Die phantasievollen Visionen von Gustave Doré: ein Buch, das ganz seinem Werk gewidmet ist

Folgen Sie uns auf Google DiscoverBevorzugte Quellen

Gustave Doré: Ein Name, der grandiose, surreale und traumhafte Bilder heraufbeschwört. Doré illustriert nicht einfach nur, er malt nicht einfach nur: Er hat Visionen, und diese Visionen setzt er durch den gekonnten Einsatz seiner Kunst in die Materie um. Im Jahr 2022 beschlossen Alix Paré, Kunsthistorikerin mit Abschluss an der École du Louvre und Vermittlerin mit Spezialisierung auf westliche Malerei vom 17. bis zum 20. Jahrhundert, und Valérie Sueur-Hermel, Konservatorin an der Bibliothèque nationale de France, beschlossen, eine bisher unveröffentlichte Retrospektive der bedeutendsten Werke Dorés zu kuratieren und in einem 480 Seiten starken Band zusammenzufassen. So entstand die illustrierte Ausgabe „Fantastico“, herausgegeben von L’Ippocampo (2022, ISBN 9788867227068), herausgegeben wird und die sich zum Ziel setzt, die bedeutendsten Werke des Künstlers zu analysieren, die aus einem Korpus von über 10.000 Drucken und Gemälden ausgewählt wurden. Ich kann ganz ehrlich sagen, dass die Retrospektive der beiden Herausgeberinnen nicht der klassische Band ist, der lediglich bis zum Rand mit Gemälden und Bildunterschriften gefüllt ist. „Fantastico“ ist ein Werk von beträchtlichem kunsthistorischem Wert, sowohl für Kunstliebhaber als auch für Wissenschaftler der Literatur- und Illustrationsgeschichte.

Was wissen wir über Doré? Er galt beispielsweise als einer der größten Künstler des 19. Jahrhunderts und war vor allem für seine unglaubliche Fähigkeit bekannt, literarische Texte zu illustrieren. Wir wissen auch, dass es ihm gelang, den Druck zu einer Kunstform zu machen, die unzählige Bereiche beeinflusst hat: vom Kino über den Animationsfilm bis hin zum Comic. Ich nenne einige Beispiele: Die Darstellungen wilder Wälder, wie sie in „Atala“ zu sehen sind, haben zahlreiche Versionen von „King Kong“ geprägt, vom Originalfilm von 1933 bis hin zu Peter Jacksons Version aus dem Jahr 2005 (der sich einige Jahre zuvor bei der Entstehung von „Der Herr der Ringe“(2001–2003) von denselben Illustrationen inspirieren ließ). Sein Vermächtnis erstreckt sich auch auf die Harry-Potter-Saga, während sich sein Einfluss in der Welt der Animation sowohl auf Walt Disney als auch auf die Schöpfer der Figur des gestiefelten Katers aus dem 2004 erschienenen Film „Shrek“ erstreckt. Ich möchte auch die Illustrationen für die „Märchen von Charles Perrault“ erwähnen, die das Werk von Jean Cocteau für „Die Schöne und das Biest“von 1945 sowie die Figur des Chewbacca in „Star Wars“, die 1977 von George Lucas entworfen wurde, beeinflusst haben.

Das Werk von Gustave Doré ist beeindruckend. Mit dreiunddreißig Jahren erklärte er ironischerweise, „nur hunderttausend Zeichnungen angefertigt zu haben“, und mit einundfünfzig Jahren, als er starb, hatte sein Werkverzeichnis kolossale Ausmaße angenommen, mit etwa elftausend registrierten Werken. Wie bereits erwähnt, unterscheidet sich „Fantastico“ von jeder anderen illustrierten Ausgabe, die dem Autor gewidmet ist. Vergessen wir einen Band wie „The Doré Illustrations for Dante’s Divine Comedy“ aus dem Jahr 2012, herausgegeben von Dover Publications (135 Seiten), oder „Doré’s Illustrations for ‚Paradise Lost‘“ (50 Seiten) aus dem Jahr 1993, ebenfalls erschienen bei Dover. Die Entscheidungen der Autorinnen basieren auf einer sorgfältigen Auswahl, die die visuelle Wirkung, den ästhetischen Wert und die thematische Bedeutung der Illustrationen des Künstlers berücksichtigt. „Fantastico“ ist ein Werk, das die Fülle und die Vielseitigkeit seines Schaffens hervorhebt: Es handelt sich nicht um einen banalen Band mit chronologisch geordneten Werken.

