Enzo Azzoni, ein fünfundneunzigjähriger Fotograf aus Verbania und ein Läufer, der in seinem jungen Alter noch immer italienische Meisterschaften in der Leichtathletik gewinnt, hat Recht. Er hat Recht, wenn er sagt, dass wir nicht vergessen dürfen, dass wir heute die Kunst von Paolo Troubetzkoy, der zu den größten Bildhauern des frühen 20. Jahrhunderts gehört, kennen und schätzen lernen können, auch dank der Arbeit seines Bruders Luigi Troubetzkoy, der sich dafür eingesetzt hat, dass das Familienerbe nicht verloren geht. Dies sagte Azzoni vor einigen Tagen in einem Appell an La Stampa, während in Paris in diesen Wochen alle Besucher des Musée d’Orsay in die Räume der Ausstellung(Paul Troubetzkoy. Sculpteur) strömen, die, wie es in der wirkungsvollen Präsentation heißt, “die außergewöhnliche Karriere dieses italienischen Künstlers nachzeichnet, der von Geburt ein russischer Prinz und von der Adoption ein Pariser war und gleichzeitig eine glänzende Karriere in den Vereinigten Staaten machte”. In Wirklichkeit wurde er in Intra am piemontesischen Ufer des Lago Maggiore geboren, er war nur gebürtiger Russe, aber als er in das Land seiner Eltern ging, um dort zu arbeiten, sprach er kein Wort der Sprache seines Vaters, und er ging nach Frankreich, weil Paris, wie alle Künstler, die damals ein Minimum an internationaler Beachtung finden wollten, ein unvermeidliches Ziel war. Troubetzkoy war eine Art Kunstpendler, wenn man so will. Wie diejenigen, die heute zur Arbeit nach Mailand pendeln. Aber es ist wahr, dass er in Paris die Schlüssel zu allen Salons hatte, dass er überall ausstellte, dass Frankreich ihm die Türen nach Amerika öffnete und dass seine Karriere ohne Paris nicht dieselbe gewesen wäre. Gegen Ende seiner Karriere hatte er eine kleine Villa mit angrenzendem Atelier in Neuilly-sur-Seine gemietet, und im Sommer kehrte er, wenn er konnte, an den Lago Maggiore zurück, wo ein Großteil seiner Produktion auf Geheiß von Louis ein Zuhause fand.
Paolo Troubetzkoy war 1938 verstorben, und sein Bruder hatte die Hälfte seiner verbliebenen Werke geerbt. Die andere Hälfte war an seine zweite Frau gegangen, und Luigi wollte verhindern, dass diese Hälfte verloren ging, also kaufte er sie und schenkte sie dann dem Museo del Paesaggio in Verbania, der Heimatstadt des Künstlers, wo sich heute der wichtigste und vollständigste Kern seines Werks befindet. Die Ausstellung, die auch den Rahmen für die von Édouard Papet, Anne-Lise Desmas und Cécilie Champy kuratierte Ausstellung im Musée d’Orsay bildete, wird 2026 eine zweite italienische Etappe im GAM in Mailand erleben, kuratiert von Paola Zatti und Omar Cucciniello. Das Museo del Paesaggio in Verbania hat fast fünfzig Werke an das Musée d’Orsay ausgeliehen, die praktisch die Hälfte der Ausstellung ausmachen: derselbe Kern, der dann in Mailand für die zweite Etappe zu sehen sein wird. Außerdem, so Azzoni, hätten wir heute viel mehr, wenn die schwarzen Brigaden im März 1945, als der Krieg fast vorbei war, nicht das Haus von Luigi und seiner Frau in Brand