Mario Schifano, der Künstler, der die Arte Povera vorwegnahm und mehr. So sieht die Ausstellung in Rom aus

Geschichte, auch die Geschichte der Kunst, wird nicht mit “wenn” gemacht. Die Uchronie führt uns jedoch dazu, uns vorzustellen, welche Vorstellung wir heute von den fabelhaften italienischen Sechzigern hätten - einem Jahrzehnt, das an den Antipoden zwischen der Ankunft der Pop Art und dem Beginn der Arte Povera komprimiert ist -, wenn Mario Schifano 1968 bei der Arbeit am Haus von Marella und Gianni Agnelli in Rom wenn Mario Schifano 1968, als er am Haus von Marella und Gianni Agnelli in Rom arbeitete, in der Lage gewesen wäre, das hypothetische “mit Sand gefüllte Zimmer mit einer großen Pyramide in einer Ecke” sowie das berühmte Esszimmer zu realisieren, das in allen Ecken und an allen Wänden mit seinen Gemälden gefüllt ist. Diese unveröffentlichte Nachricht wurde Daniela Lancioni von Ettore Rosboch, Filmproduzent und Freund des römischen Malers, während eines Gesprächs am 12. November 2025 mitgeteilt. Und nun steht sie im Text der Wissenschaftlerin und in einer Notiz im Katalog (Electa, 343 Seiten, 45 €) der vier Monate später eröffneten Retrospektive, die schlicht Mario Schifano heißt und bis zum 12. Juli zu sehen ist, und die sie im Palazzo delle Esposizioni in Rom kuratiert hat, wo sie “Senior Curator” ist.

Die “camera picta” für Casa Agnelli ist ein zentrales Werk in der Karriere des Künstlers, der auch dem breiten Publikum bekannt ist für die Palmen und Sterne, die Hommagen an den Futurismus, die blutleeren Landschaften, die Herrscher des dechirischen Gedächtnisses, die menschliche Figur und die tierischen Präsenzen, die durch leere Silhouetten wiedergegeben werden, die Schriftzüge und den Titel, die sich wie Ameisenbisse durch die Weite der schnellen, gestischen, prägenden Malerei ziehen. Und es sind Themen, Sujets und Stile, die alle in den 14 Leinwänden präsent sind, die im selben Jahr mit Hilfe des Ateliers des Malers und Freundes Franco Sarnari entstanden sind, um das Esszimmer im Haus des Anwalts und seiner Frau zu schmücken, nachdem die riesige Leinwand des Chinesischen Festes, eine Explosion roter Fahnen und eine Parade kommunistischer Demonstranten, vom Eigentümer des Hauses und von Fiat, der größten Industrie des Landes, abgelehnt worden war (obwohl sie in dem luxuriösen Haus angebracht worden war). Heute befindet sich das Agnelli-Gemälde in seiner ursprünglichen Größe in der zentralen Halle des Palazzo in der Via Nazionale. Sie empfängt den Besucher und leitet ihn idealerweise in die Nebenräume weiter, wo man in aller Kürze das Wirken des vielseitigen Künstlers (natürlich Filmregisseur und Musiker, aber vor allem Maler) nachvollziehen kann, der als Sohn eines Archäologen 1934 in Homs (Libyen) geboren wurde und 1998 in Rom starb.

