Die Ausstellung der Belle Époque, die noch bis zum 7. April 2026 im Palazzo Blu in Pisa zu sehen ist, hätte auch den Titel Les Italiens de Paris tragen können, und tatsächlich lautet der Untertitel “Italienische Maler in Paris im Zeitalter des Impressionismus”. Die Protagonisten dieser von Francesca Dini kuratierten Ausstellung sind vor allem Giovanni Boldini, Giuseppe De Nittis und Federico Zandomeneghi, d.h. die drei Künstler, die zu den wichtigsten Italienern in Paris zählen, die zwischen den 1870er Jahren und dem ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts die französische Hauptstadt als idealen Ort wählten, um ihre Kunst und ihre Art zu malen in Richtung Moderne weiterzuentwickeln.Jahrhunderts die französische Hauptstadt als idealen Ort wählten, um ihre Kunst und ihre Art zu malen in Richtung Moderne weiterzuentwickeln, denn in jenen Jahren begann man in Paris eine neue Luft zu atmen, eine Luft der Eleganz, der Weltoffenheit eines Bürgertums, das sich mit der Verbesserung seines Lebensstandards zunehmend urbanisierte. Ein Bürgertum, das die Salons, die Cafés und die Theater besuchte, das über die Boulevards flanierte und aktiv an der außergewöhnlichen kulturellen Welle teilnahm, die die Ville Lumière in dieser Zeit erfasste, in der Paris zum wahren Nervenzentrum Europas wurde . Das angenehme und scheinbar frivole Leben der Bourgeoisie gehörte daher zu den häufigsten Motiven dieser Künstler, die den Zeitgeist in ihre Gemälde einfließen ließen. Diese Wahl wurde in der Vergangenheit jedoch als eine Art Verrat der italienischen Künstler in Paris an ihren kulturellen Ursprüngen angesehen, um die Gunst des Pariser Marktes zu erlangen. Erklärtes Ziel der Ausstellung ist es daher, so die Kuratorin in der Einleitung des begleitenden Katalogs, “die stilistischen Mutationen von Boldini, De Nittis und Zandomeneghi und die Synergien zu bewerten, die sich aus ihren Begegnungen mit anderen bedeutenden europäischen Künstlern ergeben, die in der französischen Hauptstadt lebten”, und “die Rolle unserer tapferen Maler in der Vielfalt ihrer ästhetischen Entscheidungen und ihres Weges zu historisieren”. Inhaltlich: "Sind unsere Maler kurzsichtiger als die französischen Impressionisten, die das angenehme Leben der Metropole und ihre Umrisse bevorzugt darstellten? Oder war es für Frankreich nach der katastrophalen Niederlage bei Sedan vielleicht günstig, diese Darstellung der modernen Metropole, des angenehmen Lebens, der Belle Époque in den Mittelpunkt zu stellen, um sein verlorenes internationales Ansehen wiederzuerlangen?
Ohne die ruinöse französische Niederlage im Deutsch-Französischen Krieg von 1870 hätte es wahrscheinlich keine Belle Époque gegeben. Und so lässt uns die Ausstellung im Palazzo Blu, bevor sie uns die Annehmlichkeiten und die Eleganz dieser glücklichen Zeit (wenn auch nur ein bürgerliches Privileg) genießen lässt, die schwere und tragische Luft einatmen, die ihr vorausging, durch die Nocturne von Carlo Ademollo, einem Künstler und Soldaten des Risorgimento, der drei Nonnen im Laternenlicht zwischen den Leichen darstellt, die am Abend der Schlacht von Sedan noch auf dem Schlachtfeld liegen, durch die Körper der Gefallenen auf den Palmen des Martyriums, mit stark charakterisierten Gesichtern, vor der Personifikation von Paris, die mit der französischen Trikolore in Fetzen während der von Ernest Meissonier dargestellten Belagerung steht, und durch die auf dem Boden liegenden Leichen im Vordergrund, darunter die einer Frau, die mit dem grünlichen Teint des Todes auf dem großen Gemälde von Maximilien Luce im Muséd’Orsay, das auf die Opfer der Kommune verweist.
