Die unsichtbaren Welten von Sofia Bersanelli: Das Geheimnis als Thema der Kunst

Sofia Bersanelli (Mailand, 1993) setzt sich in ihrer künstlerischen Praxis mit dem Wesen des Bildes und der Kraft der Sprache auseinander, die es trägt. In diesem Interview mit Gabriele Landi lässt sie die Ursprünge ihrer künstlerischen Sensibilität Revue passieren, die aus einem frühreifen Blick auf die Schönheit und das Geheimnis der Welt entstanden ist. Im Interview erzählt sie, wie Poesie, Zeichnung, Fotografie und Video sich ergänzende Ausdrucksformen sind, mit denen sie das erforscht, was sich dem Sichtbaren entzieht. Der Körper, das Heilige im Alltäglichen und Erfahrungen der Verlorenheit werden zu grundlegenden Elementen ihrer kreativen Suche. Im Mittelpunkt ihrer Arbeit steht die Aufmerksamkeit für kleine Begebenheiten und für die in der Alltagsrealität verborgenen Offenbarungen. Ein Dialog, der eine Poetik des Unsichtbaren wiedergibt, in der sich Kunst und Leben auf der Suche nach einem tieferen Sinn miteinander verflechten.

Die Auseinandersetzung mit der Beziehung zwischen geschriebenem und visuellem Text veranlasst die Künstlerin, Zeiten und Räume zu konstruieren und miteinander zu verknüpfen, wobei sie oft eine surreale und organische Atmosphäre heraufbeschwört: Ihr Werdegang ist eine Aneinanderreihung von Ausdrucksformen, in denen sich die Künstlerin einer kontinuierlichen Weiterentwicklung ihrer Forschung durch verschiedene Medien widmet (von der Malerei bis zur Fotografie, vom Video bis zum Schreiben, mit besonderem Augenmerk auf den Klangteppich, den das Bild erzeugt). Ihre Interessen gelten Themen wie dem Unbewussten, dem kollektiven Gedächtnis, der Beziehung, die der Mensch zu seinem Alltag knüpft, sowie der ursprünglichen Substanz des Bildes und des poetischen Wortes. Das Bedürfnis, die Entstehung der Vision zu erzählen, zu zeigen und schließlich zu hören, beflügelt ihre aktuelle Forschung.

Bersanelli erwarb 2020 den Master-Abschluss in Malerei an der Accademia di Belle Arti di Brera und stellte ihre Arbeiten in über 30 Gruppenausstellungen und internationalen Festivals aus, darunter das von der Biennale von Venedig geförderte Projekt „Codice Italia Academy“ (2015). Sie gewann den Equita-Preis (2019) und nahm am Residenzprojekt „Impronte“ im Museo Lercaro in Bologna teil, das von Claudio Musso, Laura Rositani, Francesca Passerini und Andrea Dall’Asta kuratiert wurde. Sie war Finalistin beim Arteamcup (2020–2021), beim Premio Novicelli (2021) und beim Combat Art Prize (2023). Im Jahr 2025 wurde sie eingeladen, ihre neuesten fotografischen Arbeiten in der Casa Testori während der Milano Art Week in der Doppelausstellung „DENTRO/OLTRE OLTRE/DENTRO“ gemeinsam mit Giuseppe Frangi zu präsentieren. Im Jahr 2026 wurde sie für den Premio San Fedele „Il volto della violenza“ in der Galerie San Fedele in Mailand ausgewählt.

Oft zeigen sich die ersten Anzeichen einer gewissen Neigung zur Kunst bereits in der frühen Kindheit – war das bei dir auch so? Erzähl mal…

Schon als kleines Kind war ich von Schönheit umgeben. Die Welt um mich herum ging eine Freundschaft mit mir ein, eine tiefe Verbindung. Die Häuser, die Natur, die Tiere strahlten die Leidenschaft und das Geheimnisvolle von etwas aus, das nur teilweise greifbar und verständlich war. Es war für mich die Zeit einer gerade erst erwachenden Sensibilität, die mir ein Gefühl der Tragik nicht ersparte: Die Begegnung mit der Außenwelt war für mich ein Spiel, das eine Gefahr, eine Warnung barg … Das Schöne hat seine eigene, fast traumatische Gewalt. Und so ging das Staunen Hand in Hand mit der Angst … Meine Wahrnehmung kleiner Alltagsgegenstände (meiner Spielsachen zum Beispiel) fesselte mich in Unbeschwertheit und hatte zugleich die Macht, mich an den Abgrund der Stille blicken zu lassen. Ich verstand es nicht. Ich betrachtete dieses beängstigende Schauspiel: Ich sog es in mich auf, steckte es in meine Tasche. Parallel dazu war ich von Zeit zu Zeit bei meinen Großeltern väterlicherseits zu Besuch. Unter anderem besaß mein Großvater eine umfangreiche Briefmarkensammlung und die Reihe „I maestri del colore“ der Zeitung „Corriere della Sera“. Wenn ich also von der Schule nach Hause kam und unter ihrer Obhut stand, hatte ich Spaß daran, die Meisterwerke der Kunstgeschichte mit Bleistift oder Buntstiften nachzuzeichnen. Es bereitete mir eine gewisse Freude, zu zeichnen und zu versuchen, es gut zu machen... Mit der Zeit haben diese beiden Erfahrungsstränge, die ich zunächst getrennt voneinander erlebt hatte, jene innere Welt geformt, die ich Tag für Tag atme und nähren darf. Erst später wurde mir klar, dass der Strich (sei es in der Poesie oder in der Zeichnung) meine Waffe war, um die Last eines Lebens zu tragen, von dem ich nicht unberührt geblieben war, und um den Anstich der Dramatik zwischen dem, was sich zeigt, und dem, was unbekannt bleibt, in eine deutlichere Beziehung zu führen. Auf diese Weise spielt auch für mich die Wunde eine Rolle; ich bin getroffen von ihrem Schweigen, von ihrem bedrückenden Flüstern…

