Giampaolo Abbondio, Galerist auf der Biennale: Die Qualität des Werks muss im Vordergrund stehen

Mit der Präsenz von Maria Magdalena Campos Pons auf der Biennale von Venedig 2026 nimmt die Galerie Giampaolo Abbondio das Werk einer Künstlerin in das Ausstellungsprogramm auf, mit der sie seit mehr als fünfundzwanzig Jahren eine kontinuierliche Beziehung unterhält. Die 2001 unter dem Namen PACK Gallery gegründete und von Giampaolo Abbondio geleitete Galerie hat im Laufe der Jahre ein Programm entwickelt, das aufstrebende Künstler mit bereits etablierten internationalen Persönlichkeiten verbindet und dabei stets die produktive Dimension des Werks und die Prozesse, die seine Realisierung bestimmen, im Auge behält. Im September 2019, nach neunzehn Jahren Tätigkeit, nahm die Galerie ihren aktuellen Namen Galleria Giampaolo Abbondio an, was eine Phase der weiteren Identitätsdefinition markiert. Im Juni 2020 verlegte sie ihren Sitz nach Mailand, und im Juni 2021 verlegte sie ihre Ausstellungstätigkeit in das historische Zentrum von Todi in Umbrien, in ein historisches Gebäude. Im Laufe ihrer Tätigkeit hat die Galerie an zahlreichen Messen für zeitgenössische Kunst teilgenommen, sowohl auf nationaler Ebene, darunter die Arte Fiera Bologna und die Miart, als auch auf internationaler Ebene, wo sie an Ausstellungen wie der Arco in Madrid, der Art Chicago, der Art Miami, der Art Moscow und der Beirut Art Fair teilgenommen hat, wodurch sie ihre ständige Präsenz in den wichtigsten Kreisen des Kunstsystems konsolidiert hat.

Für Giampaolo Abbondio ist die Teilnahme an der Biennale das Ergebnis eines langen gemeinsamen Weges, der vor mehr als 25 Jahren in Venedig begann und durch ständige Kooperationen und internationale Projekte konsolidiert wurde. In dieser Ausgabe nimmt das Werk von Campos Pons eine zentrale Rolle innerhalb des Hauptpavillons in den Gärten der Biennale ein und wird so auch zu einer Gelegenheit, über die Beziehung zwischen Produktion, wirtschaftlicher Nachhaltigkeit und der Möglichkeit für italienische und internationale Künstler, Zugang zu großen Ausstellungskontexten zu erhalten, nachzudenken. In diesem Interview stellt Giampaolo Abbondio auch eine Sichtweise der zeitgenössischen Biennale als einen Raum vor, in dem die Qualität des Werks Vorrang vor jeder Kategorie von Identität oder Geografie hat und das Atelier des Künstlers und die autonome Kraft des Werks wieder in den Mittelpunkt gestellt werden. Ein Ansatz, der die Philosophie der Galerie widerspiegelt: die Komplexität der kreativen Prozesse zu verfolgen, ohne sie auf Definitionen zu reduzieren, und es in erster Linie den Werken zu überlassen, die Bedeutung ihrer Positionierung in der Kunstwelt zu bestimmen. Hier ist, was er uns erzählt hat.

NC. Was sagt Ihnen die Präsenz der Galerie Giampaolo Abbondio auf der Biennale von Venedig?