gesetzt hätten. Das Problem sei gewesen, dass das Museum einen Großteil der Werke unter ungeeigneten Erhaltungsbedingungen habe verwahrlosen lassen, und bis in die 1970er Jahre, als er und andere sich um die Einrichtung der Räume kümmerten, seien die Werke von Troubetzkoy im Wesentlichen vergessen gewesen. Dann begann die Wiederentdeckung, die 1990 mit einer Ausstellung im Museum von Verbania begann, sich mit der Teilnahme von Troubetzkoy an zahlreichen Ausstellungen über die so genannte “Belle Époque” fortsetzte und in dieser Doppelausstellung im Musée d’Orsay und im GAM in Mailand gipfelte, der ersten wirklichen Gelegenheit für eine internationale Wiederveröffentlichung. Es ist ein bisschen so, als würde man den Künstler in seine natürliche Dimension zurückbringen. Ein erfolgreicher Bildhauer, nicht so bekannt wie andere, aber dennoch in der Lage, eine Epoche zu prägen, denn er kann ohne Zweifel zu den interessantesten Porträtmalern seiner Zeit gezählt werden. Er war ein unumgänglicher Zeuge des sozialen und kulturellen Lebens seiner Zeit, der mit Künstlern und Literaten befreundet war (er war mit Tolstoi und George Bernard Shaw befreundet, um nur zwei zu nennen), und er war auch eine Persönlichkeit, die für seine Zeit völlig außerhalb jedes Kanons stand: Er war Vegetarier und liebte Tiere so sehr, dass er als einer der ersten modernen Tierschützer angesehen werden kann (dies ist der Hauptgrund, warum sein Werk reich an Tierskulpturen ist).
Ein Künstler fernab der Akademien und immer in der Nähe der Avantgarde. Und dass er sich von jeglicher Tradition befreit hatte, um einfach seinen Instinkten zu folgen, wurde bereits 1900 von einem großenEin großer Vittorio Pica, der ihn in einem in Emporium veröffentlichten Artikel an die Spitze der jungen italienischen Bildhauerei stellte, verglich ihn mit Rodin und Meunier und vertrat die Ansicht, dass seine Bildhauerei keine italienischen Väter habe, oder wenn doch, dann müsse sie diese in der Malerei finden (es handelte sich um Tranquillo Cremona, der zu Recht die Ausstellung im Musée d’Orsay zusammen mit anderen Scapigliati eröffnete). Bei der Beschreibung von Troubetzkoy griff Pica auf eine Polemik von Huysmans zurück, der 1881 beklagte, dass die Bildhauer es nicht wagten, sich mit dem zeitgenössischen Leben und der “modernen eleganten Dame” auseinanderzusetzen: Huysmans hätte, so Pica, “zugeben müssen, in Troubetzkoy den kühnen und intelligenten Umsetzer eines seiner Ideale als raffinierter Kunstkritiker der Avantgarde gefunden zu haben, und dies, ohne auf Holz, Wachs oder Polychromie zurückzugreifen, Mittel, die er vorgeschlagen hatte, um eine wirksame Wiedergabe der Gesichtszüge, der Haltung und der Kleidung der Frau unserer Zeit zu erreichen”. Und das ist ihm mit der Bronze gelungen, mit seiner “impressionistischen Technik der Bildhauerei”: eine Definition des Begriffs “impressionistisch”, die von allen zeitgenössischen Kritikern verwendet wird, die aber, wie wir sehen werden, vielleicht nicht ausreicht, um sein Werk vollständig zu erfassen.