Gustave Doré scheute sich nie davor, neue künstlerische Wege zu beschreiten. Seine Karriere bewegte sich durch verschiedene Bereiche: von Karikaturen über Krieg, Märchen und Gedichte bis hin zur epischen Darstellung von Landschaften, Burgen und Fabelwesen. Doré besaß in der Tat stets die Fähigkeit, Realität und Fantasie zu verbinden – dieselbe Fähigkeit, die es ihm ermöglichte, Werke zu schaffen, die sich dem Betrachter tief ins Gedächtnis einprägen. Der Band gliedert sich in vier Hauptkapitel, von denen jedes einem anderen Aspekt seines Schaffens gewidmet ist. Das erste Kapitel, „Gustave Doré und der Druck“, befasst sich mit den drei Gravurtechniken, für die er am bekanntesten ist: Lithografie,Radierung und Holzschnitt. Im zweiten Kapitel, „Gustave Doré – Der Illustrator“, wird seine Karriere als Illustrator vertieft, wobei der Schwerpunkt auf 26 literarischen Werken liegt, darunter Romane, Gedichte, Märchen und Fabeln sowie Erzählungen und Kriegs- und Reiseberichte. Das dritte Kapitel, „Gustave Doré – Der Karikaturist“, stellt seine drei Karikaturenalben vor, deren Illustrationen in der französischen Zeitschrift „Le journal pour rire“ veröffentlicht wurden. Das letzte Kapitel, „Gustave Doré – Der Maler“, ist den malerischen Werken des Künstlers gewidmet. Hier werden 22 Gemälde und Aquarelle näher beleuchtet, darunter Berg- und Waldlandschaften, historische Schauplätze und märchenhafte Szenen.

Als Henri Leblanc 1931 seinen „Catalogue de l’Oeuvre complet de Gustave Doré“ fertigstellte, gönnte er sich einen mathematischen Exkurs, um „die Neugier der Kenner zu befriedigen“. Er zählte nämlich 11.013 geschaffene Werke: Das sind etwa 290 Werke pro Jahr, also eines pro Tag, Feiertage und Sonntage ausgenommen, wie Leblanc behauptet. Davon sind ganze 10.026 Drucke, über 90 % der Gesamtzahl, die zwischen 1845 und 1879 mit allen drei Haupttechniken entstanden sind: Hochdruck (Kopfholzschnitt), Tiefdruck (Radierung) und Flachdruck (Lithografie). Trotz einiger Erfolge zeichnete sich Doré in Wirklichkeit eher als Illustrator denn als Kupferstecher oder Lithograf aus. Von 1854 mit „Die Werke des Humanisten François Rabelais“ bis hinzum „Orlando Furioso“ von 1879 schuf Doré mindestens 9.850 Zeichnungen für Bücher und Zeitschriften, die er anschließend über 160 Kupferstechern anvertraute. Durch die enge Zusammenarbeit mit den Kupferstechern (Künstlern, die mit dem Stichel Metall und Holz gravieren und verzieren), um der Technik neues Leben einzuhauchen, war sein Beitrag zum Holzschnitt revolutionär: Er wurde als Entwerfer der Vorlagen (und nicht als Ausführender) anerkannt, galt Doré als Vorreiter der Druckkunst.

Dorés Kunst hat jedoch nie die Erzählung begleitet: Sie verstärkt den Text und macht ihn noch eindringlicher. In seiner Zeit als Zeichner illustrierte er Dantes „Göttliche Komödie“, Alfred Tennysons „Die Idyllen des Königs“, Cervantes’ „Don Quijote“, Edgar Allan Poes „Der Rabe“, John Miltons „Das verlorene Paradies “ und die Heilige Bibel. Das Ergebnis dieser Werke? Eine Tiefe und Intensität, die die Texte der Schriftsteller durch einen detailreichen Strich und eine unvergleichliche dramatische Sensibilität begleitet. Die Illustrationen beschwören somit Stimmungen herauf, in denen sich das Erhabene und das Makabre, aber auch Hoffnung und Verzweiflung vermischen.

