Daniela Bergschneider（帕德博恩，1986 年）是德国当代雕塑界最有趣的人物之一。Bergschneider 的创作实践探索了纺织品与陶瓷之间的关系，力求雕塑作品表达出超越人体的普遍肉体。他的作品模糊了抽象与具体、美丽与怪诞、熟悉与陌生之间的界限。在创作过程中，他手工制作小型模块化瓷器元素，然后将其与手工染色的半透明尼龙织物捆绑在一起，构建出更大的形体。达妮埃拉-伯格施奈德的混合材料由软硬两种元素组成：瓷器让人联想到骨骼的存在，而织物则是雕塑的皮肤。它们共同构成了一个骨骼结构，两种材料在其中形成了一个具有凝聚力的整体，类似于生物的内部功能。由于两种材料之间的动态张力，这些作品给人一种有生命的感觉，几乎就像是在呼吸、膨胀和收缩。Bergschneider 的雕塑作品旨在实现一种她称之为 “视觉触觉 ”的表达方式。这项研究的特点是将她的工作室作为实验室，在这里她开发出充满足够触觉和视觉信息的形式和表面，以激发想象力和唤起情感反应。他的目标是让观众用身体感受作品，在接近雕塑时体验肌肉系统的共鸣。在与加布里埃尔-兰迪的对话中，他以第一人称讲述了这件作品。
GL.对大多数艺术家来说，童年是对艺术产生兴趣的黄金时期。您也是这样吗？
DB.是的，我对材料和制作的兴趣很早就开始了。我生长在一个非常喜欢动手的家庭。我的母亲是一名裁缝，所以家里总是有布料、线和工具。她教我如何缝纫和使用布料，对我来说，用手创造东西是很自然的事。同时，我对人体也非常着迷。我记得小时候翻阅解剖学书籍时，惊奇地发现我们的身体内部竟然有如此复杂而脆弱的结构。最初对人体的力量和脆弱性的迷恋至今仍存在于我的作品中。
您学过哪些专业？
我在家乡德国帕德博恩学习纺织品和时装设计以及语言学，后来在汉堡HAW[编者注：Hochschule für Angewandte Wissenschaften，“应用科学大学”]攻读纺织品设计硕士学位。之后，我来到挪威，在卑尔根学院攻读美术硕士学位。那是我艺术实践的决定性时刻，因为在学习期间，我第一次接触到了陶瓷。织物和陶瓷的结合为我带来了全新的可能性，从那时起，这两种材料就成为了我作品的核心。
您有过艺术初恋吗？
是的，最早启发我的艺术家之一是伊娃-海瑟（Eva Hesse）。她活跃于 20 世纪 60 年代，与那些使用光滑工业材料的极简主义艺术作品形成鲜明对比。我喜欢她在雕塑中使用柔软或弹性材料的方式。他使用乳胶、玻璃纤维、绳索等非常规材料进行创作：这些材料可以下垂、弯曲、起皱，并经常随着时间的推移而发生变化。正因为这些特质，他的雕塑作品常常显得脆弱、有肉感和略微不稳定。他的作品也鼓励我在自己的创作实践中尝试类似的特质。最初，我也使用乳胶进行创作，探索它的柔软性和皮肤般的质感。从那以后，我逐渐转向非常薄和透明的织物，它们也具有类似皮肤的质感，可以伸展并对所含材料的力量做出反应。
在您接受培训期间，有没有遇到什么重要的事情？
日本纺织品设计师村濑博之的工作坊对我产生了重要影响，我在那里学到了日本的染色技术 “绞缬”（Shibori）。我对打结的雕塑潜力产生了兴趣。我开始在布料上打结，并加热布料，使其保留形状记忆。后来，当我发现陶瓷时，一切都突然变得有意义了，因为我可以开始创造自己的造型，将其打结在织物上。
随着时间的推移，您的作品是如何演变的？
我早期的作品主要以织物为主。我尝试用高温灼烧、塑形和操纵材料来创造雕塑表面。在卑尔根学习期间，我开始接触粘土，陶艺成为我创作的一部分。起初，我将未加工的粘土粘合到织物上，让有弹性的织物随着湿粘土的膨胀而膨胀。后来，我开始使用烧制好的瓷器元素，将其逐一粘合到织物上。随着时间的推移，作品变得更具雕塑感，与身体的关系也更加明显。现在，我创作的大型混合雕塑中，瓷器元素几乎就像骨头一样，而织物则成了将一切结合在一起的皮肤。
您作品中的图像来源于何处？
我作品中的图像通常来自有机结构、人体、植物或微观和地质形式。我对直接描绘可识别的事物不感兴趣。我更喜欢在抽象和具象之间摇摆的形式。我喜欢这种模棱两可的感觉，因为我们的大脑会自动根据记忆来解释我们所看到的东西。当一个形状无法清晰辨认时，它就会激活我们的想象力和个人联想。
您作品的空间相关性有多重要？
空间在我的雕塑作品中扮演着重要角色。我感兴趣的是创作那些看起来几乎就像活的有机体一样的作品，它们与观众占据着同一个空间。由于它们的大小以及在墙上或地板上生长或膨胀的方式，它们似乎在与我们争夺空间和空气。我的许多作品都是固定在墙上的，这样它们就可以不受地心引力的影响，向室内扩展。在我最近的一些作品中，雕塑从地面升起，在空间中垂直生长。我喜欢这种运动，因为它赋予了作品一种肉体的存在感。当作品延伸到房间的高度，有时甚至超过观众，它们就会与观众的身体产生更强烈的物理关系。
在您的作品中，您对时间和空间的概念是怎样的？