Troubetzkoy hat sich von Anfang an als Experimentator hervorgetan, und so lernen wir ihn in der Ausstellung kennen, nach einer Einführung mit einigen Porträts von ihm (aus dem GNAM in Rom kommt eines von seinem Freund Il’ja Repin, das uns den Bildhauer im Alter von vierzig Jahren zeigt, und wir können auch Daniele Ranzonis Porträt von ihm als Kind mit seinen Brüdern Pietro und Luigi und ihrem Hund sehen) und von Familienmitgliedern (einschließlich der schönen Bronze von 1911, die seiner Frau Elin gewidmet ist): Die Primavera, ein Werk von 1895, ebenfalls eine Leihgabe des GNAM, ein Porträt seiner Schwägerin Amélie Rives, ist eine Art programmatisches Manifest für die Art und Weise, wie die Figur der Frau seines Bruders Pietro modelliert ist. Eine malerische Behandlung, bei der sich die Oberflächen bewegen, vibrieren, abblättern und die Idee der Bewegung suggerieren: Wir sehen es im Gesicht, im Haar, aber vor allem im Kleid, grob, wir erkennen sogar die Fingerabdrücke des Künstlers, der das Modell mit jener Spontaneität formte, die fast seine gesamte Produktion kennzeichnen sollte (ein Vergleich mit dem nebenan ausgestelltenGips-Selbstbildnis von 1925 bestätigt, dass seine Arbeitsweise für den Rest seiner Karriere fast unverändert bleiben sollte) und die es ihm erlaubte, natürliche Posen, flüchtige Momente, schnelle Eindrücke einzufangen. Wenn man so will, ist Troubetzkoy ein Künstler, der aus der Scapigliatura hervorgegangen ist (und das kann auch gar nicht anders sein, denn er lebte von 1886 bis 1896 fünf Jahre lang in Mailand und verkehrte in diesen Kreisen), mit denen er den Wunsch teilt, kein realistisches Porträt, sondern ein psychologisches, nuanciertes Porträt, ein Stimmungsporträt zu schaffen. Und doch orientiert er sich bereits an den Forschungen der Impressionisten: Sein Werk ist vergleichbar mit der Malerei von Previati, der mit einem seiner Meisterwerke aus der Zeit vor dem Divisionismus, dem Porträt von Erminia Cairati aus dem Jahr 1881, und seinem Bruder Pietro, der mit dem Porträt von Mary Franckfort aus dem Jahr 1882, das ebenfalls aus dem Museo del Paesaggio in Verbania stammt, vertreten ist. Die Porträtmalerei sollte sich bald als Troubetzkoys liebstes Genre erweisen: So sind einige seiner berühmtesten Porträts zu sehen, vor allem das von Gabriele d’Annunzio, das die traditionelle Form des Büstenporträts beibehält, oder das Porträt von Erminia Cairati selbst, eines der nicht so häufigen Marmorwerke von Troubetzkoy, und dann die Porträtstatuen, Werke, auf die sich der Künstler aus Verbania spezialisieren sollte und bei denen der Porträtierte als Ganzfigur dargestellt ist. Ein Beispiel dafür ist Sola, ein Porträt der jungen Mailänder Schauspielerin Emilia Varini, das 1893 entstand und in jenem Jahr auf der Mailänder Dauerausstellung ausgestellt wurde, wo es von den Kritikern als “eine exquisite Figur einer eleganten jungen Frau mit einem stattlichen Abdruck” beschrieben wurde.
Was Troubetzkoy mit seinen Porträts zu erreichen suchte, war etwas ganz Ähnliches wie das, was Pica in seinem Artikel von 1900 zusammengefasst hatte: Troubetzkoy [...] suchte von seinen ersten Versuchen an [...] mit lobenswertem Eifer nach etwas ganz Neuem und Modernem, indem er nicht nur mit seltener Wirksamkeit die ausdrucksvolle Beweglichkeit des Gesichts darzustellen suchte, sondern auch so viel wie möglich die optische Illusion von Bewegung zu vermitteln suchte". Die Ausstellung zeigt dem Publikum einige der wichtigsten Ergebnisse dieser Experimente, beginnend mit dem imposanten Porträt seines Freundes Giovanni Segantini, das gerade durch seine Natürlichkeit überrascht, und obwohl es nicht den Grad der Erforschung der Bewegung erreicht, der einige der in den vorangegangenen Jahren entstandenen Werke kennzeichnete, steht es dennoch an der Spitze seiner Kunst. Der Kontakt mit Segantini muss ihm jedoch neue Möglichkeiten zur Untersuchung aufgezeigt haben: Ein Werk wie“Winter” von 1894 zeigt vielleicht eine der engsten Annäherungen an die Poetik des Divisionismus, und zwar aufgrund der