GA. Die Galerie ist nicht direkt auf der Biennale vertreten, sondern durch die Arbeit einer Künstlerin, mit der sie seit längerem zusammenarbeitet, Maria Magdalena Campos Pons. Ich bin ihrem Werk zum ersten Mal vor 25 Jahren hier in Venedig begegnet, bei einer Begleitveranstaltung, die zum ersten Mal das Thema der afrikanischen Diaspora behandelte, zusammen mit anderen Künstlern, die später große internationale Bedeutung erlangten. Bei dieser Gelegenheit entstand eine Beziehung, die sich im Laufe der Zeit gefestigt hat und 2002 mit einer eigenen Ausstellung ihre erste offizielle Form fand. Seitdem wurde die Zusammenarbeit im Rahmen zahlreicher gemeinsamer Projekte kontinuierlich fortgesetzt. Für die Galerie stellt dieser Weg wahrscheinlich den Höhepunkt in ihrer Geschichte dar: ein besonders wichtiger Moment, sowohl für die Dauer der Beziehung als auch für die Anerkennung, die sie im Laufe der Zeit erhalten hat. Auch auf der Biennale nimmt das Werk von Campos Pons eine äußerst wichtige Position ein, da es im ersten großen Saal des Hauptpavillons in den Giardini ausgestellt ist.

Welches Werk hat Maria Magdalena Campos Pons auf der Biennale von Venedig präsentiert und wie hat die Galerie zur Realisierung und Entwicklung des Projekts beigetragen?

Die Galerie spielt eine sehr aktive Rolle, aber die Auswahl der Künstler bleibt in den Händen der Biennale. In diesem Fall hat der Künstler ein spezifisches Projekt entwickelt, das sich dann in der präsentierten Arbeit materialisiert hat. Das Werk wurde in Zusammenarbeit mit zwei anderen Galerien, die Magda in verschiedenen Ländern betreuen, der Galerie Barbara Thumm und der Galerie Efie, realisiert, da das Projekt besonders komplex und die Produktionskosten hoch waren. Die Abwesenheit italienischer Künstler in der internationalen Ausstellung hängt auch mit diesen Aspekten zusammen: Es ist oft schwierig, so große Investitionen für die Produktion von Werken zu tätigen, insbesondere wenn es sich um nationale Künstler handelt. Dies wird zu einem zentralen Thema, das die Auswahl und die Möglichkeiten der Teilnahme beeinflusst. So entsteht ein Teufelskreis, der dazu führt, dass italienische Künstler bei großen internationalen Ausstellungen benachteiligt werden.

Was halten Sie von der Abwesenheit italienischer Künstler bei der Biennale in der Hauptausstellung?

Im Laufe der Jahre wurde oft mehr in ausländische Künstler investiert, mit der Folge einer zunehmenden Verarmung des nationalen Angebots. Eigentlich ist die geografische Herkunft der Künstler der am wenigsten relevante Aspekt. Meiner Meinung nach sollte die Auswahl nicht auf Identitätskategorien beruhen: Man fragt nicht danach, ob ein Künstler Italiener oder eine Frau ist oder einer bestimmten Kultur oder Religion angehört. Der Fokus sollte ausschließlich auf dem Werk, seiner Qualität und seiner Fähigkeit, Interesse zu wecken, liegen. Wenn ein Werk funktioniert, wird es ohne weitere Unterscheidung angeboten. Gleichzeitig ist die Zahl der italienischen Künstler, mit denen wir zusammenarbeiten, im Vergleich zu vor 20 Jahren zurückgegangen, und zwar nicht so sehr aufgrund einer Auswahl, sondern weil es in der aktuellen Szene weniger starke und wirklich überzeugende Vorschläge gibt.

Welche Verbindung besteht zwischen dem Projekt des Künstlers und dem kuratorischen Projekt der Biennale?

Das ist eine interessante Frage, besonders in diesem Fall, auch weil die Kuratorin Koyo Kouoh vor einem Jahr verstorben ist. Ich weiß, dass sie Maria Magdalena Campos Pons ausgewählt und auch den Ort des Werks festgelegt hatte, aber ich bin mir nicht sicher, ob das Projekt zu diesem frühen Zeitpunkt bereits in den Köpfen der Künstlerin voll ausgeprägt war. Es bestand jedoch eine langjährige Beziehung zwischen den beiden: Sie kannten sich seit vielen Jahren, und Koyo Kouoh hatte sie bereits 2004 zur Biennale von Dakar eingeladen. Es war also eine lange Beziehung, die auf einer offensichtlichen gegenseitigen Wertschätzung beruhte. Ich kann mir vorstellen, dass genau diese Nähe den Prozess beeinflusst hat, auch wenn es nicht von Anfang an ein bestimmtes Projekt gab. Es überrascht nicht, dass das von Campos Pons geschaffene Werk auch den Wert einer Hommage hat, einschließlich eines Porträts der Kuratorin.