Der starke Kontrast zwischen dem ersten und zweiten Teil, zwischen der Tragik des Todes und der glücklichen Zeit der Belle Époque-Ära, deutlich hervorgehoben durch die anmutige Berthe, die von Giovanni Boldini auf einer Parkbank in der französischen Metropole porträtiert wird, gekleidet nach der neuesten Mode, mit gekreuzten Beinen, den Blick zur Seite gerichtet und die kleine Hand am Kinn, deren kleiner Finger über den halb geöffneten Mund gleitet, in einer Geste zwischen Unschuld und Sinnlichkeit. Ein Stimmungssprung, der sich mit der Rückkehr von den Pferderennen an einem sonnigen Tag im Bois de Boulogne fortsetzt, einem Gemälde von Giuseppe de Nittis, das ihm ebenfalls die Gelegenheit gibt, Damen, Herren und Kinder gut gekleidet und glücklich darzustellen. Haben die beiden also ihre italienischen Wurzeln verraten, um sich zu “befruchten”? Nein, sie passten sich offensichtlich der Zeit an, wie Francesca Dini betont, sie fingen die Sehnsucht nach Leichtigkeit der Pariser Gesellschaft auf, die von Lebensfreude beseelt war und die schwierigen Jahre vergessen wollte, die gerade vergangen waren, und jeder von ihnen übernahm daher die Rolle des Malers des modernen Lebens oder, wie Baudelaire sagen würde, des Flaneurs, des Mannes, der müßig durch die Straßen der Stadt streift, die Landschaften und Menschen betrachtet, die er auf seinen Streifzügen sieht, und sich am universellen Leben erfreut. Es ist daher überraschend, im weiteren Verlauf der Ausstellung Gemälde von Boldini zu sehen, die sich von den üblicherweise in Ausstellungen gezeigten unterscheiden, genauer gesagt von seinen typisch eleganten Frauenfiguren: Ein Paar Szenen im Park von Versailles, galante und gemächliche Begegnungen von kleinen, aber detaillierten Figuren, aber vor allem eine ungewöhnliche Landschaftsansicht der Strada maestra in Combes-la-Ville, die in einen Dialog gestellt wurde, um ihre gegenseitige Nähe zu Spiaggia a Portici von Mariano Fortuny y Marsal (der Katalane galt in Paris als der Künstler der Stunde), der anlässlich dieser Ausstellung zum ersten Mal in Italien ausgestellt wurde, und zu Il mulino di Castellammare von De Nittis, das schon lange nicht mehr ausgestellt wurde, zu betonen. Eine Nähe, die einem in dem wunderschönen wolkenverhangenen Himmel sofort ins Auge springt. Das Gemälde von Boldini wurde von dem amerikanischen Sammler William Hood Stewart gekauft, einem der wichtigsten Bezugspunkte in Paris für zeitgenössische Kunst, zusammen mit dem Maison Goupil (letzteres ist ein wahrer Talentscout für Künstler, vor allem aus Süditalien, die sich auf dem internationalen Markt durchsetzen sollen, darunter Alceste Campriani und Antonio Mancini, die in der Ausstellung vertreten sind), und es ist Es ist daher wahrscheinlich, dass Fortuny das Werk in natura gesehen hat, da Stewart sein Mäzen war, und von der “Italienizität dieses Tiepolesco-Himmels” so beeindruckt war, dass er es nur ein Jahr später in seiner Spiaggia a Portici erneut vorstellte.