Art und Weise, wie er das Licht einsetzt, das die Oberfläche der Skulptur durch eine zerklüftete und natürliche Modellierung in jedem kleinsten Element malt (und dies ist einer der Gründe, warum es schwierig ist, ihn einen vollständig impressionistischen Bildhauer zu nennen). Troubetzkoy konnte es sich auch leisten, ständig zu forschen und zu experimentieren, da er aus einer wohlhabenden Familie stammte und daher nicht für seinen Lebensunterhalt Kunst machen musste. Dies ist übrigens einer der Gründe, warum dieser “russische Prinz”, wie er von vielen seiner Zeitgenossen grob bezeichnet wurde, bei vielen seiner Kollegen auf Ablehnung stieß, da sie in ihm nur einen Amateur, wenn nicht gar einen Amateur tout court sahen.Nach einer Lehre, zunächst bei Donato Barcaglia und dann bei Ernesto Bazzaro, war er mit seinen Meistern unzufrieden und hatte als Autodidakt seine Modelle nach dem Leben studiert. Bereits 1886, im Alter von genau 20 Jahren, debütierte er in der Brera mit der Skulptur eines Pferdes, während er sich 1891 für das Dante-Denkmal in Trient bewarb, obwohl er es nicht in die Endrunde schaffte: In der Ausstellung ist neben dem Porträt von Segantini seine Skizze zu sehen, und man kann sich vorstellen, dass sie abgelehnt wurde, weil sie von der Rhetorik der Zeit weit entfernt war.
Troubetzkoys Idee war es, das Leben einzufangen, dem Betrachter den Eindruck zu vermitteln, dass seine Figuren von einem Pochen beseelt sind, dass sie sich bewegen. Darin lag der Grund für seinen Erfolg. Sein Streben war nicht so radikal wie das von Medardo Rosso, einem Künstler, den man mit ihm vergleichen könnte: Während der Turiner eine Verschmelzung von Subjekt und Atmosphäre anstrebte, eine Kontinuität zwischen der Figur und der sie umgebenden Luft, mit dem Ergebnis, dass die Figur selbst in seinen Werken zerfällt und mit ihrer Umgebung verschmilzt, strebte Troubetzkoy lediglich nach einem Gefühl der Bewegung, wollte aber, dass seine Figuren erkennbar bleiben. Seine Skulpturen waren zwar modern, aber nicht subversiv. Und genau aus diesem Grund hätte er bei einem großen Publikum Anklang gefunden. Je offener das Thema war, desto experimenteller wurde Troubetzkoy natürlich: Dieser Zwiespalt ist deutlich zu spüren, wenn in der Ausstellung das Porträt des Grafen Robert de Montesquiou, Dandy und Dichter, gezeigt wird (in der Ausstellung ist auch das berühmte Porträt von Giovanni Boldini zu sehen), das eines der Werke, das der Poetik von Medardo Rosso am nächsten kommt, da die Kleidung des Adligen mit dem Sessel, auf dem er sitzt, verschmilzt (obwohl auch hier die Gesichtszüge des Porträtierten eher der realistischen Skulptur entsprechen). Die Statuetten von William Kissam und Virginia Graham Vanderbilt scheinen vergessen zu haben, wie weit die Skulptur von Troubetzkoy gehen konnte (diese Starrheit, diese Unbeweglichkeit ist offensichtlich dem Geschmack der beiden Mäzene geschuldet, die nicht bereit für eine besonders neue Skulptur gewesen sein dürften). Als Troubetzkoy jedoch frei vom Druck der Freunde und Mäzene war, die ihn baten, sich in Bronze abbilden zu lassen, machte seine Bildhauerei wieder Eindruck: siehe neben den Porträts zum Beispiel die 1898 ausgeführte Mutter mit Kind , die 1900 auf der Pariser Weltausstellung ausgestellt wurde und als eines der berührendsten Mutterbilder der Zeit gilt, oder das kurz darauf folgende Kind mit Hund zum Doppelthema Kindheit und Tiere. Die Skulptur von Mutter und Kind hatte auch seine Zeitgenossen beeindruckt: Pica hielt sie für ein Werk, das “eine so reine und ergreifende Poesie hervorruft, dass Troubetzkoy den Titel eines Bildhauers der Mutterschaft verdient”, und verglich sie mit der Bambina col cane , die etwas weiter unten in der Ausstellung zu sehen ist, und hielt sie für ein Werk, das derjenigen mit Mutter und Kind in Bezug auf die Zartheit der Inspiration und den Beweis der Wahrheit “in der MutterInspiration und Wahrheitsbeweis ”in der zärtlichen Sanftheit der Kindheit mit der gutmütigen Zärtlichkeit des dem Menschen am meisten verbundenen Tieres".