Neben diesen Werken entstehen auch Kriegsgeschichten: Sowohl in den Kriegen seiner Zeit als auch in den Kreuzzügen der Vergangenheit verbindet Doré Heldentum mit Tragödie und verleiht einer von einer äußerst romantischen Vision durchdrungenen Kriegsvorstellung eine neue Gestalt. Zu den bedeutendsten Titeln zählen „Épisodes de la guerre d’Orient“, „La Guerre d’Italie“ und „Histoire des Croisades“ von Jean-François Michaud.

Ich nehme die „Göttliche Komödie“ unter die Lupe, eines der ehrgeizigsten Werke seiner Karriere. Noch sehr jung und tief fasziniert von der zwischen 1303 und 1321 von Dante verfassten Erzählung, beschließt Doré, sich an den Illustrationenzum „Inferno“ zu versuchen. Tatsächlich war zu jener Zeit kein Verleger bereit, ein als zu riskant erachtetes Projekt zu unterstützen, sodass er gezwungen war, die Veröffentlichung selbst zu finanzieren. Das Werk erschien 1861 beim Verlag Hachette und erzielte einen unerwarteten Erfolg, der sein Talent endgültig festigte. Erst 1868 vollendete er das Werk mit den Stichen, die dem „Fegefeuer“ und dem „Paradies“ gewidmet waren. Doré wollte das Grauen der ewigen Strafe sichtbar machen – und das gelang ihm. Die Höllenszenen vermitteln die Qualen der Verdammten, die in verzweifelten und leidenden Haltungen dargestellt sind und in düsteren Landschaften versunken sind. Die Höllenkreise, die Dämonen und die büßenden Seelen werden mit dramatischer und theatralischer Präzision dargestellt. Wie könnten wir also sein Werk zur Erzählung Dantes charakterisieren? Ein künstlerischer Triumph, eine visuelle Neuinterpretation, die das kollektive Bild der „Göttlichen Komödie“ tiefgreifend geprägt hat und zu einem Bezugspunkt für Generationen von Künstlern nach ihm wurde. Einige Namen: William-Adolphe Bouguereau, Auguste Rodin, Gustave Courtois, Donn Philip Crane.

Das wohl imposanteste Projekt des Künstlers war jedoch die Illustration der Heiligen Bibel, ein monumentales Werk, das ihn jahrelang beschäftigte und das eine perfekte Synthese seiner Vision von Kunst als Mittel zur Entdeckung des Heiligen darstellt. Schon seit seiner Jugend hegte Doré den Ehrgeiz, die Bibel zu illustrieren: ein monumentales Projekt, das sowohl aus seinem Glauben als auch aus seiner künstlerischen Berufung entsprang. Er bezeichnete sich selbst als engagierten Christen und setzte sich bereits in den 1850er Jahren in Zeichnungen für Zeitschriften mit sakralen Themen auseinander.

Im Jahr 1862, nach dem Erfolg seinerdem „Inferno“ gewidmeten Tafeln, unterbreitet er dem Verleger Alfred Mame, einer führenden Persönlichkeit im religiösen Verlagswesen, einen imposanten Vorschlag zu biblischen Themen. Dies ist der Beginn eines dreijährigen Engagements, in dessen Verlauf Doré auch Hunderte von Zeichnungen und verschiedene Gemälde schafft, darunter die Illustrationen fürMiltons „ s verlorenen Paradies “. Figuren wie Satan, die Engel und das Urpaar Adam und Eva werden so zu einem festen Bestandteil seiner Vorstellungswelt. Die erste Ausgabe der Heiligen Bibel nach der Vulgata„ “, illustriert von Doré unter dem Titel „ “ mit 228 Tafeln, erschien am 1. Dezember 1865 zeitgleich in den wichtigsten europäischen Hauptstädten im Vorfeld der Weihnachtsfeiertage, und die gesamte Auflage war innerhalb kürzester Zeit vergriffen. Im folgenden Jahr, in der zweiten Auflage, stieg die Anzahl der Stiche nach einigen Änderungen auf 230. Das Werk reiht sich in eine lange Verlagstradition des 19. Jahrhunderts ein, in der sich bekannte Künstler an der Bibel versuchten: Zu ihnen zählen Achille Devéria, Célestin-François Nanteuil und James Tissot. Dennoch hebt sich Dorés Bibel sowohl in künstlerischer als auch in kommerzieller Hinsicht deutlich ab.