Was sollten die Besucher Ihrer Meinung nach von den auf der Biennale ausgestellten Werken der Künstlerin erwarten?

Das auf der Biennale präsentierte Projekt wurde zwar von uns drei Galerien auf der Grundlage gemeinsamer Vorgaben erarbeitet, entwickelte sich aber mit einer starken Autonomie des Künstlers. In einigen Phasen war es genau diese Autonomie, die dazu führte, dass man das Werk als Ganzes nicht immer sofort verstand. Zwischen der anfänglichen Idee und ihrer Realisierung kann es nämlich passieren, dass sich das Werk verändert und umgestaltet, sogar erheblich, bedingt durch den Produktionsprozess selbst. In diesem speziellen Fall zeigt die Biennale große, mit Aquarellfarben gemalte Tafeln, die etwa dreieinhalb Meter messen, sowie eine Reihe von Blumen, die verschiedene Gestaltungsphasen durchlaufen haben. Sie wurden lange Zeit abwechselnd aus Muranoglas und aus Glasfaser hergestellt, weil die Skulpturen aus den Aquarellen des Künstlers entstanden sind, die keine echten technischen Entwürfe sind. Während der Produktion entdeckte der Künstler die Möglichkeiten einer spezialisierten Firma, die seine Aquarelle in dreidimensionale Formen umsetzte. Das Ergebnis war so überzeugend, dass sie diese Lösung dem Glas vorzog, das zerbrechlicher und in mehreren Elementen schwer zu reproduzieren gewesen wäre. Das Glas ist immer noch eine poetische Wahl, aber in einem einzigen Stück von großer Qualität. Die Blumen sind auch eine direkte Erinnerung an die Kuratorin. In vielen Kulturen werden beim Verlust eines Menschen Blumen als Zeichen des Respekts getragen: hier haben sie einen symbolischen Wert für das Gleichgewicht zwischen Schönheit und Schmerz, fast mit einer Funktion der Verarbeitung und Heilung der Trauer. Auch in den Tafeln tauchen florale Elemente auf, wie die Magnolie, die auch in den Farben und Atmosphären des Werks wiederkehrt und diese visuelle und symbolische Verbindung verstärkt. Für die Galerie ist die Präsentation dieses Projekts auf der Biennale ein großes Gefühl und die Krönung einer fünfundzwanzigjährigen Reise, die einen Künstler in eine so zentrale Position innerhalb der Veranstaltung bringt. Neben seiner visuellen Stärke hat das Werk auch eine zutiefst poetische Komponente. Die Zusammenarbeit mit zwei anderen Galerien machte den Prozess komplex, manchmal sogar heikel im täglichen Management. Mit dem Künstler hingegen war der Dialog immer sehr direkt und kontinuierlich, fast täglich. Es herrschte eine starke Harmonie, auch wenn sie zwischen den verschiedenen beteiligten Gesprächspartnern unterschiedlich war. Weibliche Galeristen zeigen im Allgemeinen oft eine sehr starke Entschlossenheit und eine große Handlungsfähigkeit; im Vergleich dazu kann die männliche Rolle in dieser Dynamik eher defiliert sein.

Können Sie uns einige Ihrer allgemeinen Eindrücke von der Biennale mitteilen?

