor.

Die Bilder in deinen Projekten haben oft räumliche Dimensionen, die bestimmte Beziehungen zu den Umgebungen, in denen sie erscheinen, anzudeuten scheinen. Wie kommen räumliche und damit auch zeitliche Dimensionen in deiner Arbeit ins Spiel?

Die Zeitlichkeit liegt nicht nur in der Erfahrung des Betrachters, sondern im Werden dieser Strukturen selbst, in ihrer Fähigkeit, je nach Kontext unterschiedlich zu erscheinen. Acousma versucht zu beobachten, wie eine Komposition ihre Präsenz je nach den Bedingungen, in denen sie sich befindet, verändert. Eine einzelne Komposition kann als digitales Bild, monumentaler Druck, Skulptur, Installation, Animation oder Gemälde existieren. Der Raum kann daher als eine Modulation betrachtet werden, die in der Lage ist, die Lesart und die Zeitlichkeit derselben visuellen Matrix zu verändern. Jede Übertragung von einem Medium in ein anderes bewirkt, dass sich die Komposition durch einen Zyklus von Neuinterpretationen weiterentwickelt, wodurch es zu sukzessiven Verlusten und Gewinnen kommt. Die digitale Präsentation der Kompositionen mittels fotografischer Simulationen stellt eine dieser Modulationen dar und beschränkt sich nicht darauf, ein bloßes Verbreitungsinstrument zu sein. Traditionell existiert das Werk zunächst im physischen Raum, bevor es fotografiert, digital verbreitet und archiviert wird. Hier erscheinen die Kompositionen in der digitalen Umgebung, noch bevor sie physisch Gestalt annehmen. Das Digitale dokumentiert das Werk nicht mehr: Es wird zu seiner ersten Existenzform. Das digitale Bild hört auf, die Darstellung eines bereits existierenden Objekts zu sein, und etabliert sich als Formzustand, als „visuelle Hypothese“. Andere Arten der Modulation offenbaren Zeitlichkeit, die bereits in der ursprünglichen Struktur latent vorhanden war. Ein Ausschnitt beispielsweise bringt einen Leseraum zum Vorschein, der bereits in einer Komposition enthalten ist. Diese Transformation kann zu einer Verdichtung, Ausdehnung oder Aussetzung der Zeit führen. Ein Bereich, der zuvor als Detail wahrgenommen wurde, wird so als eigenständige Komposition offenbart. Diese Elemente decken jedoch nur einen Teil der Beziehungen zu Raum und Zeit ab, die das Projekt durchziehen. Sie erschienen mir als die geeignetsten, um sie zunächst zu teilen.

Nutzen Sie die NFT-Technologie? Gilt das auch für den Verkauf dieser Bilder?

Ja, die gesamte digitale Sammlung ist auf OpenSea verfügbar. Die Verwendung von NFTs hat mich vor allem wegen der Mehrdeutigkeit interessiert, die sie in Bezug auf die Konzepte von Seltenheit und Authentizität in einem Umfeld einbringen, das von Natur aus mit Vervielfältigung verbunden ist. Diese Mehrdeutigkeit spiegelt einige Fragen wider, die in Acousma hinsichtlich Reproduzierbarkeit, Variation und dem Status des „Originals“ aufgeworfen wurden. Diese Fragen sind besonders anregend, wenn sie unsere gewohnte Art, über Einzigartigkeit, Kopie oder Authentizität im Bereich der Kunst nachzudenken, hinterfragen und in Spannung versetzen.

Ich möchte dich bitten, näher auf die Frage der Authentizität einzugehen und zu erläutern, welche Interessen du in diesem Zusammenhang verfolgst.

Das Thema Authentizität interessiert mich insofern, als es sich mit dem des Originals überschneidet. Es ist jedoch der „sich wandelnde“ Charakter unserer Vorstellung vom Original, der meine Aufmerksamkeit fesselt. Die Kriterien, nach denen ein Werk als solches anerkannt wird, haben sich im Laufe der Kunstgeschichte kontinuierlich weiterentwickelt. Aus dieser Perspektive erscheint mir der Status des Originals als eine Eigenschaft, deren Konturen je nach historischen, technischen, rechtlichen, kulturellen und institutionellen Kontexten neu definiert werden können. Die Kunstgeschichte bietet zahlreiche Beispiele, die zeigen, wie diese Kriterien durch etablierte Konventionen konstruiert und gefestigt werden. Im Bereich der Bildhauerei können mehrere Abgüsse derselben Bronzeskulptur als Originalwerke anerkannt werden, wenn sie bestimmte Bedingungen erfüllen. In Frankreich gelten in der Regel bis zu acht nummerierte Abgüsse, zu denen noch die Künstlerproben hinzukommen können, als Originale. Die Einstufung eines Werks als Original beruht somit nicht nur auf seiner materiellen Einzigartigkeit, sondern auch auf der Begrenzung der Auflage und dem Herstellungsprozess, die durch entsprechende Rechtsrahmen geregelt sind. Auch die Grafik, die Fotografie und die Lithografie haben gezeigt, dass ein Werk vervielfältigt werden kann, ohne seinen Status als Original zu verlieren. Die Ready-mades von Marcel Duchamp, die Siebdrucke von Andy Warhol und bestimmte Formen der generativen Kunst haben auf ihre Weise das Konzept des Originals verdrängt. Was die Authentizität betrifft, so verdeutlichen Fälle von Fälschungen, die als authentisch gelten, die Rolle von Validierungsmechanismen, Fachkompetenz, Provenienz und institutioneller Anerkennung bei ihrer Konstruktion. Heute tragen NFTs zu einer Neugestaltung einiger dieser Mechanismen bei, indem sie neue technische Verfahren zur Zertifizierung und Rückverfolgbarkeit einführen. Die Art und Weise, wie diese Konzepte im Laufe der Zeit interpretiert werden, offenbart somit die Spannungen in unserer Denkweise über das Kunstwerk, seine Reproduktion und seinen Wert. In Acousma können sich diese Spannungen als strukturelle Effekte eines bis zum Äußersten getriebenen Modulationsprozesses manifestieren.

Nutzen Sie künstliche Intelligenz, um Ihre Bilder zu erstellen?

Die Kompositionen sind das Ergebnis persönlicher künstlerischer Eingriffe und basieren nicht auf Programmen der künstlichen Intelligenz.

Der Autor dieses Artikels: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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