Die 61. Ausgabe der Kunstbiennale von Venedig beginnt heute, am 9. Mai 2026, und läuft bis zum 22. November 2026. Das Projekt "In Minor Keys" wurde von der Direktorin Koyo Kouoh vor ihrem Tod im Mai 2025 konzipiert und von ihrem Team umgesetzt, um ihr Andenken und ihre auf Beziehungen und Offenheit für das Unerwartete basierende kuratorische Praxis zu ehren. Die internationale Ausstellung wird in diesem Jahr von rund 100 nationalen Pavillons begleitet: Die Redaktion von Finestre sull’Arte, die sich zu diesem Anlass teilweise nach Venedig begeben hat, hat während der Tage der Vorbesichtigung für die Presse und die Akteure des Sektors die Räume der Giardini, des Arsenale und des historischen Zentrums durchstreift, um Ihnen eine erste Auswahl dessen zu geben, was diese Ausgabe, die im Vergleich zu anderen weniger glanzvoll ist, zumindest was die von den nationalen Pavillons gebotene Qualität betrifft, an Bedeutendem unter den verschiedenen Teilnahmen bietet. Es handelt sich weder um eine ausführliche Auswahl noch um einen Rückblick, sondern um eine Liste von Pavillons, ohne die ein Besuch der Ausstellung wahrscheinlich unvollständig wäre. Wenn Sie auf der Suche nach Hinweisen und Tipps sind, mit welchen Länderpavillons Sie Ihren Besuch beginnen sollten, ist diese Liste vielleicht das Richtige für Sie. Im Folgenden finden Sie sie in alphabetischer Reihenfolge.
Im saudi-arabischen Pavillon präsentiert Dana Awartani, die zu den führenden Künstlern dieser Biennale gehört, Never Let the Tears Weep Dry on the Stones, eine monumentale Installation aus mehr als 29.000 Tonziegeln. Die Bodenarbeit ist von arabischen Mosaikmotiven inspiriert, die mit jahrtausendealten Kulturstätten verbunden sind, die heute von Konflikten bedroht sind. Jeder Ziegel wurde in Handarbeit aus Lehm verschiedener natürlicher Farben aus dem ganzen Königreich hergestellt und in der Sonne von Riad gebrannt. Der radikale Verzicht auf Bindemittel führt dazu, dass im Laufe der Zeit Risse entstehen, die die Zerbrechlichkeit des materiellen Erbes und die Gefahr des kulturellen Vergessens symbolisieren. Der Besucher ist eingeladen, durch diese imaginäre archäologische Stätte zu gehen und zu verstehen, dass die Pflege und Wiederherstellung dessen, was verloren gegangen ist, die gemeinsame Anstrengung “mehrerer Hände” und eine generationenübergreifende Mitgestaltung erfordert. Steine sind nie nur Steine, wenn sie in Trümmern liegen. Es ist sicherlich nicht das originellste Projekt (auch Dana Awartani scheut nicht davor zurück, sich mit archäologischen Bildern zu beschäftigen, wie es so viele Künstler heutzutage tun), aber es ist eines der interessantesten und am besten inszenierten.
Im Palazzo Bollani präsentiert der Äthiopien-Pavillon Shapes of Silence, in dem der Künstler Tegene Kunbi die Stille nicht als Leere, sondern als eine soziale und politische Bedingung mit hoher Bedeutung untersucht. Kunbi, der Maler ist, nutzt die Malerei als vielschichtiges Archiv, in das er die handgewebten Textilien seiner Mutter, industrielle Stoffe und sakrale Gewänder integriert, um die kulturelle Vielfalt seines Landes darzustellen. In Äthiopien ist das Schweigen eine ambivalente Tugend: Es kann Weisheit bedeuten oder zu Ausgrenzung führen. Im Einklang mit den “Moll-Tönen” der Biennale geben Kunbis Werke marginalen Stimmen und untergetauchten Erzählungen eine materielle Form, die sich einer unmittelbaren Übersetzung in Worte widersetzt. Die Abstraktion wird so in der Vorstellung des Künstlers zu einer Praxis der Widerstandsfähigkeit, zu einem Weg, die Welt durch Material- und Farbschichten, die an die äthiopische Erde, die Vegetation und den Himmel erinnern, schrittweise auf die Leinwand einzuladen.