Ich habe keinen akademischen Hintergrund in Kunstgeschichte: Ich habe kein Kunststudium hinter mir. Ich habe jedoch versucht, meine Unvorbereitetheit, sagen wir, in ein Arbeitsinstrument zu verwandeln. Da ich mir keine allzu strengen Vorgaben mache, verlasse ich mich sehr auf meinen Instinkt, um herauszufinden, was mich interessiert und was mich nicht interessiert. Am Anfang war es auch einfacher, weil ich weniger wusste und deshalb noch mehr Spielraum für sofortige Reaktionen hatte. Mit der Zeit habe ich etwas gelernt, obwohl ich glaube, dass man in diesem Bereich nie auslernt: Je mehr man arbeitet, desto mehr Einblicke bekommt man. Wenn ich die Biennale zwischen dem Pavillon von Venedig und dem Arsenale besuche, beschäftige ich mich oft nicht sofort mit den Namen der Künstler. Ich schaue mir einfach die Werke an. Wenn mir etwas auffällt, gehe ich darauf zu. Dann fotografiere ich: erst das Werk, dann den Namen des Künstlers, denn dann muss ich tiefer einsteigen. Bei den beiden vorangegangenen Biennalen hatte ich zum Beispiel niemanden fotografiert. Bei dieser Biennale hingegen habe ich bereits vier Künstler fotografiert, was für mich sehr viel ist. Vier Werke, die mich überraschen, in einer Ausgabe zu finden, ist ein wichtiges Zeichen. Und damit gewinnt auch die Hauptausstellung. Ich habe noch nicht alle nationalen Pavillons besucht, aber der allgemeine Eindruck ist, dass die Hauptausstellung eine der erfolgreichsten der letzten Jahre ist. Die vorherige Ausgabe, die von Pedrosa kuratierte, empfand ich dagegen als viel schwächer, zumindest meiner Meinung nach. Meiner Meinung nach liegt der Unterschied im kuratorischen Ansatz. Damals hatte man das Gefühl, dass Identität oder politische Kategorien, Geschlecht, Herkunft, Zugehörigkeit im Vordergrund standen und nicht die spezifische Qualität der Werke. Hier hingegen liegt der Schwerpunkt stärker auf dem Werk selbst. Für mich zählt das, was im Atelier passiert, nicht das, was passiert, wenn der Künstler das Atelier verlässt. Daran misst sich die Qualität der Arbeit. Der Titel dieser Biennale, In Moll-Tonarten, ist ebenfalls interessant: Er erinnert an die Moll-Tonarten in der Musik, die oft als melancholischer oder komplexer gelten, in Wirklichkeit aber sehr nuanciert sind. Diese Idee kommt in der Ausstellung gut zum Ausdruck. Ein Aspekt, der mich wirklich beeindruckt, ist die emotionale Beziehung zu den Werken. Es ist nie nur eine intellektuelle oder theoretische Frage: Es muss eine Reaktion geben, auch eine Ablehnung. Wichtig ist, dass das Werk einen nicht gleichgültig lässt. Wenn es keine Emotionen hervorruft, weder positive noch negative, verliert es für mich an Bedeutung. Das eigentliche Problem in der zeitgenössischen Kunstwelt besteht darin, dass das Wort “brillant” verwendet wird. Wenn ich höre, dass ein Werk brillant ist, habe ich das Gefühl, dass es alles zu schnell abschließt: als ob es nichts mehr zu hinterfragen gäbe. Stattdessen sollte ein Werk verschiedene Ebenen des Lesens eröffnen. Ich denke da an Boetti: Am Anfang wurde er als Genie bezeichnet, dann wurde klar, dass seine Forschung viel komplexer und vielschichtiger ist. Mein Eindruck von dieser Biennale ist positiv. Es wäre interessant gewesen, das Votum der Jury zu erfahren, aber das wird immer unerreichbar bleiben. Auch das Urteil des Publikums ist letztlich unweigerlich parteiisch: über die Zeit verteilt und durch individuelle Wege bedingt.

Der Autor dieses Artikels: Noemi Capoccia

Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.

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