Die Erinnerung von Ettore Rosboch - auch wenn sie nicht durch vorbereitende Studien und Aussagen des Malers selbst untermauert ist, sonst wären sie veröffentlicht worden - ist wichtig, weil sie Schifanos Fähigkeit zeigt, sich einerseits räuberisch, andererseits vorläuferhaft zwischen den Neuerungen der zeitgenössischen Kunst auf beiden Seiten des Atlantiks, innerhalb und jenseits der Neo-Avantgarde, zu bewegen. 1967, ein Jahr vor dem Auftrag von Agnelli, stellte Schifano Gemälde aus dem Jahr 1962 in der Galerie Bertesca in Genua aus. Die 1966 von den beiden Zwanzigjährigen Francesco Masnata und Nicola Trentalance gegründete Galerie hatte ihre Pforten mit der Ausstellung American Pop Artists (u. a. Lichtenstein und Warhol) geöffnet, und die Idee, den Maler mit der Neuinterpretation von Werbezeichen auf seine Weise zu konfrontieren, wie z. B. die Marke Coca Cola auf dem großen Propaganda-Detail von 1962, einem Werk aus einer Privatsammlung, das heute in Rom ausgestellt ist, entsprach dieser Wahl. Im September 1967 jedoch erneuerte der Genueser Raum in der Via Santi Giacomo e Filippo seine Garderobe und beherbergte die erste Arte Povera-Ausstellung, die inzwischen Geschichte ist: Neben Boetti, Paolini und Fabro traten bei dieser Premiere auch die “Römer” Kounellis und Pascali auf, sowie in der Sektion “Im Spazio” weitere Protagonisten der kapitolinischen Szene wie die “Pop” Ceroli, Mambor und Tacchi, um nur einige zu nennen.

Schifano nicht: er gehört nicht zu den Bertesca poveristi. Seine phantasievolle, üppige und großzügige Malerei war nicht und kann sicherlich nicht auf die Verarmung und Dekulturation der Kunst reduziert werden, die in der Poetik von Germano Celant theoretisiert wurde. Die Idee, Materialien zu verwenden, die nichts mit der Staffeleimalerei zu tun haben, war jedoch genau sein Ding, und zwar Die Idee, Materialien zu verwenden, die nichts mit der Staffeleimalerei zu tun hatten, entsprach genau seiner Vorstellung, und zwar in einem ökologischen und monumentalen Ausmaß, das ihn, wenn Rosbochs Erinnerung stimmt, dazu veranlasste, einen Raum im Agnelli-Haus mit Sand zu füllen und darauf eine Pyramide zu errichten, die vielleicht transparent war wie die umstrittene Skulptur von 1966 (bekannt durch ein Foto von Ugo Mulas), aber auch wie die Plexiglasoberflächen, die seine Gemälde auf Leinwand bedeckten, wie Futurism revisited in colour, das 1967 in Plinio De Martiis’ Tartaruga romana ausgestellt wurde, oder Compagni compagni, in den Versionen, die im folgenden Jahr von Giò Marconi auf derim darauf folgenden Jahr von Giò Marconi in Mailand präsentiert wurden (die aus einer Privatsammlung stammenden Werke sind Teil der von Lancioni getroffenen Auswahl).

Sand, wie Erde, findet sich auch in der Palette der aufkommenden Poor-Art-Parabel, wie in der zeitgenössischen Erfahrung der amerikanischen Land Art, und es genügt, an die Installation/Performance vom März 1969 im Attico von Fabio Sargentini zu erinnern, einem führenden Raum in Rom für die internationale Neo-Avantgarde-Bewegung, als Eliseo Mattiacci mit einer Dampfwalze in die ehemalige Garage an der Flaminia eindrang und die Galerie in ein gepflügtes Feld verwandelte.

Die Geschichte der Kunst und des Marktes nahm dann einen anderen Verlauf. Die Protagonisten der Arte Povera von Celant sind in den großen internationalen Museen gelandet, während die Werke von Schifano - in seiner Heimat hoch geschätzt und kopiert, aber auch von erfahrenen oder improvisierten Fälschern supergefälscht - nur in (wenigen) lokalen öffentlichen Sammlungen zu finden sind, wie der Galleria d’Arte Moderna in Turin (Leihgeber des bedeutenden Triptychons Io non amo la natura von 1964) oder dem Museo del Novecento in Mailand, das das Particolare di esterno (Coca cola) von 1962 schickte, sowie in zahlreichen großen und kleinen Privatsammlungen. Um eine seiner Ausstellungen in einem öffentlichen Museum in Deutschland zu finden, um nur eines der führenden Länder im Kunstsystem zu erwähnen, muss man bis zum Jahr 2025, dem letzten Jahr, mit der Retrospektive im Schauwerk Museum in Sindelfingen gehen.