Der Architekt und Künstler Andreas Angelidakis verwandelt den griechischen Pavillon in eine immersive Umgebung mit dem Titel Escape Room, die die platonische Höhle im Zeitalter der Postwahrheit neu interpretiert. Die Installation analysiert die Geschichte des Gebäudes, das 1934 eingeweiht wurde, einem Jahr, das durch das Treffen zwischen Hitler und Mussolini in Venedig und den Beginn der nationalsozialistischen Verfolgung gekennzeichnet war. Angelidakis interpretiert die nationalen Pavillons der Giardini als “eingefrorene koloniale und faschistische Höhlen”, die geschaffen wurden, um bestimmte politische Ziele zu vermitteln. Durch eine Sprache, die das Reale mit dem Virtuellen verschmilzt, fordert der Künstler den Besucher auf, nicht nur aus dem Raum, sondern auch aus Propagandanarrativen und nationalistischen Populismen zu entkommen. Der Pavillon wird zu einer Kritik am Nationalismus, aber nicht nur: Man kann darin auch eine Kritik am “Ausverkauf” Griechenlands durch den Massentourismus und vieles mehr lesen. Darüber hinaus scheinen die Sofas des Pavillons sehr bequem zu sein....
Der indische Pavillon im Arsenale untersucht das Konzept der “Heimat”, wenn der Herkunftsort verschwindet oder weit weg ist. Das Projekt Geographies of Distance, zweifellos eines der szenografischsten dieser Biennale, verwendet traditionelle Materialien wie Erde, Faden und Bambus, um persönliche und kollektive Erinnerungen zu rekonstruieren, und zwar durch die Arbeit von fünf Künstlern. Sumakshi Singh stellt das abgerissene Haus ihrer Großeltern in Delhi mit dünnen weißen Fäden nach, die in der Leere hängen und die solide Architektur zu einer geisterhaften Erscheinung aus Stickerei machen. Alwar Balasubramaniam präsentiert Arbeiten aus gebrochener Erde, in denen natürliche, durch Verdunstung entstandene Risse zu Symbolen für Trennung und Widerstandsfähigkeit werden. Ranjani Shettar schlägt Skulpturen vor, die von der Flora inspiriert sind und der Schwerkraft zu trotzen scheinen, während Skarma Sonam Tashi die Häuser von Ladakh aus zerbrechlichem Papiermaché nachbildet. Asim Waqif schließlich verwendet Bambusgerüste, um über die Instabilität der zeitgenössischen Urbanisierung nachzudenken.
In Zusammenarbeit mit der International School of Graphics verwandelt Indonesien seinen Pavillon in eine lebendige Werkstatt, in der sieben Künstler aus verschiedenen Generationen vor Ort Werke geschaffen haben. Das Projekt Printing the Unprinted ist von einem Manuskript aus dem 15. Jahrhundert inspiriert, das eine epische, 14 Jahre dauernde imaginäre Reise von Sumatra nach Venedig dokumentiert. Diese Erzählung stellt die Vorstellung in Frage, dass die globale Erforschung ausschließlich Europa vorbehalten war, und hebt das fortschrittliche maritime und astronomische Wissen südostasiatischer Gesellschaften hervor. Die Druckgrafik wird zu einer gemeinsamen Sprache, um historische Traumata zu verarbeiten und Widerstandsfähigkeit aufzubauen. Die Künstler (Agus Suwage, Syarizal Pahlevi, Nurdian Ichsan, R.E. Hartanto, Theresia Agustina Sitompul, Mariam Sofrina und Rusyan Yasin) erforschen die kollektive Identität und Erinnerung mit Techniken, die vom Holzschnitt bis zur Zeichnung reichen, und versuchen, das Unsichtbare" der globalen Geschichte zu drucken. Die Künstler haben auch einige Werke zusammen mit jungen Indonesiern aus benachteiligten Verhältnissen geschaffen, die die Gelegenheit hatten, aus ihrem Land nach Venedig zu reisen: Sie sind in einem besonderen Raum des Pavillons ausgestellt. Der Pavillon hat sicherlich am besten dazu beigetragen, die Künstler in einen Dialog mit der venezianischen Kultur zu bringen.