Der dramatische und visionäre Stil des Autors, der sich von den bis dahin für dieses Thema üblichen konventionellen Tönen abhebt, bietet Szenen, die durch starkes Hell-Dunkel, gewagte Perspektiven und malerische Anspielungen auf Rembrandt und Delacroix hervorgehoben werden. Kritiker und Schriftsteller, allen voran Émile Zola, bleiben davon nicht unbeeindruckt. Von den europäischen Ausgaben in Stuttgart, Mailand, Sankt Petersburg und Barcelona ging es bald zu den amerikanischen Ausgaben über, die in New York und Chicago gedruckt wurden. Die Stiche wurden in hochwertigen Büchern verwendet, darunter Messbücher und religiöse Kinderbücher, aber auch in Glasplatten für Laterna Magicas, den Vorläufern des Projektors, und hinterließen sogar einen bleibenden Eindruck in der Vorstellungswelt des epischen Hollywood-Kinos. Für Doré ergab sich die Faszination für die Bibel aus zwei Hauptfaktoren: Er wurde von einer starken spirituellen Motivation angetrieben, aber auch vom formalen Reichtum des Textes, der ihn zutiefst faszinierte. Das immense Repertoire an Figuren bot ihm ein unerschöpfliches visuelles Material, in dem monströse Missbildungen und himmlische Schönheiten, exotische Gewänder, feierliche Haltungen und intensive Gesichtsausdrücke nebeneinander existieren. Insbesondere das Alte Testament inspiriert ihn zu 152 Radierungen voller orientalischer Eindrücke, die ein direktes Spiegelbild der ägyptischen und mesopotamischen Sammlungen sind, die er im Louvre bewundert hat. Dem Neuen Testament widmet er hingegen 68 Tafeln.

Im Jahr 1855 stellte Doré eine Liste der großen literarischen Meisterwerke zusammen, die er illustrieren wollte: Darunter fehlte natürlich auch „Das verlorene Paradies“, ein 1667 von John Milton (London, 1608–1674) verfasstes Gedicht. Der Text, der in Frankreich dank der mehrfach nachgedruckten Übersetzung von François-René de Chateaubriand bereits weithin bekannt war, wurde vom Künstler für den Londoner Verlag Cassel Petter & Galpin illustriert. Der 1866 erschienene Band festigt damit seinen Ruf auch im Vereinigten Königreich.

Durch seine Illustrationen gelingt es Doré, den Konflikt zwischen den engelhaften und den dämonischen Kräften greifbar zu machen. Die Figur Luzifers beispielsweise, die voller Stolz und Tragik dargestellt wird, wird in seinen Illustrationen als rebellischer Protagonist hervorgehoben. Tatsächlich war Dorés „Das verlorene Paradies“ nicht die erste Illustration, die die mit dem Gedicht verbundene Vorstellungswelt prägte: vor ihm arbeiteten sowohl William Blake zwischen 1790 und 1792 als auch John Martin in den ersten zwanzig Jahren des 19. Jahrhunderts an der Gestaltung der Tafeln zu Miltons Werk – und nicht nur daran. Ich erwähne darüber hinaus„ Le Pandemonium“, ein grandioses Gemälde, das Martin 1841 schuf und das sich derzeit im Musée du Louvre befindet. Zwischen 1735 und 1740, noch vor den Künstlern der Romantik, schuf der englische Maler und Kupferstecher William Hogarth das Werk „Satan, „Sin and Death“ (Eine Szene aus Miltons ‚Paradise Lost‘), gefolgt von Thomas Rowlandson, der 1792 dasselbe Ölgemälde von Hogarth neu interpretierte und eine neue Version als Radierung schuf, die mit brauner Tinte gedruckt und mit dem Titel „Satan, Sin and Death (Paradise Lost, Buch 2).