时间在我的作品中扮演着重要的角色，无论是概念上还是物理上。雕塑是由数百个小瓷器元素组成的，我手工制作模型，然后将它们逐个绑在织物上。这是一个非常缓慢的过程。通过这种重复和手工操作，时间在作品中成为一种物理存在。我还喜欢这样的想法，即作品似乎处于成长或转变的状态，就好像它们仍在空间中演变，尚未达到最终状态。
您采用的技术和表达方式让人联想到女性。对你来说，这是一个身份问题还是一个政治问题？
对我来说，这主要不是一个身份或政治声明的问题。我知道纺织品在历史上与女性气质和家务劳动有关，但这不是我艺术创作的重点，我也无意再现这一点。相反，我对纺织品的兴趣源于它们的材质特质。当然，观众可能仍然能从作品中看出这些历史关联，这很好。但对我来说，出发点始终是材料和雕塑过程。
您对自然的概念是什么？
我认为人与自然之间没有明显的界限。我认为它们是同一个系统的一部分。在我的作品中，自然与其说是直接呈现，不如说是一系列过程：生长、张力、压力、重力或衰变。
您对景观的概念感兴趣吗？
是的，但同样是以一种相当抽象的方式。一些躺在地板上的作品会让人联想到地质景观、龟裂的沙漠大地。这可以在我的作品《A moment between》（2019 年）中看到。同时，作品也能让人联想到皮肤或生物体。我喜欢这种不断变化的尺度，在这种尺度下，某些东西既可以作为景观出现，也可以作为身体表面出现。
色彩在您的作品中有多重要？
色彩在我的作品中扮演着重要的角色，它既能塑造情感反应，又能引导围绕雕塑产生的联想。我经常选择与身体有关的颜色，如粉色和肉色。最近，不同色调的绿色成为我创作的一部分，将作品的联想领域扩展到植物方面。我对色彩和形式如何相互作用非常感兴趣。同一种颜色与不同的形状搭配，会呈现出截然不同的效果。例如，在一个让人联想到人体的形状上涂上粉红色，看起来会很奇怪或令人不安，而在一个类似花朵的形状上涂上同样的粉红色，则会产生完全不同的效果。形式和色彩是相辅相成的，作品的意义或感觉来自于它们的结合方式。
您对作品中的精神层面感兴趣吗？
我不会把我的作品定义为宗教意义上的精神作品，但我对超越语言的体验很感兴趣。我希望观赏者在完全理解作品的思想内涵之前，能够用身体去感受它。这种感官或情感上的反应对我很重要。
当你开始创作一件作品时，你是否已经对作品的发展有了明确的想法，还是说在创作过程中还有改变的余地？
我很少一开始就有一个完全确定的想法。我喜欢说我是通过制作来思考的。我的工作室就像一个实验室，我在这里试验各种材料和形状，并绘制许多草图。通过这些实验，我发现了令我着迷的形式，于是我将它们进一步发展为大型雕塑，并在手中成型。在创作过程中遇到的小插曲会改变作品的方向，我对此保持开放的态度。
您是系列创作，一次只创作一件作品，还是同时创作几件作品？
我通常一次创作几件作品。雕塑由许多独立元素组成，有时需要数月才能完成。我喜欢同时创作不同的作品，因为这样可以防止我厌倦或专注于一件事。同时创作不同的雕塑还能让想法在它们之间循环，在创作过程中往往会意外地出现新的变化。
将作品与展览联系起来的想法是否重要？您希望在作品前与观众进行怎样的对话？
我希望观众能身体力行地体验作品。我对 “视觉触觉 ”非常感兴趣，我认为只要看着雕塑，就几乎能感受到它的质感和物理性。如果我们看到一个物体，我们就能想象它有多重，它的表面是什么感觉，它有多温暖，它被提起或移动时会有什么表现。我喜欢使用一些材料，这些材料一方面很容易辨认，但另一方面又让观众感到陌生。通过让观众产生触摸我作品的欲望，我也在眼睛和手之间创造了一个空隙。这条鸿沟必须通过观众的身体体验，通过我们的感觉和我们与材料的身体接触所产生的体验来弥合。
当没有人观察作品时，作品会发生什么变化？艺术作品的存在能否独立于观察者的存在？
这是一个有趣的问题。我认为，当观众通过他们的目光、身体和想象力与作品产生共鸣时，作品才是完整的。作品需要观众的感知来激活。
一些艺术家站在作品的两侧，另一些艺术家，如表演艺术家，往往站在作品的中心，还有一些艺术家从高处俯视作品，反之亦然......您如何定位自己与作品的关系？
我和作品之间没有等级之分。我不是俯视它们，也不是仰视它们，而是将它们视为站在我面前的对等物，拥有自己的自主权。在创作过程中，我与我的作品有着强烈的身体联系，我的手在瓷器中的大小、重复的打结过程以及对雕塑的数百次触摸都塑造了我的作品。我对它们投入了大量的爱和精力。有时，我觉得它们是我身体的延伸。当我把它们带出工作室时，它们发生了变化：它们变得更加自主和独立，并发展出自己的生命。
本文作者 : Gabriele Landi
Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.免责声明：本篇意大利语原文的中文翻译由自动工具生成。 我们承诺会对所有文章进行审核，但无法保证完全避免因软件造成的翻译误差。 您可以点击 ITA 按钮查看原文。如发现任何错误，请联系我们。
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