Dasselbe gilt für die 1980er und 1990er Jahre, denen die letzten Räume des Palazzo delle Esposizioni gewidmet sind, und zwar in der strengen, altmodischen und sehr nützlichen chronologischen Abfolge, die der Kurator der Ausstellung gegeben hat, die von den Zementen der Anfänge bis zu den im Fernsehen übertragenen und sehr aktuellen Refugee Fields von 1991 reicht. In den Jahren der Rückkehr zur Malerei und zum Zitat, als die Paladine der Transavantgarde ins Ausland abwanderten, legte Schifano, der ein Meister der Malerei und des Zitats war, für einen Moment seine eigenen Emulsionen auf Leinwand von fotografischen Bildern beiseite, die er aus Zeitschriften und dem Fernsehen gestohlen hatte. Er schuf Gemälde von großer Größe und Wirkung, wie z.B. den verdünnten, triefenden, monetischen botanischen Garten von 1982 (in einer Turiner Privatsammlung, nachdem er im selben Jahr in der Galerie Tucci Russo ausgestellt worden war) oder, im Gegenteil, den exzessiven, überflüssigen, bildreichen Incident von 1985, der dem Galeristen Emilio Mazzoli gehört. von Emilio Mazzoli, dem Galeristen aus Modena, der auch den Künstlern von Achille Bonito Oliva’s Transavanguardia gefolgt ist, und der mit der Sammlung Luigi und Peppino Agrati - Intesa San Paolo, der Galerie Giò Marconi oder den privaten Valsecchi, Calabresi, D’Ercole, Jacorossi u.a. zu den wichtigsten Leihgebern der römischen Anthologieausstellung über Schifano gehört.

Nur wenige öffentliche Sammlungen sind an der Palaexpo-Retrospektive beteiligt, aber die herausragendste ist die umfangreiche Leihgabe des Csas der Universität Parma, Inhaber der kompletten Fotoserie, die 1970 in den USA für einen Film, Human Lab, aufgenommen wurde, der nie gedreht wurde (dem Kino von Schifano ist im Katalog ein Essay von Stefano Chiodi gewidmet), der aber in zahlreichen Schwarz-Weiß-Abzügen auf Silberbarytpapier festgehalten wurde. In der Liste fehlt zum Beispiel die Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea in Rom, die 2008 eine Retrospektive über den Künstler ausrichtete und die unter anderem eine schöne Landschaft, ein Werk von Schifano, besitzt.Die Galerie Giò Marconi hat unter anderem ein schönes Paesaggio, versione anemica con smalto e anima von 1965 ausgewählt (über Schifanos Titelgebung in den 1960er Jahren lesen Sie den Aufsatz von Flavio Fergonzi im Katalog), während das gleichaltrige, ähnliche und ebenso gültige Paesaggio anemico II (das über die Galerie Giò Marconi kam) ausgewählt wurde: Wir kennen die Gründe für die Wahl, die Gnamc ausschloss, nicht, aber angesichts der sehr hohen Summe (100.000 Euro), die die Leitung des Museums Valle Giulia für den Klimt verlangt, der der Galleria Nazionale dell’Umbria 2024 überlassen wird, ist es verständlich, dass Palaexpo einen privaten Leihgeber bevorzugte und nicht, wie es bei gleicher Qualität und Bedeutung immer wünschenswert wäre, eine öffentliche Einrichtung.