Kehren wir zu Doré zurück: Die Illustrationen zu Miltons Gedicht loten das Potenzial der Dunkelheit aus und widmen jedem einzelnen Detail der Figuren ein akribisches Auge. Worin liegt in diesem Fall seine Größe? Darin,den Aktder Metamorphose der Figuren einzufangen und die Verwandlung visuell real werden zu lassen. Betrachten wir zum Beispiel die Flügel der Engel und der Dämonen: Sie ähneln denen von Schwänen, solange sie mit dem Himmel verbunden sind, verwandeln sich jedoch in Fledermausflügel, sobald sie auf die Erde stürzen. Auf jeden Fall sind die Landschaften in „Das verlorene Paradies“ und „ “ majestätisch, mit feurigen Abgründen und jenseitigen Visionen, die die Feierlichkeit von Miltons Text widerspiegeln. Es handelt sich um theatralische und dramatische Illustrationen, die den Raum des Gedichts erweitern können.

In den „Idyllen des Königs“, die 1859 von Sir Alfred Tennyson (Somersby, 1809 – Aldworth, 1892), einer der bekanntesten Persönlichkeiten des viktorianischen Zeitalters, verfasst wurden, widmet sich Doré hingegen der Welt der Gedichte, die vom Artus-Zyklus inspiriert sind. Darin taucht die Figur der Dame von Shalott auf, die mit Elaine identifiziert wird und von Viviana, Guinevere und Enid begleitet wird. Als Student in Cambridge veröffentlichte Tennyson 1830 seinen ersten Gedichtband, „Poems, Chiefly Lyrical“ (Vorwiegend lyrische Gedichte).

Das Werk ist von einem sentimentalen Ton geprägt und findet beim Publikum sofort Anklang. Drei Jahre später erscheint sein zweites Werk, das das Gedicht „Die Dame von Shalott“ enthält. Der Text, der sich frei an der mittelalterlichen Welt orientiert , erzählt von einer Prinzessin aus dem Reich von König Artus, die dazu verdammt ist, die Realität nur durch einen Spiegel zu betrachten. Tennysons Gedichte prägten die Maler der Arts-and-Crafts-Bewegung und der Präraffaeliten-Bruderschaft tiefgreifend, unter denen John William Waterhouse besonders hervorsticht. Dorés Illustrationen zu den vier Gedichten wurden zunächst 1867 einzeln veröffentlicht und später in dem Band„ :Idilli del Re“ zusammengefasst, der in London bei Edward Moxon erschien. Im selben Jahr veröffentlichte der französische Verleger Louis Hachette vier separate Bände: „Énide“, „Élaine“, „Viviane“ und „Genièvre“, jeweils mit neun Stahlstichen illustriert. Die von Lyrik geprägten Illustrationen lassen Figuren entstehen, die von einer Aura der Romantik umgeben sind und in Kulissen aus gotischen Ruinen, Wäldern und imposanten Burgen eingebettet sind.

Das dritte Kapitel von „Fantastico“ ist hingegen ganz einem anderen Aspekt von Doré gewidmet. Der Künstler, der sich nie ausschließlich auf literarische Illustrationen beschränkte, machte sich in seiner Jugend (mit gerade einmal sechzehn Jahren) auch als Karikaturist und satirischer Zeichner einen Namen und arbeitete mit der satirischen Zeitung „Le Journal pour rire“ zusammen, die 1848 vom Verleger Charles Philipon (dem Vater der weltweit ersten illustrierten satirischen Tageszeitung„ Le Charivari“). Der dritte Teil von„ Fantastico“ befasst sich genaumit seinem Werk als Karikaturist und dem kulturellen Kontext, in dem die Werke entstanden.

Mit zweiundzwanzig Jahren beherrscht Doré die Lithografie bereits souverän, doch sein Stil weist noch deutliche Spuren des Einflusses früherer Meister auf. So kommt es, dass Philipon sein Talent erkennt und seine Arbeiten in verschiedenen Alben zusammenstellt, wobei er ihm neue Serien zum Pariser Leben in Auftrag gibt. Zu seinen Vorbildern zählen vor allem Cham und Daumier, einen Künstler, den Doré mit Bewunderung betrachtet und dessen Motive er manchmal aufgreift und in seine eigenen Kompositionen einfließen lässt.