Welche Bedeutung hat in all dem der Begriff des Geheimnisses?

Das Geheimnis ist das, was ich jeden Tag verdaue: Es ist eine Stimme, die auf dem Grund liegt und die auf wundersame Weise, von Zeit zu Zeit, an die Oberfläche kommt. Es ist ein bisschen so, als würde man beim Klangspektrum eines Wortes verweilen und dabei auf die Neigung des Tons achten, auf ein gewisses Abtauchen in das, was einen stummen Keim in sich trägt: das Ungehörte. Ein Blumenstrauß in der Dämmerung, die Spur einer Schnecke, das Geräusch der Autos auf der Straße. Es sind die kleinen Begebenheiten, die mich (nicht ohne eine gewisse Kraft) zu einem Triumph, zu einer Offenbarung zurückführen. Diese ist, obwohl sie die Weite des Universums hat, so nah, so vertraut, dass sie sich ganz eng zwischen meine Finger schmiegen kann.

Und der Körper?

Tja … der Körper ist eine weitere faszinierende Angelegenheit … Schon seit meiner Kindheit bin ich von Oberflächen fasziniert: Ich hatte Spaß daran, den Putz an der Tür meines Kinderzimmers abzukratzen (sehr zur Freude meiner Mutter). Dahinter befand sich eine runzlige Glasscheibe, aus den Achtzigern, um es mal so zu sagen. Nachts hatte ich Spaß daran, die Umrisse meines kleinen Kunstwerks zu betrachten, das vom Licht des Flurs hinterleuchtet wurde. Oder ich hatte, wie alle Kinder, Spaß daran, mit den Fingern auf den Seiten alter Blätter herumzukritzeln, oft im Großformat. Ich muss sie noch irgendwo haben, oder vielleicht habe ich sie für immer verloren... Aber ich muss sagen, dass gerade die Texturen eine beruhigende Wirkung auf mich hatten: Ich verlor mich, um mich dann wieder in ihren winzigen Mustern wiederzufinden, ich schlief ein, während meine Wangen von ihren fantasievollen Reliefs geformt wurden. Später im Leben erlebte ich eine Orientierungslosigkeit, eine Abwesenheit des Körpers, der Bezugspunkte, eine persönliche Entbehrung gegenüber dem Ruf der Realität. Ich möchte das näher erläutern: Nach der Mittelstufe entwickelte ich eine gewisse Unsicherheit, eine Verlorenheit in Bezug auf die sinnlichen Horizonte, die mich in große, wiederholte persönliche Krisen führte. Diese ganze innere Welt, die ich dir eingangs beschrieben habe, überfiel mich ohne Vorwarnung. Ich war wie blind gegenüber meinen eigenen Schritten: Ich bewegte meine Hände tastend, wie ein Fötus im Mutterleib, der seine Augen noch nicht öffnet, obwohl er weiß, dass er seit jeher in der Gebärmutter seiner Mutter geborgen ist. „Man kann nicht aus der Welt fallen“, sagte mir eines Tages ein mir nahestehender Mensch. Doch solche Sätze reichten nicht aus, um meine Nacht wie Feuer zu erhellen. Diese verschlossenen, beklemmenden Momente öffneten sich erneut durch die Schärfe eines Zeichens: die Fleischlichkeit eines Rotbrauntons, der durch das Licht der Glühbirne schillerte, das Geräusch der Linie auf dem Papier, und dann… Das Stillleben, die Mandarinen in einer Schale, das Orange ihrer Druckstellen … und wieder mein Vater, seine wissenschaftliche Erklärung zur Farbe der Dinge … all das war der Kern eines Neuanfangs, meines Bewusstwerdens … Ich, mit der Fackel hoch erhoben in meinem dunklen Zimmer, habe die Glut des Atems wiedergefunden, der zuvor von Panik gehetzt war, nun aber vom Rhythmus eines freudigen Herzens bestimmt wird. Es sind diese Erfahrungen, die die Verbindung, die Beziehung zwischen dem Unbeschreiblichen und seiner Hülle hervorgehoben haben, die es mir ermöglicht haben, das, was sich bisweilen widerspricht, wieder einmal (niemals für immer) als Einheit zu betrachten.