Die Ausstellung in der Via Nazionale hat unter anderem das Verdienst, dass sie im ersten Saal, dem des Tatzebao mit dem detaillierten menschlichen und künstlerischen Leben des Malers, die Landschaften von 1956, die Studien oder die informelle Malerei von 1959 vorschlägt, Werke aus einer Periode (die im Katalog von Manuel Barrese analysiert wird), die aus dem sehr aktuellen Gesamtkatalog desDas von seiner Witwe Monica De Bei und Marco Meneguzzo zusammengestellte Werkverzeichnis hält sich an die Vorgabe des Meisters, seine künstlerische Parabel 1960 zu beginnen, und hält die jugendlichen Werke für unwürdig, erinnert zu werden. Im Gegenteil, sie sind interessant, denn die Kreativität und die allseitige Neugier des Malers, zum Beispiel auf das Konkrete seines Freundes Giuseppe Uncini, sind schon in den Anfängen spürbar. Aber es ist sicher, dass der Raum der Monochrome von 1960 (der Essay von Giorgia Gastaldon ist dieser Phase gewidmet) das Publikum mit offenem Mund zurücklässt, weil die Wahl der minimalistischen Matrix so streng ist, aber durch eine handwerkliche Manipulation der Rahmen belebt wird (die ein wenig( die ein wenig wie bei Enrico Castellani zu plastischen, skulpturalen Oberflächen werden) sowie durch die extrem kalibrierte und elegante Wahl der minimalen Tropfen(Something else, 1960; Sammlung Claudio Costamagna), die das Gefühl und das Zeichen eines frischen Gemäldes geben, das noch im Entstehen und in Bewegung ist; eine Bewegung, die körperlich, filmisch, in der Rückkehr zur Figur (aber auch zum Körper) deutlich wird: Die Ovale der Gesichter sind fast immer leer, ohne Gesichtszüge) von Werken aus der Mitte der 1960er Jahre wie Corpo in moto e in equilibrio oder Camminare (Gehen), Gemälde, die eindeutig Balla’s Bambina x balcone von 1912 geschuldet sind (im Übrigen das gleiche Jahr wie Duchamp’s Nu descendant un escalier ).

Francesco Guzzetti - im Katalogessay über die Zeit unmittelbar nach der Tabula rasa der Monochrome und die Beziehung zur Pop Art vor und nach dem fünfmonatigen Aufenthalt des Künstlers in New York 1963-1964 und dann wieder 1965 - nennt auch die Choreographien von Merce Cunningham als mögliche Quelle für Schifanos Studien und Gemälde zur Bewegung. Wer in Words and Drawings von 1964 - 17 Blätter, die in vier Händen mit dem Dichter Frank O’Hara entstanden und von der Quenza Collection (USA) verliehen wurden - schreibt: When I remember Giacomo Balla. Es ist die ausdrückliche Hommage an den futuristischen Meister, die sich im Übrigen im Titel eines der im selben Jahr auf der Biennale von Venedig ausgestellten Werke wiederholt, der Ausgabe von 1964, die in die Geschichte einging, weil Robert Rauschemberg ausgezeichnet wurde und weil die Pop Art die Hegemonie des abstrakten Expressionismus und der informellen Kunst brach.

Die Beziehung zur Kunst der USA ist wichtig für die Phase der Monochromie von Schifano (die Leinwände von Frank Stella, Newman, Rotko), aber noch mehr für die zeitgenössische und nachfolgende Kunst, die sich mit der Ikonosphäre der Massenmedien und somit mit der Stars and Stripes Pop Art auseinandersetzt: mit Warhol, der vor allem im Big Apple bekannt und beliebt ist. In dem Gemälde Particolare di esterno (Coca cola) von 1962 zum Beispiel - gemalt mit Emaille auf Papierbögen, die auf die Leinwand aufgetragen wurden, gemäß einer Oberflächenbehandlung, die Schifano, der als Experimentator mit traditionellen und zeitgenössischen Medien, einschließlich des Computers, bekannt war, sehr schätzte - erscheint die berühmte Marke des kohlensäurehaltigen Getränks, präsent unter und am Rande eines dunklen, teerigen Gemäldes, aufgewühlt und belebt durch Tropfen, die über die Grenzen des Gemäldes hinausgehen. Farbtropfen tauchen in Warhols Gemälden von 1960 als Coca-Cola auf oder, wenn man von der Welt der Marken zu der der Comics und Cartoons übergeht, in den gleichaltrigen Dick Tracy oder Popeye von 1961. Es ist klar, dass bei beiden eine Liebe zur Malerei besteht, die das der Realität entnommene Bild einfärbt und gleichzeitig verfärbt - und bei Warhol gilt dies auch für die Werke, in denen er Fotos auf die Leinwand druckt, wobei er zutiefst Maler bleibt, obwohl er 1965 angekündigt hatte: “Ich ziehe mich von der Malerei zurück”.