Zwischen den Porträts der reiferen Phase seines Schaffens (wie das von Luisa Casati, das der schlaksigen, schlaksigen und geheimnisvollen Figur der Marquise treu bleibt, die durch die Anwesenheit eines Windhundes noch betont wird, oder wie das spätere von später von George Bernard Shaw, ihrem langjährigen Freund (und, wie er, Vegetarier), eine Skizze, nach der das Denkmal für den Schriftsteller, das heute in Dublin steht, angefertigt wurde), gibt es drei thematische Abschnitte zu sehen. Die erste ist die über den “amerikanischen” Troubetzkoy und die Statuen des Wilden Westens: Dank seiner Pariser Bekannten kam der Bildhauer in Kontakt mit mehreren Amerikanern, die in Frankreich lebten und ihm einen Aufenthalt in den Vereinigten Staaten ermöglichten, wohin er zwischen 1911 und 1912 und dann wieder zwischen 1914 und 1920 ging, um dem vom Ersten Weltkrieg zerrissenen Europa zu entfliehen. Und er wurde schnell zum Star, zum einen aufgrund seines Status als Prinz, der sich in der Bildhauerei versuchte, zum anderen wegen seines leidenschaftlichen Einsatzes für die vegetarische Sache und natürlich wegen der Stärke seiner Porträts. Fasziniert vom Wilden Westen, entwickelte Troubetzkoy eine Produktion von Western-Statuetten, Porträts von Indianern auf Pferden und Cowboys, die vor allem durch die Shows von Buffalo Bill inspiriert waren, und die im Übrigen sehr erfolgreich waren: Sie gehören wahrscheinlich nicht zu den interessantesten Ergebnissen seiner Produktion, da sie die am wenigsten spontanen und eher konstruierten und konstruierten seiner Statuetten sind, aber sie gehören sicherlich auch zu den unterhaltsamsten. Die zweite ist einem anderen Bereich gewidmet, an dem der Künstler in den Vereinigten Staaten gearbeitet hat, nämlich den Tänzern: Sie gehören ebenfalls zu seinen berühmtesten und am häufigsten reproduzierten Skulpturen, Werke, die ihm die Möglichkeit geben, an der Dynamik der Körper, der Eleganz der Gesten, dem Wesen der Bewegung zu arbeiten, alles Qualitäten, die die Kritiker entzündet hatten. Werke, die zugegebenermaßen recht einfach sind und dazu neigen, einen Konsens zu finden, da Troubetzkoy oft, besonders in der fortgeschrittenen Phase seiner Karriere, mehr oder weniger das tat, was Boldini in der Malerei tat, um den Publikumsgeschmack zu treffen: Er verkaufte im Wesentlichen konventionelle Werke, die er mit einigen Effekten belebte, die jedoch an die Forschungen der Avantgardisten erinnerten, um dem Empfänger des Werks den Eindruck zu vermitteln, ein aktuelles Meisterwerk in Händen zu halten (obwohl die Danseuses beim Publikum Anklang fanden, als die Futuristen bereits voll aktiv waren, um es mal so zu sagen). Die Ausstellung schließt mit den Tierskulpturen, einem Genre, das Troubetzkoy während seiner gesamten Laufbahn als Tierliebhaber und, wenn man so will, als glühender Tierschützer praktizieren sollte: Er war als junger Mann einer geworden, nachdem er Zeuge des Schlachtens einiger Kälber geworden war, was ihn tief beeindruckt und auch davon überzeugt hatte, Vegetarier zu werden: In der Ausstellung ist auch ein polemisches Werk zu sehen, Devourers of