Wie gehst du mit den Begriffen von Zeit und Raum um?

Ich arbeite oft mit Poesie. Zunächst erschaffe ich Bilder in einem Raum (der dann der des Verses ist), der sich in der Metrik der Komposition entfaltet. In einem zweiten Schritt durchbreche ich diesen Bildstrang mit schussartigen Wörtern, wobei ich mich auch der Zeichensetzung und der Zeilenumbrüche bediene. Ich suche unermüdlich nach dem geheimen Rhythmus der Dinge. Dieser fallende Rhythmus setzt sich oft aus dem Raum und der Zeit der Wörter zusammen, die durch ihr Eintreten Stille und Pausen schaffen, Atemzüge, auf denen die Stimme ruht. Es handelt sich um eine Durchdringung, um eine Befruchtung von Moment-Wörtern und Mutterleib-Bildern, die fähig sind, einander zu fassen und sich gegenseitig zu umfassen. Ich glaube, was mich an diesen beiden von dir genannten Aspekten am meisten interessiert, ist ihre Verbindung, ihre ursprüngliche Nähe. Während meines Studiums habe ich mich mit der spektralen Musik beschäftigt. Es handelt sich um eine Strömung der klassischen Musik, die sich zwischen den 1970er- und 1980er-Jahren entwickelte. Die Spektralisten stützten ihre Sprache auf die Analyse der körperlichen Phänomene des Klangs, also auf dessen Spektrum, um es so auszudrücken. Die Strukturen der Stücke präsentierten sich in gedehnter, verlangsamter oder extrem komprimierter Form, wie die Zeit des Flügelschlags eines Insekts. So begann ich, die Tonaufnahmen für meine Videos zu komponieren und zu konzipieren, indem ich einen einzigen Klang (jenen kurzen Zeitabschnitt, den mein Aufnahmegerät eingefangen hatte) untersuchte, um dann im schwindelerregenden vertikalen Raum seines Spektrums einen Hauch von Melodie herauszuarbeiten. Ich bin überzeugt, dass in einem Klang bereits alles enthalten ist: In diesem seltenen Keim liegt das Schicksal des Liedes, das daraus entstehen wird. Ich glaube, dass Raum und Zeit untrennbar miteinander verbunden sind, wenn man sie an ihrem Ursprung betrachtet. Ein bisschen wie im Uruniversum, eingefangen in den Bruchteilen einer Sekunde nach der unglaublichen Explosion. Magma, Dichte, Konzentration, Einzigartigkeit. Es waren allein die Kontraktionen, die Wehen dieses Leibes (umschlossen, umschließend), die bewirkten, dass sich die Elemente ausdehnten, sich teilten und ihre eigene Richtung einschlugen. Raum und Zeit sind „Ideen“, die aus demselben Boden entspringen, und werden von meinen Augen am viszeralen Punkt ihres Anfangs als Einheit wahrgenommen. Erst danach findet man sie getrennt in Fäden unterschiedlicher Farbe wieder. Meine Absicht ist es, sie erneut zu betrachten/wiederzugeben (mit Dauer und Unterbrechungen), um sie in ihre ursprüngliche Verbindung als Schwesterwesen zurückzuversetzen.

Interessierst du dich für die Dimension des Heiligen?

Ja, wenn es eine Nähe erreicht. Heilig ist für mich eine Mandarine, eine angeschlagene Tasse, das Zwitschern der Schwalben am Morgen. Es ist ihre häusliche Dimension, die mich interessiert: die Anmut einer Hand, die Haltung einer Statue... es ist das Auf mich Zukommen einer fernen Nacht, die aus der Körperfeuchtigkeit meines halb geschlossenen Auges entsteht, oder der Rest des Blicks, der unter der kalten Münze des Toten widersteht. Es sind diese kleinen Zufälle, die in mir die erhabensten Gedanken wecken.

Interessiert dich die narrative Dimension, die nicht als Erzählung verstanden wird, sondern eher als eine Möglichkeit, bestimmte Situationen zu beleuchten, denen du auf deinen Streifzügen begegnest?