Der italienische Pavillon in der Tese delle Vergini empfängt den Besucher mit Con te con tutto, einem Projekt von Chiara Camoni, das von Cecilia Canziani kuratiert wird. Ein Projekt, das in zwei klare Hälften geteilt ist: In der ersten treten anthropomorphe Keramikskulpturen, die kaum größer als ein Mensch sind, mit dem Publikum in einem Halbschatten in Dialog, der an eine Welt der Vorfahren erinnert. Diese Figuren, die Schwestern oder Daimons genannt werden, sind aus Ton gefertigt und mit natürlichen Materialien und Plastikabfällen angereichert, die in der Nähe des Ateliers der Künstlerin gesammelt wurden (eine Aufforderung, Schönheit auch in dem zu finden, was weggeworfen wird). Der zweite Teil der Ausstellung ist stattdessen eine Wohnarchitektur, die aus neu kombinierten Möbeln besteht und Dialoge mit Werken von Meistern der Vergangenheit wie Felice Casorati, Luciano Fabro, Fausto Melotti und Mario Merz sowie zeitgenössischen Künstlern (wie Luca Bertolo, Franco Corradini, Alessandra Spranzi) ermöglicht. Der erste Teil war besser gelungen als der zweite und entsprach weitgehend dem, was man auf der internationalen Ausstellung sieht: keine scharfen Kanten von Camoni, der auf der Biennale ein Werk zeigt, das dem seiner großen Einzelausstellung im Pirelli Hangar Bicocca sehr ähnlich ist, aber es ist dennoch einer der Pavillons, über den am meisten gesprochen wird.
Der lettische Pavillon im Arsenale präsentiert Untamed Assembly - Backstage of Utopia, einen Dialog zwischen dem Künstlerduo MAREUNROL’S und dem Modedesigner Bruno Birmanis. Die Ausstellung zeichnet das Erbe der Untamed Fashion Assemblies nach, experimentelle Veranstaltungen, die in den 1990er Jahren in Riga in einem Klima der postsowjetischen Euphorie und der Suche nach politischer Freiheit stattfanden. Die Installation ist als Backstage konzipiert, als unsichtbarer Raum der Vorbereitung und der menschlichen Verbindung, in dem die Garderobe zur narrativen Architektur wird. Mit Hilfe von Textilskulpturen, Archivmaterial und Kostümen, die soziale Normen in Frage stellen, erforscht der Pavillon, wie die kollektive Vorstellungskraft in Momenten des Übergangs gedeihen kann. Körper und Kleidung sind Werkzeuge, um neue Identitäten in einem temporären Avantgarde-Zentrum zu verhandeln, das internationale Berühmtheiten und baltische Studenten zusammenbringt. Wir weisen darauf hin, weil in einer Biennale, die trotz allem stark geopolitisch geprägt ist, die Aussage der lettischen Künstler stark und entscheidend ist.
Out of the Blue, I’m Swept Away ist eine Multimedia-Installation von Siniša Radulović, die eine klaustrophobische “unterirdische” Zone einer ätherischen, fließenden oberen gegenüberstellt. Im unteren Teil vervielfältigt sich der Grundriss des Wohnraums der Künstlerin zu einem dystopischen Raster, das von ungeschlechtlichen Replikanten bewohnt wird und ein Spiegel unserer gesellschaftlichen Entfremdung ist. Jenseits dieser gläsernen Oberfläche begegnet der Betrachter bewegten Bildern von Körperfragmenten, die in einem blassvioletten Licht vibrieren und einen Zustand des sinnlichen Abdriftens bieten. Radulović verwendet auch analoge Fotografien auf Glasplatten und Umgebungsgeräusche, um ein Refugium gegen die Ausbreitung digitaler Bilder zu schaffen. Das Projekt versucht, die Register der Verdichtung und der Zerstreuung “zusammenzufügen” und das Erhabene im Vergänglichen zu finden, das durch das flackernde Bild eines Kirschblütenzweigs dargestellt wird. Ein Werk von großer Wirkung.
Die Republik San Marino setzt auf den nordirischen Künstler Mark Francis für das Projekt Sea of Sound, eine synästhetische Untersuchung der Beziehung zwischen Kunst, Klang und Wissenschaft. Die abstrakten Leinwände von Francis, die sich durch Farbbänder auszeichnen, die in einer sehr präzisen, fast manischen Weise angeordnet sind und akustische Frequenzen reflektieren, scheinen zu “singen”, wenn der Blick des Betrachters über die Oberfläche wandert. Im Pavillon ist der Film Listening Field zu sehen, das erste und bisher einzige bewegte Werk des Künstlers, das für diesen Anlass gedreht wurde und den Betrachter in eine melodiefreie Klangatmosphäre eintauchen lässt, die vom Komponisten Marco Genovesi geschaffen wurde. Francis’ Forschungen machen das Unsichtbare sichtbar, indem sie das Summen und die niedrigen Frequenzen einfangen, die uns ständig umgeben, in perfekter Resonanz mit Kouohs Thema “Molltöne”. Die drei Türme von San Marino werden im Idealfall zu privilegierten Hörpunkten über diesem riesigen Meer von Schwingungen. Francis gehört zu den besten Malern, die auf dieser Biennale zu sehen sind.