Die Protagonisten der nächsten beiden Abschnitte sind wiederum Boldini und De Nittis: Beide lassen sich von der sie umgebenden Realität inspirieren, wie es ihrer Rolle als Maler des modernen Lebens entspricht, und konzentrieren sich mal auf Ansichten von Straßen, Plätzen und Feldern, mal auf Details des Alltagslebens. Beispiele dafür sind die Wäscherinnen an der Seine oder Berthe, die mit aufgespanntem Sonnenschirm und ihrem kleinen Hund auf dem Land spazieren geht, von Boldini, und Al Bois und In den Feldern um London von De Nittis. Jedes mit seinem eigenen Stil und seinen eigenen Neigungen: De Nittis wendet sich der Dynamik des Zeichens und der Vorliebe für Porträts zu (besonders bedeutsam ist in diesem Zusammenhang Lo strillone um 1880), De Nittis wendet sich Studien des Lichts zu, die ihn immer näher an denImpressionismus heranführen (an der ersten Ausstellung 1874 im Fotostudio Nadar nimmt er mit zwei Studien des Vesuvs teil), wie man bereits an dem Gemälde Nei campi intorno a Londra mit seiner klaren impressionistischen Pinselführung erkennen kann. Das Haus De Nittis wurde zum Treffpunkt vieler Freunde, Künstler und Intellektueller, auch dank des gutmütigen Charakters des Malers aus Barletta und der außergewöhnlichen Gastfreundschaft seiner Frau Léontine; es war voll von Kunstwerken seiner impressionistischen Freunde und von japanischen Gemälden, die der Künstler gerne sammelte. Eine prächtige Auswahl von Gemälden aus der Pinacoteca De Nittis in Barletta führt uns nun in dashäusliche und familiäre Universum des Malers ein, in dem er sich geliebt und von der Zuneigung seiner Lieben umgeben fühlte, seiner geliebten Frau Léontine und ihrem Sohn Jacques, von dem ihn ein früher Tod im Alter von nur 38 Jahren für immer trennte. Zu diesen Gemälden gehören ein Selbstporträt des Künstlers im Salon seines Hauses, Léontine sitzend vor einer Schneelandschaft in Effect of Snow, At the Races of Auteuil - On the Chair , in dem der Maler zu seinem geliebten Thema der Pferderennen zurückkehrt, Frühstück im Garten und In der Hängematte, in denen er sich auf die Darstellung des Alltagslebens In der Hängematte, in dem er sich auf die Darstellung des Alltags zwischen Jacques und seiner Mutter konzentriert und in dem er auch die Gelegenheit hat, den Kontrast zwischen Licht und Schatten zu bearbeiten, und Der Salon der Prinzessin Mathilde oder Mathilde Bonaparte, Cousine von Napoleon III. und Nichte von Bonaparte, deren Salon im Hotel in der Rue de Berri, in dem die Prinzessin lebte und Gäste empfing, umgeben von ihrer Kunstsammlung, einer der begehrtesten Salons in Paris war. Es handelt sich um ein sehr szenografisches Gemälde, sowohl wegen des großen, rechts geknoteten Vorhangs, der den Blick auf den eleganten Salon freigibt, in dessen Mitte Prinzessin Mathilde selbst stehend und mit ihrem älteren Gast plaudernd dargestellt ist, als auch wegen des Lichts, das den runden Tisch voller Gegenstände und Blumen beleuchtet, an dem die elegante weibliche Figur mit dem Rücken zum Vordergrund sitzt.
Der bereits im Untertitel der Ausstellung in Pisa erwähnte Dialog der italienischen Maler mit dem Impressionismus wird in der Federico Zandomeneghi und den Impressionisten gewidmeten Abteilung noch deutlicher. Der venezianische Maler kam in der ersten Juniwoche 1874 in Paris an, zwei bis drei Wochen nach der Schließung der ersten Impressionistenausstellung. Er war also von der großen Aufregung, die dieses Ereignis auslöste, betroffen, aber zwischen Zögern und einer schwankenden Anziehungskraft gegenüber dieser neuen Malerei wurde seine Beziehung zu den Impressionisten erst in den Jahren 1878-1879 bekräftigt und gefestigt, dank Diego Martelli, dem berühmtesten Mäzen der Macchiaioli, der zu dieser Zeit in Paris weilte. Der Kritiker hatte die Gelegenheit, in der französischen Hauptstadt die Affinitäten zwischen dem Impressionismus und der Malerei der Macchiaioli direkt zu begreifen, und nachdem er Zandomeneghi in charakterlicher Hinsicht geholfen hatte, da er eher mürrisch und grantig war, gelang es ihm, dass zwei Werke des italienischen Malers auf der Impressionisten-Ausstellung von 1879 ausgestellt wurden, was ihn tatsächlich in die Bewegung brachte. Von allen Impressionisten fühlte sich Zandò Degas am nächsten (vor allem seinen Pastellen) und zog es vor, vor allem junge Mädchen aus dem Bürgertum darzustellen, jedoch mit seinem eigenen Stil, der vor allem eine seiner venezianischen Herkunft nahe stehende Farbwahl beinhaltete (man beachte die Farbmischung in den Hintergründen der ausgestellten Werke). In dieser Abteilung sticht das Gemälde Al Café Nouvelle Athènes, das der Maler auf der Gruppenausstellung von 1886 ausstellte, durch seine farblichen Akzente, die Reflexion der runden Lampen auf dem Spiegel und die Natürlichkeit der beiden Figuren hervor, aber auch die Affinität des Künstlers zu bestimmten Kompositionen des Impressionismus wird hier durch eindeutige Vergleiche deutlich: sein Mädchen mit gelben Blumen und Renoirs Jeune fille au ruban bleu, seine Bavardage und Im Garten von Mary Cassatt.
