Gestern, am 12. Juni 2025, kam es imPalazzo Maffei in Verona zu einem Zwischenfall, der die Debatte über den Wert und die Zerbrechlichkeit zeitgenössischer Kunst neu entfachte: Zwei Besucher nutzten die kurzzeitige Abwesenheit des Sicherheitspersonals, um sich auf dem mit Hunderten von Swarovski-Kristallen besetzten "Van Gogh"-Stuhl von Nicola Bolla zu fotografieren(mehr dazu lesen Sie hier). Das Ergebnis ist eine massive Beschädigung eines Werks, das den Kontrast zwischen Schein und Sein voll und ganz verkörpert.
Das Museum veröffentlichte Videoaufnahmen des Vorfalls und betonte die Bedeutung des Schutzes von Werken, indem es die Wiederherstellung des Artefakts ankündigte. Der Vorfall, der für das komplizierte Verhältnis der Öffentlichkeit zu bestimmten zeitgenössischen Kunstobjekten steht, bietet die Gelegenheit, über die Bedeutung der Werke von Nicola Bolla nachzudenken(hier ein langer Artikel von Federico Giannini über die künstlerische Praxis von Bolla), einem 1963 geborenen piemontesischen Künstler, konzeptionellen Bildhauer und Augenchirurgen von Beruf.
Bolla wurde in Saluzzo in der Provinz Cuneo geboren und stammt aus einer Familie, die sich bereits mit Kunst beschäftigt hat. Sein Vater, Piero Bolla, ist Maler, seine Mutter, Silvia Aimone, Bühnenbildnerin. Seine optische Sensibilität und sein Interesse am Zeichnen zeigten sich daher schon früh. In den 1980er Jahren tritt er in die Fußstapfen seines Vaters und beginnt, sich der Malerei zu widmen, die seit 1984 eine konstante Rolle in seinem persönlichen und beruflichen Werdegang spielt. Gleichzeitig setzte er sein Medizinstudium fort und spezialisierte sich auf Augenheilkunde (ein medizinisches Fachgebiet, das sich mit der Vorbeugung und Behandlung des Sehapparats befasst): Die doppelte Identität, die des Arztes und des Künstlers, bleibt eine Konstante in seinem Profil und trägt zur Festigung einer autonomen Praxis bei, die frei von der Logik des Marktes ist. In diesem Sinne stellt sich die Kunst für Bolla als eine vielschichtige, ironische, poppige Sprache dar, die von der figurativen Tradition ausgeht, um sie durch unerwartete Materialien neu zu interpretieren. Ab den 1990er Jahren begann er, Werke zu schaffen, die von den Wunderkammern des Barocks inspiriert sind, in denen natürliche und künstliche Objekte, Relikte, exotische und häusliche Elemente nebeneinander existieren.
Bei alledem ist seine Herangehensweise niemals zitathaft: In seiner künstlerischen Praxis wird das Element überarbeitet, demontiert und dann gemäß einer zeitgenössischen Ästhetik, die mit dem Kontrast zwischen Form und Inhalt spielt, neu konfiguriert. 1997 schuf er eines seiner bekanntesten Werke: einen vollständig mit Swarovski-Kristallen besetzten Totenkopf mit dem Titel Skull. Das Werk ist zehn Jahre vor Damien Hirsts For the Love of God entstanden, das zum Sinnbild für die Beziehung zwischen Kunst und Markt geworden ist. Doch während Hirst auf dem wirtschaftlichen Wert und der Zurschaustellung von Luxus besteht, verwendet Bolla das Kristall in einer konzeptionelleren, entschieden anderen Interpretation. Das Kristallelement ist kein Statussymbol. Es wird vielmehr als Mittel zur Darstellung der Illusion von Wert, der Zweideutigkeit zwischen Schein und Sein gesehen. Swarovski ist in Wirklichkeit gemahlenes Glas, das den Diamanten imitiert, ohne dessen Eigenschaften zu besitzen. Er ist reflektiertes Licht, daher flüchtig, instabil und nie ganz greifbar. Seine Wahl markiert einen Wendepunkt in der Poetik des Künstlers: Seitdem ist es ein immer wiederkehrendes Material in Installationen, Skulpturen und Objekten geworden. Es ist das perfekte Werkzeug, um das memento mori, die zeitgenössische Vanitas, zu verkörpern: glänzend, verführerisch, aber gleichzeitig leer, wie das Versprechen von Luxus, der in Wahrheit nie echt ist. Darüber hinaus bringt der Kristall eine zweideutige Körperlichkeit mit sich: Er erscheint fest, zerbricht aber leicht, er drängt sich dem Auge auf, hat aber kein Gewicht.
Durch die Verwendung von Swarovski-Kristallen verfolgt Bolla eine Reflexion über die Vergänglichkeit der Existenz. Seine Arbeiten fügen sich in die Tradition der barocken Vanitas ein, aktualisieren aber deren Lexikon. Es handelt sich nicht mehr um Totenköpfe, Sanduhren und verwelkte, in Öl gemalte Blumen, sondern um alltägliche Gegenstände, alltägliche Werkzeuge, die durch eine Patina aus Licht verklärt werden. Die Ironie ist subtil, aber zentral. Es handelt sich um Elemente, die an den Gebrauch, an die Funktion gebunden sind, die an Gewicht und Konsistenz verlieren und zu ästhetischen, trügerischen, unbrauchbaren Figuren werden. In diesem Sinne entscheidet sich Bolla für die Destabilisierung und das Spiel mit der Ambivalenz. Seine Skulpturen erscheinen kostbar, sind aber schwach, sie wirken monumental, sind aber flüchtig. Das Licht, das konstituierende Element seiner Arbeit, ist selbst ein Thema: Es durchquert Oberflächen, fragmentiert sie, löst ihre Konturen auf. Wie die Zeit und wie die Erinnerung. In den 2000er Jahren erweiterte Bolla sein formales Register. Die Installationen wurden klarer gegliedert und oft ortsspezifisch. Eine der bekanntesten ist Orpheus’ Dream aus dem Jahr 2009. Parallel zur Bildhauerei verfolgt Bolla eine weniger exponierte, aber ebenso konsequente bildnerische Forschung. Es handelt sich umPigment Paintings, Werke aus reinen Pigmenten, die oft direkt auf der Oberfläche bearbeitet werden, ohne Medien oder kanonische Träger.
Farbe wird zu lebendiger Materie und löst eine Verbindung mit dem Licht aus, die im Idealfall an die dreidimensionalen Arbeiten anknüpft. In diesem Sinne könnte man die Malerei von Bolla als ein visuelles und konzeptionelles Feld definieren, in dem Tiefe und Künstlichkeit angesprochen werden. Das Werk entsteht also aus einer inneren Notwendigkeit heraus, einer expressiven Dringlichkeit, die aus einer doppelten Perspektive, der klinischen und der poetischen, herrührt. Die Medizin hat ihn gelehrt, zu beobachten, zu messen und mit Präzision am Körper zu operieren. Die Kunst hingegen erlaubt es ihm, einen parallelen Diskurs zu konstruieren, der aus Anspielungen und Überlagerungen besteht. Seine Werke wollen entschärfen. Sie beschwören die Schönheit, um sie zu verleugnen, sie ziehen die Blicke an, um sie zu untergraben. In dieser ständigen Spannung liegt die Essenz von Bolla: eine künstlerische Praxis, die mit seinem Wesen übereinstimmt und autonom ist.
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| Wer ist Nicola Bolla, der Künstler des Swarovski-Stuhls, der von Selfie jagenden Touristen zertrümmert wurde? |
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