Neben seiner Tätigkeit als Illustrator und Kupferstecher versuchte sich Doré auch in der Malerei, insbesondere im Landschaftsgenre. Das letzte Kapitel von „Fantastico“ ist gerade seinem Werdegang als Illustrator und Landschaftsmaler gewidmet. Obwohl der Name Doré vor allem mit der Illustration in Verbindung gebracht wird, sind seine malerischen Werke ebenso faszinierend. Der Einsatz von Licht und Schatten in seinen Gemälden trägt dazu bei, eine traumhafte und zugleich bewegende Atmosphäre zu schaffen – ein charakteristisches Merkmal, das auch sein Werk als Illustrator auszeichnet. Zu seinen bedeutendsten Werken zählen „Andromeda“ von 1869, „Dante und Vergil im neunten Kreis der Hölle“ von 1861, „Das Rätsel“ von 1871, „Oceanine“ von 1878 und „Das Tal der Tränen“ aus dem Jahr 1883.Ich werde sie näher betrachten.

In „Andromeda“ wählt Doré den Moment unmittelbar vor der Rettung als Motiv: Andromeda, Tochter von Cepheus und Kassiopeia, den Herrschern von Äthiopien, ist bereits an den Felsen gekettet, während sich, wie in der mythologischen Erzählung beschrieben, das von Poseidon gesandte Seeungeheuer auf sie stürzt. Verängstigt sucht sie Schutz, indem sie sich auf die Zehenspitzen zurückzieht. In diesem Fall nähert sich der Künstler dem Sujet mit einem akademischen Ansatz und greift dabei auf das klassische Repertoire des idealen Aktes zurück, in dem griechische Einflüsse und orientalische Anregungen miteinander verschmelzen. Doré orientiert sich an den ihm nahestehenden Meistern wie Delacroix oder Ingres, wählt jedoch einen persönlichen Ansatz. Die Handlung ist in dem Augenblick vor der Befreiung eingefroren, in dem noch alles in der Schwebe ist, und die Kulisse ist kein Zufall: Die raue Landschaft, die Klippen und das aufgewühlte Meer sind wiederkehrende Elemente in seinem Werk. Körper im Schwebezustand und feindliche Umgebungen prägen seine Illustrationen sowohl für Dante als auch für Milton. Diese Bildsprache kehrt auch Jahre später, im Jahr 1878, wieder, als er die Ozeaniden malt. Dasselbe Szenario, jedoch vervielfacht durch weibliche Figuren in unterschiedlichen Posen.

In einer der symbolträchtigsten Illustrationen seiner Serie zur „Göttlichen Komödie“ stellt Doré Dante und Vergil im neunten Kreis der Hölle dar, dem Reich Luzifers und Ort der Verräter, wo die Sünder bis zum Kopf im Eis versinken. Hier schreiten Dante und Vergil über die vereiste Weite des Kokytos, des im 32. Gesang beschriebenen gefrorenen Sees. Vergil senkt den Blick, und Dante runzelt die Stirn, während er zwei ineinander verwickelte Seelen anstarrt, von denen eine wütend in den Schädel der anderen beißt. Um sie herum ragen die Seelen der Verdammten kaum aus der Oberfläche hervor: Einige zeigen nur den Kopf, andere ein von Kälte und Verzweiflung verzerrtes Gesicht, gefangen in einer Ewigkeit des Eises.

Die Figuren, die die Szene bevölkern – nackt, verzerrt, muskulös –, sind das Ergebnis von Dorés anatomischer Virtuosität und erinnern an die tragische Kraft der Figuren Michelangelos, wie im „Jüngsten Gericht“. Das Gemälde entstand parallel zu dem großen Unterfangen der Zeichnungen für die „Hölle“, der ersten Etappe des monumentalen Projekts, die gesamte „Göttliche Komödie“ zu illustrieren. In diesem Werk interpretiert Doré drei verschiedene Kompositionen, die für ebenso viele dem 32. Gesang gewidmete Radierungen entworfen wurden, neu und verschmilzt sie zu einer einzigen, imposanten Leinwand. Der Übergang von der Zeichnung zur Malerei ermöglicht es ihm, die Szene zu erweitern und mit Farbe zu experimentieren: Ein bläuliches, unwirkliches Licht durchdringt die Oberfläche und betont die übernatürliche und halluzinatorische Atmosphäre der eisigen, höllischen Landschaft.