Auf der Achse Rom-New York liefen die Ideen und Themen unabhängig voneinander, ohne dass man über Blicke in fremde Ateliers oder in Zeitschriften nachdenken musste. Ich beziehe mich auf Incidente von 1963, das in jenem Jahr in der römischen Einzelausstellung mit dem Titel Tutto in der Galerie Odyssia ausgestellt wurde, die im folgenden Jahr in New York Schifano und sein Diptychon Beebe’s tree, das der Palaexpo von einer Privatsammlung geliehen worden war, zeigen würde, ohne dass dies bei den Kritikern auf Gegenliebe stoßen würde (die schlechte Presse der Galeristin Ileana Sonnabend, mit der der Künstler die Beziehungen abgebrochen hatte, trug sicher ihren Teil zu diesem Misserfolg bei). Und 1963 ist das Jahr, in dem der Tod mit Meisterwerken wie Ambulance Disaster oder den wiederholten, brutalen Bildern von White Car Crash 19 Times einen starken Einzug in Warhols Werk hält. SchifanosAccident - ein Thema, das der Maler schon bei anderen Gelegenheiten aufgegriffen hat - hat jedoch eine ganz andere Matrix, die die Opfer ausschließt und die Buchstaben des Titels als weiteren “Körper” auf der homogenen Oberfläche des Hintergrunds einbezieht, auf dem die grafische und malerische Linie eines wiederholten, ergreifenden “Unvollendeten” hervorsticht, schwach, leicht, kraftvoll.

Dieses großartige Werk von Schifano - dem Maler, der schnell ausführte (ihm werden etwa 20.000 Werke in den 40 Jahren seiner Tätigkeit zugeschrieben) und sich vor Etiketten scheute, eine Art “Mario fa presto” des 20. Jahrhunderts, wie es Luca Giordano im 17. Jahrhundert war - wurde von der Casa di cultura Goffredo Parise in Ponte di Piave, Treviso, ausgeliehen. Es war der große Schriftsteller aus Vicenza, der nach Rom verpflanzt wurde, der Dichter der Sillabari, der das wirkungsvollste und glücklichste Gleichnis bot, um Mario Schifano zu porträtieren: “Ein kleiner Puma, dessen Muskulatur und Ruckartigkeit man nicht vermutet, der den scharfen und geheimnisvollen Abdruck der Eleganz hinterlässt”.

Der Autor dieses Artikels: Carlo Alberto Bucci

Nato a Roma nel 1962, Carlo Alberto Bucci si è laureato nel 1989 alla Sapienza con Augusto Gentili. Dalla tesi, dedicata all’opera di “Bartolomeo Montagna per la chiesa di San Bartolomeo a Vicenza”, sono stati estratti i saggi sulla “Pala Porto” e sulla “Presentazione al Tempio”, pubblicati da “Venezia ‘500”, rispettivamente, nel 1991 e nel 1993. È stato redattore a contratto del Dizionario biografico degli italiani dell’Istituto dell’Enciclopedia italiana, per il quale ha redatto alcune voci occupandosi dell’assegnazione e della revisione di quelle degli artisti. Ha lavorato alla schedatura dell’opera di Francesco Di Cocco con Enrico Crispolti, accanto al quale ha lavorato, tra l’altro, alla grande antologica romana del 1992 su Enrico Prampolini. Nel 2000 è stato assunto come redattore del sito Kataweb Arte, diretto da Paolo Vagheggi, quindi nel 2002 è passato al quotidiano La Repubblica dove è rimasto fino al 2024 lavorando per l’Ufficio centrale, per la Cronaca di Roma e per quella nazionale con la qualifica di capo servizio. Ha scritto numerosi articoli e recensioni per gli inserti “Robinson” e “il Venerdì” del quotidiano fondato da Eugenio Scalfari. Si occupa di critica e di divulgazione dell’arte, in particolare moderna e contemporanea (nella foto del 2024 di Dino Ignani è stato ritratto davanti a un dipinto di Giuseppe Modica).

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