Cadavers (Kadaverfresser), in dem ein Mann, der ein Roastbeef zerreißt, einem Wolf gegenübergestellt wird, der einen Knochen leckt, um zu zeigen, dass das Tier nach den Gesetzen der Natur handelt, während der Mensch gegen die Gesetze der Natur handelt. Im letzten Saal der Ausstellung sind mehrere Skulpturen versammelt: Seine Liebe zu den Tieren veranlasste den Künstler, sie mit der gleichen Lebendigkeit und Natürlichkeit darzustellen, die er auch den Menschen widmete, und in diesem Genre wurde er sogar von seinen Zeitgenossen als unübertroffen angesehen: Hier also die Bronzemodelle von Pferden und Elefanten, hier die beliebten Welpen aller Rassen, vom Fuchs bis zum Pekinesen, vorbei an den Bluthunden, hier ein weiteres Werk, Gli amici fedeli (Treue Freunde), das das Thema der tierfreundlichen Kindheit aufgreift, und schließlich, in der Mitte des Raumes, das prächtige Lamm, ein Werk von 1912 von erstaunlichem Realismus, mit dem Titel Wie kannst du mich essen?.
Troubetzkoys kritisches Schicksal wurde zweifellos von seiner Herkunft beeinflusst, von der Tatsache, dass er nicht viele Sammler hatte und dass diese Sammler größtenteils Russen und Amerikaner waren, von seinem Kosmopolitismus bis zu einem gewissen Grad und wahrscheinlich von einer gewissen Leichtigkeit und Loyalität gegenüber sich selbst, die vor allem in den letzten Phasen seiner Karriere, die ungefähr mit der amerikanischen Periode und seiner Rückkehr nach Europa zusammenfallen, den Forschungsdrang, der ihn in seiner Jugend ausgezeichnet hatte, abschwächte. Er wurde als Scapigliato-Künstler geboren, als Vermittler zwischen Italien und Frankreich, als Formauflöser, und dann wurde er zum Bildhauer der internationalen Welt, die perfekte Parabel desembourgeoisement de l’art d’avant-garde. Auf der anderen Seite der Alpen wurde er zu “Paul” Troubetzkoy, wie ihn die Ausstellung nennt, und vielleicht war eine internationale Ausstellung, ein neuer Dialog zwischen Italien und Frankreich, wirklich nötig, um die Geschichte dieses Künstlers wiederzubeleben,
Pica beklagte bereits in seinem Artikel von 1900 die schlechte Aufnahme, die Troubetzkoy in seinem Heimatland erfahren hatte und weiterhin erfuhr. Und er führte das Beispiel des Dante-Denkmals für Trient an, das abgelehnt wurde, weil der Entwurf einer allzu ungezügelten Phantasie entsprungen war, nicht genügend reinen Linien folgte und sich zu weit von jeder klassischen Tradition entfernte: törichte Gründe, so Pica. Um den mangelnden Erfolg in seiner Heimat zu kompensieren, musste er versuchen, sich in Paris und St. Petersburg einen Namen zu machen, wo sein Flair besser erkannt worden wäre. Man kann nicht behaupten, dass Italien in den letzten Jahren diesen Sohn Italiens, der zumindest für eine gewisse Zeit das Modernste war, was die italienische Bildhauerei zu bieten hatte, und der als einem Rodin ebenbürtiger Künstler galt, besser behandelt hat als damals. Und man kann wohl sagen, dass wir noch nicht zu einer vollständigen Neubewertung gelangt sind. Es könnte also sein, dass der Prozess dieses Mal in Frankreich beginnt.
Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.