Zu den verstörendsten Gemälden Dorés gehört „L’Enigma“( ), das als Reaktion auf das kollektive Traumaentstand , das der Deutsch-Französische Krieg von 1870 hinterlassen hatte. Die Szene spielt sich auf einer kahlen Anhöhe ab, auf der die leblosen Körper von Soldaten und Zivilisten liegen. Neben den Überresten eines Kürassiers umarmen zwei Eltern ihre toten Kinder. In der Mitte des Gemäldes ragen hingegen eine Sphinx mit Löwenkörper und menschlichem Gesicht, bedeckt mitdem traditionellenägyptischen Nemes- , und eine geflügelte, mit einem Lorbeerkranz gekrönte Frau (Allegorie des besiegten Frankreichs) hervor, die ihren Arm nach dem Wesen ausstreckt.

Auf dem Gemälde verharrt die Sphinx schweigend; sie ist nicht die der griechischen Mythen. Man könnte sie als ein älteres, rätselhaftes Wesen bezeichnen. Doré, der in Straßburg geboren wurde, ist tief geprägt vom Verlust des Elsass und schuf 1871 ein Triptychon in Grisaille (eine Maltechnik in monochromer Ausführung, in diesem Fall ausschließlich in Grautönen), bestehend aus „Das Rätsel“, „Der schwarze Adler von Preußen“ und „Die Verteidigung von Paris“. In jedem dieser Werke taucht dieselbe weibliche Figur erneut auf, um die verwundete Nation zu verkörpern. Der Künstler verbindet somit romantisches Pathos mit allegorischem Symbolismus, wobei er sich von Delacroix und Gros inspirieren lässt, sich jedoch durch die monochrome Darstellung und eine desillusionierte Sicht auf den Krieg von ihnen abhebt.

In den „Oceaninen“ setzt sich Doré mit dem Mythos der Oceaninen auseinander, den Wassernymphen, die in der mythologischen Erzählung am Leid Prometheus’ teilhaben. Als Töchter des Titanen Okeanos und der Nymphe Thetis erscheinen die Ozeaniden auf dem Felsen liegend; einige geben sich den Wellen hin, während andere sich an ihre Mutter schmiegen, die an ihrer Krone aus roten Blumen zu erkennen ist. Ihre Körper, die im akademischen Stil und mit zurückhaltender Sinnlichkeit modelliert sind, erinnern an die Modelle von Ingres, insbesondere an die Figuren in dem Werk „Ruggero befreit Angelica“ aus dem Jahr 1819 . Auf der Spitze des Felsens windet sich ein nackter Körper unter dem Angriff eines Adlers mit ausgebreiteten Flügeln: Es ist Prometheus, der Titan, der es wagte, den Menschen das Feuer der Götter zu schenken. Um ihn zu bestrafen, verurteilte Zeus ihn zu ewiger Qual: An einen Berg gekettet, wird seine Leber jeden Tag von einem Raubvogel zerfleischt.

Während Rubens in seinemzwischen 1612 und 1618entstandenen Werk „Der gefesselte Prometheus“( ) den Mythos in einen barocken Rahmen einbettet und ihn an die „Theogonie“ von Hesiod anknüpft, blickt Doré darüber hinaus. Seine Inspiration stammt von Aischylos, insbesondere aus dem „Geketteten Prometheus“, in dem der Titan mit dem Chor der Okeaniden in Kontakt tritt, die sein Leiden beobachten. Der Künstler porträtiert somit eine Figur, die den romantischen Künstlern des 19. Jahrhunderts am Herzen lag, die in dem Mythos eine Allegorie des Widerstands und der Unabhängigkeit des Denkens sahen. Doré vereint in einem einzigen Werk Eros und Thanatos (die Personifizierung des Todes): Der Brutalität der Prometheus auferlegten Strafe stellt der Künstler die sinnliche Hingabe der Nymphen gegenüber. Es ist ein Spiel der Kontraste, das sich durch einen Großteil seiner Werke zieht. Die Schönheit, in diesem Fall verkörpert durch die Verführungskraft der weiblichen Figuren, ist oft von Trauer durchdrungen, und der Tod nimmt in den Gesten der Leidenschaft Gestalt an. Ein Ansatz, der Doré mit anderen Künstlern seiner Zeit verbindet, wie beispielsweise Henri Lehmann, der sich bereits 1850 mit demselben Thema auseinandergesetzt hatte. Doré positioniert sich ideell zwischen dem romantischen Pathos und der dekadenten Sinnlichkeit des Symbolismus und nimmt die Gedanken von Gustave Moreau, Arnold Böcklin und Auguste Rodin vorweg, die ebenfalls von der Figur der Ozeaniden und dem Mythos von Prometheus fasziniert waren.