Mit der Entscheidung, in der nächsten Abteilung im Obergeschoss die anmutige Junge Frau in Deshabillé, das Mädchen mit der schwarzen Katze, die Frau mit nackten Brüsten von Giovanni Boldini und Le ruban rose von Raimundo de Madrazo y Garreta zusammenzubringen, möchten wir die Entstehung eines echten europäischen Klischees hervorheben Eineuropäisches Klischee der Eleganz , das seinen Mittelpunkt in der Stadt Paris fand, und eine klare Homologation von Themen , die vom Leben in der französischen Metropole inspiriert waren, durch italienische und spanische Maler, die in den späten 1870er und 1880er Jahren in Paris tätig waren: In der Tat ist eine gewisse Vorliebe für halbhohe Darstellungen weiblicher Figuren auf schlichten Hintergründen festzustellen, Symbole für Schönheit und Charme, die sich durch ein verschmitztes Lächeln und anzügliche Haltungen auszeichnen, die ans Ungehemmte grenzen (verrutschende Unterröcke, entblößte Brüste, sich krümmende Körper und Durchsichtigkeiten). Eine andere Art von Faszination und Geheimnis (hervorgerufen durch die Anwesenheit von Fledermäusen und einer schwarzen Katze) umgibt die Frau im Profil im Vordergrund mit ihrem langen, flauschigen roten Haar in Alfred Stevens’ L’Électricité, das an die verführerischen Frauen der Präraffaeliten erinnert und stattdessen die Idee des Fortschritts hervorrufen soll. Die Ausstellung bietet auch die Gelegenheit, die Urheberschaft von Vicente Palmaroli für die in seinem Pariser Salon dargestellte Dame wiederherzustellen, die 1934 auf der Biennale von Venedig mit der apokryphen Unterschrift von Giovanni Boldini ausgestellt wurde - ein Symptom für die Unruhe bei der Zuschreibung zugunsten des Meisters aus Ferrara und zum Nachteil seiner zeitgenössischen spanischen Maler. Auch der in Leghorn geborene Vittorio Matteo Corcos, ein weiterer von Paris faszinierter Italiener, machte sich dieses europäische Klischee der eleganten Moderne zu eigen, das sich in der Mode des späten 19. Jahrhunderts manifestierte, wovon hier eines der Meisterwerke des Malers zeugt: die Istitutrici ai Campi Elysian, für ihn Ausdruck der universellen Idee von Eleganz und Unbeschwertheit.
Im vorletzten Teil der Ausstellung geht es weiter mit der Eleganz, aber es ist eine Eleganz, die nicht festgelegt, sondern dynamisch ist: keine frontalen und sozusagen ernsten Porträts, sondern lebendigere, modernere Porträts, gestellt, aber nicht unbeweglich und in der Alltagsdimension angesiedelt. Eine neue Idee der Porträtmalerei, für die Boldini, aber auch seine Freunde wie Paul Helleu (den Boldini in einem hier ausgestellten Werk porträtierte, während er Madame Gautreau, die berühmte Madame X von Sargent, malte) und Jacques-Émile Blanche sowie John Singer Sargent selbst stehen. Unter diesen Porträts ragt das des kleinen Subercaseaux, eines der Söhne des chilenischen Geschäftsmannes und Diplomaten Ramon, heraus: gekleidet in einen eleganten Marinet-Anzug, scheint der zerzauste junge Mann, der auf einem kleinen Sofa mit hellen und dunklen Streifen sitzt, ein Bein nach unten und ein Bein nach oben, ein wenig nach vorne und zur Seite zu rutschen und nicht mehr lange dort sitzen zu können...