Mich interessiert alles, was im Verborgenen bleibt. Die unbedeutenden Ereignisse, wie das leichte Rascheln der Blätter im Wind, die stille Reise der Sonne am Himmel, die Wellen eines ins Wasser gefallenen Steins … sind die Stimme von Präsenzen, die wir in unserem (immer technologischeren und organisierteren) Alltag dazu neigen, nicht zu hören, nicht zu sehen. Nur die schrägen Blicke des Künstlers, des Dichters, lassen sich von der Anstrengung und der Sehnsucht dieser unsichtbaren Gegenwart blenden. Diese unbedeutenden Begebenheiten laden mich zum Fest einer anderen Welt ein, zu einem anderen Bild, das mich umgibt und in dieser herrlichen Vision wiegt. Die Aufgabe der Sensibilität besteht darin, dieses langsame, sprudelnde Echo der Schöpfung, das wir immer mehr vergessen und in der Schublade verstecken, zu beschreiben, zu zeigen (und das gut zu tun…). Es liegt etwas Dämmerungshaftes, Tragisches darin, eine Schönheit wahrzunehmen, die zugleich nah und fern ist. Es ist schwer, eine Offenbarung ohne einen Hauch von Melancholie zu beschreiben. Es ist ein Hang, ein schwindelerregender Grat, markiert von einem Weg aus leuchtenden Hinweisen, wie Glühwürmchen, wie Stimmfetzen, die von einer unwiederholbaren Vergangenheit, von einer unwiederholbaren Geschichte zurückgelassen wurden. An dieser Stelle stellt sich mir eine Frage der Form. Was und vor allem wie kann sich mein doppelter, ungleicher, schräger Blick verhalten? Wie werde ich diesen stockenden Gang auf dem Rücken der Welt beschreiben? Ich glaube, ich muss mehr an die Grundlegendheit meiner Sichtweise glauben: Wenn ich eines Tages den Vorbeigleiten einer leuchtenden Schuppe im Wasser sehe, muss ich wissen, dass ich von einem riesigen Reservoir (dem Meer) umschlossen bin, das mir diese geheimnisvolle tierische Präsenz offenbart. Es gibt Zusammenhänge zwischen den Dingen, die sich gegenseitig benennen und die ich als zur Welt in der Welt gehörend interpretieren möchte. Zusammenfassend bin ich überrascht von den liminalen Aspekten einer Realität, die mich in ihre Haut aufnimmt, die nichts anderes ist als ein riesiger Schoß, in dem alles (ich, die Dinge) enthalten ist. Denn „man kann nicht aus der Welt fallen“. Hier, so glaube ich, zeigt sich die Größe jeder Sensibilität. „Über die Linie jenseits des Meeres stolpern / Und von dort aus / die Sonne erkennen“ (aus „Feuer aus dem Unbewussten“, Gedichtsammlung 2024–2025).

Welche Gemeinsamkeiten und welche Unterschiede gibt es zwischen Poesie, Zeichnung und Polaroid?

Unter der Haut, auf der Wölbung der Oberfläche eines Hintergrunds, bewegt sich meine Poetik. Zeichnung, Fotografie, Video, Wort sind nichts anderes als die neugeborenen Verse eines abgrundtiefen Wesens, von etwas, das die Züge dessen trägt, was verborgen bleibt. Wie ich bereits sagte, befinden wir uns in einem Schoß, in dem das Leben Gestalt annimmt. Die Materialien des Bildes und der Stimme artikulieren sich wie zum ersten Mal im Streben nach dem, was unfassbar und unergreifbar ist. „Ihr werdet mich niemals haben! / Sagt die Poesie zu ihren Versen“ (Notizen, 2019). Die Geste des Öffnens, der Einschnitt in die Polaroids, ist ein Versuch, ins Sichtbare einzudringen, um das Unsichtbare aufzuspüren. Mit der Materie der Malerei greife ich direkt mit den Händen ein und taste mich auf dem Blatt vor (wie eine Blinde), um die Form zu skizzieren, die ich bereits vorgezeichnet hatte. Mit der Poesie … betrete ich eine geheimnisvolle Welt aus Gefühlen, die zugleich hart und weich sind: Ich folge ihnen, beschreibe sie und schlafe dabei auf den Worten ein. Es ist ein wenig so, als würde man sich der Kraft der Dinge hingeben, von ihrer Präsenz überwältigt sein, von ihrem ursprünglichen, eigenen Licht, das sich auf die geschlossenen Augenlider stürzt und sie mit Staunen erfüllt. Was diese Sprachen, diese unterschiedlichen Ausdrucksformen verbindet, ist die weitreichende Linie eines Blicks, der wie von einem sandigen, unter Wasser liegenden Boden aus die Welt beobachtet, zu der er gehört. So sind meine Augen herabgestürzt, stumme Steine, losgelöst auf den Trümmern einer neuen Welt: Von dort besingen sie sie, rezitieren sie und bringen ihre unbekannten Züge zum Vorschein.

Der Autor dieses Artikels: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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