Das Tal der Tränen ist Dorés letzte große Komposition, vielleicht die intimste. In diesem Werk, das in den letzten Jahren seines Lebens entstand, schüttet der Maler die körperlichen und seelischen Qualen aus, die ihn bedrängen, und scheint dem Glauben die rettende Funktion eines Lichts anzuvertrauen, das die Finsternis des Daseins erhellt. Alles ist um das Spiel von Licht und Schatten herum aufgebaut. Es gibt kein natürliches Licht in der Szene: Die weite und trostlose Landschaft ist in tiefen Schatten getaucht, der lediglich durch die Gestalt Christi erhellt wird, dem visuellen und spirituellen Mittelpunkt der Komposition. Auf einem felsigen Pfad schreitet Jesus mit dem Kreuz auf der rechten Schulter voran. Sein Gesicht ist in Wahrheit nicht von Leid gezeichnet. Es ist standhaft, strahlend, und mit dem Zeigefinger der rechten Hand weist er zum Himmel. Zu seinen Füßen versammelt sich eine Menschenmenge entlang des Weges: Männer, Frauen, Kinder, Soldaten und Herrscher, die alle die Zeichen von Elend, Schmerz und Verlassenheit gemeinsam haben.

Für dieses Werk ließ sich Doré von einer Stelle aus dem Matthäusevangelium inspirieren : „Kommt alle zu mir, die ihr mühselig und beladen seid, ich will euch erquicken“ ( Mt 11,28). Die Komposition folgt einer aufsteigenden Diagonale, die das Auge und den Geist von der Trostlosigkeit zur Hoffnung, vom Schatten zum Licht führt. In einem Brief aus dem Jahr 1881, der an die Eigentümer der Doré Gallery gerichtet war, schrieb er über das Werk: „Es ist vielleicht das aufrichtigste religiöse und christliche Motiv, das ich je geschaffen habe: Es ist, glaube ich, mein persönlichstes Werk.“ Ein Werk , das zugleich künstlerisches Vermächtnis und Glaubensbekenntnis ist. Der heitere Christus, eingetaucht in herrliche Ruhe, steht im Kontrast zu den gequälten Gesichtern der Menge. Das Tal der Tränen ist in Wirklichkeit auch eine Art inneres Selbstporträt. Nach dem Tod seiner Mutter im Jahr 1880 durchlebt Doré nämlich eine Zeit, die von tiefer Melancholie geprägt ist und durch Asthmaanfälle, die ihn in Paris festhalten, noch erschwert wird.

Was hinterlässt uns das Buch, und was können wir somit aus „Fantastico“ gewinnen? Aus dem von Alix Paré und Valérie Sueur-Hermel herausgegebenen Band geht deutlich hervor, wie sehr Gustave Doré eine prägende Figur der visuellen Kultur des 19. Jahrhunderts war und dass er die Vorstellungswelt der Massen bis in unsere Tage hinein tiefgreifend beeinflusst hat. Das Werk präsentiert uns einen bisher unbekannten, facettenreichen und überraschend aktuellen Doré. Auf den 480 Seiten des Bandes wird deutlich, dass sein Schaffen eine eigenständige Form der visuellen Erzählung darstellt, die in der Lage ist, die Klassiker neu zu interpretieren und ihnen neues Leben einzuhauchen. „Fantastico“ lehrt uns , das Werk des Künstlers als eine noch immer lebendige Sprache zu lesen, die weiterhin Eindrücke in der Fotografie, im Kino und in der zeitgenössischen Illustration hervorbringt. Dorés Vermächtnis ist somit ein lebendiges, das den elsässischen Künstler als einen der großen Visionäre des 19. Jahrhunderts bestätigt.

Der Autor dieses Artikels: Noemi Capoccia

Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.

Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.