Die Ausstellung, die uns bis jetzt nach Paris geführt hat, endet... in der Toskana, mit Werken von Luigi und Francesco Gioli, Michele Gordigiani, Angiolo Tommasi, Giorgio Kienerk und jenem Vittorio Matteo Corcos, dessen schöne Istitutrici (Gouvernanten) wir schon etwas früher gesehen hatten. Warum aber endet diese malerische Reise durch die französische Hauptstadt zwischen Straßen, Boulevards, Pferderennen, häuslichen Interieurs, Feldern und Gärten ausgerechnet in der Toskana? Weil die toskanische Künstlergesellschaft durch die häufigen Besuche verschiedener Künstler in Paris zunehmend von den in Frankreich in Mode gekommenen figurativen Aspekten beeinflusst und aktualisiert wurde. Man sagt auch, dass Diego Martelli die Berührungspunkte zwischen diesen beiden Polen wahrgenommen hat, und man muss auch bedenken, wie Boldinis regelmäßige Rückkehr in die Toskana dazu beitrug, die toskanische Kunstwelt mit den Veränderungen in der Kunst, die in der modernen und eleganten Metropole Paris stattfand, auf dem Laufenden zu halten. Es überwiegen die Porträts in Innenräumen und vor Stadt- und Landschaftsbildern. Wir lassen uns von Gordigianis flüchtiger Eleonora Duse verzaubern, sind fasziniert vom direkten Blick der jungen Frau in Corcos Lesung am Meer, folgen den geschwungenen Rückenlinien der drei von Kienerk porträtierten Mädchen in Giovinezza und stehen schließlich vor dem rätselhaften Gesicht des Mädchens, das auf der Bank sitzt und uns mit gekreuzten Beinen und der Hand unter dem Kinn ansieht: Wo befindet sich die junge Frau aus Vittorio Corcos Träume in ihrem Kopf?
Die Ausstellung im Palazzo Blu endet mit dieser Frage. Eine Ausstellung, die den Besucher in neun Abschnitten von einem der dunkelsten Momente Frankreichs bis zu seiner glücklichsten und künstlerisch und kulturell aktivsten Epoche begleitet. Sie zeigt, wie aus der Niederlage der Wunsch nach Wiedergeburt, Gelassenheit, Modernität, Fortschritt und Eleganz erwächst, der das gesamte Bürgertum der französischen Hauptstadt erfasst und die wichtigsten Trends in Mode und Kunst im In- und Ausland bestimmt. Die Frivolität und Weltläufigkeit, die die italienischen Maler der Belle Époque verkörpern, ist also keine Oberflächlichkeit oder ein Verrat an ihrem Herkunftsland, sondern die Auswirkung des damaligen Zeitgeistes , der aus dem Wunsch nach internationaler Erlösung resultiert. Dies spiegelt sich sowohl in dem das Ausstellungsprojekt begleitenden Katalog als auch in der Präsentation in den Räumen des Pisaner Museums wider. Auch das Layout der Ausstellung ist sorgfältig gestaltet (man beachte die Tafeln in den Sektionen, die an die dicken, runden Schilder erinnern, die noch heute in Paris zu finden sind), und die internationalen Leihgaben, darunter das Muséund d’Orsay in Paris, das Philadelphia Museum of Art, das Detroit Institute of Arts, das Meadows Museum in Dallas (dank dessen die Spiaggia di Portici von Fortuny zum ersten Mal in Italien zu sehen ist) und nationale Leihgaben, darunter eine beachtliche Anzahl von Werken aus der Pinacoteca De Nittis in Barletta. Die meisten der ausgestellten Werke stammen aus privaten Sammlungen und sind daher nur selten öffentlich zu sehen.
Die Ausstellung im Palazzo Blu ist daher ein vollständiges Eintauchen in die Pariser Belle Époque, das aus Dialogen, Vergleichen und menschlichen Beziehungen zwischen den Malern besteht, durch die eine historisch gut eingegrenzte Epoche erzählt wird, die ein lebendiges Fresko offenbart, das reichhaltig, aber nie ausschweifend ist und sich nicht auf die Ausstellung von Werken beschränkt, sondern uns einlädt, zu verstehen, wie eine neue Idee der Modernität in Paris Gestalt annahm.
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