Oriol Vilanova verwandelt den spanischen Pavillon in ein temporäres “Anti-Museum” mit dem Titel Los restos. Das Werk, das den Besucher einhüllt und fast betäubt, basiert auf einer obsessiven Ansammlung von Tausenden von Postkarten, die der Künstler über einen Zeitraum von zwanzig Jahren auf Flohmärkten gesammelt hat. Indem Vilanova diese Bilder in einer Ausstellung ohne Hierarchien und taxonomische Klassifizierungen neu zusammensetzt, aktiviert er die Postkarten als instabile Dokumente einer Erinnerung, die sich der offiziellen Erzählung entzieht. Das Sammeln wird hier als ein affektiver und dauerhafter Akt verstanden, der den institutionellen Wert des Objekts in Frage stellt. Das Projekt geht mit unangekündigten performativen Interventionen über die Giardini hinaus und schlägt eine alternative Ökonomie der Aufmerksamkeit vor, die auf Kontingenz und der Pflege von Fragmenten der Vergangenheit beruht.
Bei seiner zweiten Teilnahme an der Biennale präsentiert Osttimor Across Words, eine Erkundung der mündlichen Erinnerung als generative Kraft einer jungen Nation. Der Pavillon bringt Künstler verschiedener Generationen zusammen, um zu zeigen, wie der nationale Zusammenhalt nicht aus einer einzigen Sprache, sondern aus einer Vielzahl von Dialekten der Vorfahren erwächst. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht Tais Don, eine Textilarbeit von Verónica Pereira Maia aus dem Jahr 1994, die durch eine phonetische Transkription der Namen der Opfer des Massakers von 1991 (als 250 Einwohner der Hauptstadt Dili von indonesischen Truppen ermordet wurden - Osttimor war zu diesem Zeitpunkt noch nicht unabhängig) an diese erinnert. Neben diesem historischen Relikt spiegeln die Video- und Toninstallationen der jungen Etson Caminha und Juventino Madeira den Wandel einer Gesellschaft nach dem Konflikt wider, die sich der Moderne zuwendet. Eines der wenigen Projekte, das ohne Rhetorik über Kolonialismus und Besatzung spricht.
Das Projekt Sicherheitsgarantien des ukrainischen Pavillons beschäftigt sich mit dem dramatischen Thema der verratenen Versprechen. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht der Origami-Hirsch von Zhanna Kadyrova, eine Skulptur, die den Falten eines Papierhirsches nachempfunden ist, aber aus wesentlich schwereren Materialien besteht. Das Werk befand sich ursprünglich in Pokrowsk, auf dem Gelände eines ehemaligen sowjetischen Atomflugzeugs, wurde aber 2024 unter dem Beschuss des russischen Angriffskrieges geräumt. Aufgehängt an einem Kran in den Gärten der Biennale symbolisiert die Skulptur die Unsicherheit und die erzwungene Vertreibung des ukrainischen Volkes. Die Metapher ist aussagekräftig: So wie die Garantien des Budapester Memorandums (mit dem die Ukraine auf Atomwaffen verzichtete) nur auf dem Papier standen, so steht dieses zerbrechliche Reh für die Verwundbarkeit einer Nation, die ohne gleichwertige Verteidigungsmittel dasteht. Ein zweigeteilter Pavillon also: In den Giardini ist die Skulptur zu sehen, im Arsenale die Videos, die ihre Reise dokumentieren, sowie Informationsmaterial über den Krieg und das Budapester Memorandum.
Der Simbabwe-Pavillon präsentiert Second Nature | Manyonga, eine Reflexion über Neuroplastizität und die Fähigkeit des menschlichen Gehirns, sich angesichts von Technologie und Krise neu zu organisieren. Die beteiligten Künstler (Eva Raath, Felix Shumba, Franklyn Dzingai, Gideon Gomo und Pardon Mapondera) stellen die Frage, was vom Menschen übrig bleibt, wenn die Logik der Maschine zur “zweiten Natur” wird. Durch Installationen, die die digitale Kultur erforschen, aber auch durch Arbeiten mit traditionellen Medien (wir möchten behaupten, dass Felix Shumbas riesiges Wheel-telegram-east-window-line-145XV7-lower mit einer Breite von sechs Metern und einer Höhe von fast zwei Metern zu den vier bis fünf besten der gesamten Biennale gehört), soll das Projekt eine Art Schnittstelle sein, um zu erkennen, wie unsere Reflexe und unsere Autonomie heute mit technologischen Systemen verflochten sind.
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