Als wäre man im Atelier des Künstlers. Wie die Ausstellung von Maurizio Donzelli in Bergamo ist

Bis zum 26. August werden anlässlich der sechsten Ausgabe von „Art Together Now“ – einer Veranstaltung, die parallel zu den Feierlichkeiten zum Patronatsfest des Heiligen Alexander stattfindet – vier Orte in der Oberstadt von Bergamo mit Installationen und Ausstellungen des Künstlers Maurizio Donzelli belebt. Im ehemaligen Ateneo di Scienze, Lettere e Arti, im Bischofspalast (Museo Bernareggi), unter der Antica Cattedrale (ebenfalls Museo Bernareggi) sowie in der ehemaligen Kirche San Michele all’Arco erwacht der „Atlante“ des aus Brescia stammenden Künstlerszum Leben, kuratiert von Giovanni Berera und Anna Bertulini Frigè. Der Künstler Gabriele Landi und der Kurator Gabriele Salvaterra durchstreifen die Räume dieser weitläufigen Ausstellung, folgen ihren Leitlinien und reflektieren über die Bedeutung des Werks von Maurizio Donzelli, der stets den subjektiven Blick und die multisensorische Wahrnehmung hinterfragt.

GL. Bislang habe ich das Werk von Maurizio Donzelli immer in sterilen oder kaum konnotierten Kontexten gesehen. Ich muss dir gestehen, dass mich bei dieser Gelegenheit gerade die Fähigkeit, mit den Orten in Dialog zu treten, am meisten überrascht hat. Eine Fähigkeit, die meiner Meinung nach gleichzeitig auf mehreren Ebenen wirkt: Licht, kulturelle Schichtung.… um nur einige der vielen Elemente zu nennen, die in den Räumen dieser Ausstellung vorhanden sind: Sie werden zu Elementen, mit denen Donzellis Arbeit meiner Meinung nach voll und ganz im Einklang steht.

GS. Da wir für eine längere Zeit in der ehemaligen Kirche San Michele all’Arco festsaßen – „glücklicherweise festgehalten“ durch den interessanten Vortrag, der dort gerade stattfand –, hatte ich Gelegenheit, die Wandteppiche und die Installation von Maurizio über einen längeren Zeitraum hinweg zu betrachten, und zwar auf eine ungezwungene und nicht an die üblichen musealen Gepflogenheiten gebundene Weise. Eine Anmerkung zum Kontext: Die Kirche ist ein Wunder aus Triumph und Verfall, Pracht und Verwahrlosung, mit barocken, zuckersüßen und fast rokokoartigen Offenbarungen sowie Verdichtungen, Einbrüchen, Auswüchsen, Einfügungen zeitgenössischer Metallträger und zweifellos unansehnlichen funktionalen Strukturen. Was ich mir in Bezug auf Donzellis Intervention gedacht habe, hat mit Staunen zu tun. Es ließ mich an die ersten Besucher der Kirche zurückdenken und an das Staunen, das die gemalten Bilder bei einer Bevölkerung hervorgerufen haben müssen, die größtenteils Analphabeten waren und nicht an unsere heutige Konfrontation mit medialen, interaktiven und bewegten Bildern gewöhnt waren. So wirkten auch die Arbeiten im Kontext von Donzelli als Verstärker dieser Erfahrung, als Wahrnehmungsfallen, die sich in die ikonografischen Schichten der Vergangenheit einfügten, um diese fantasievolle, produktive und wunderbare Idee wiederzubeleben. Übertreibe ich?

GL. Nein , ganz und gar nicht, im Gegenteil, mir scheint, du hast genau den Ansatz getroffen, mit dem sich Donzelli bei dieser Gelegenheit den Orten genähert hat. Es ist, als wäre sein Werk schon immer dort gewesen. Manchmal handelt es sich nur um eine dezente Hervorhebung, wie im Diözesanmuseum bei den beiden goldenen Werken hinter der Statue der Jungfrau der Verkündigung. Andere Male hingegen, wie im Fall der Installation mit den palindromischen Wandteppichen in Form eines Brunnens im kleinen Tempel, die auf einer spiegelnden Fläche angeordnet sind, geht der Künstler so weit, den Raum auf den Kopf zu stellen – nicht nur auf spielerisch-illusionistische Weise, sondern vor allem auf historisch-symbolische Weise, wenn man bedenkt, dass der kleine Tempel direkt über einem Brunnen errichtet wurde, was einen Kurzschluss erzeugt, in dem es jedoch unmöglich ist, die Gesamtheit zu erfassen. Es gibt immer etwas Unfassbares, das sich entzieht und sich damit unbeschreibbar macht.

GS. „Arazzi palindromi“ ist wirklich ein schönes Bild. Ja, vielleicht wäre es, da du die Arbeiten im Diözesanmuseum erwähnst, erwähnenswert, dass Donzellis Werke in diesem Fall – was bei zeitgenössischen Installationen eher selten vorkommt – bewusst als Hintergrund für mittelalterliche Skulpturen dienten. Die „Vergine Annunziata“ und ein weiterer Heiliger, an dessen Namen ich mich gerade nicht erinnere. Die Werke der Serie „O“ und die Zeichnungen unterschiedlicher Herkunft wurden nebeneinander gestellt und überlagerten sich, einfach um der Situation, die wirklich sehenswert war, eine Choreografie zu verleihen. Ich denke, es geht hier um Randbereiche und Dekoration, um die Peripherien der Ausdrucksformen, was ich für sehr wichtig halte. Nicht umsonst habe ich mich im romanischen Tempietto von Santa Croce darin verloren, die Dekorationen aus Kunstmarmor und die anikonischen Texturen zu betrachten, die die Wände zierten. Zeitlose (und seitliche) Ausdrucksformen, die die linearen Abläufe der Geschichtsschreibung in Frage stellen und meiner Meinung nach viele Gemeinsamkeiten mit Donzellis Werk haben. Was war deiner Meinung nach der gelungenste Teil? Oder gab es etwas, das dich nicht überzeugt hat?

GL. Insgesamt hat mir die Ausstellung und die Vielfalt der Elemente, die sie ins Spiel bringt, sehr gut gefallen. Ich fand, dass der Künstler mit großer Großzügigkeit an die Arbeit gegangen ist und den Besuchern vielfältige Interpretationsansätze schenkt, die ihren gemeinsamen Ursprung in der Zeichnung haben. Diese Ausdrucksform nimmt in der Ausstellung einen bedeutenden Platz ein: sowohl in den kleinen Werken, die in den beiden Vitrinen der ehemaligen Kirche San Michele all’Arco ausgestellt sind und eine aufmerksame Betrachtung verdienen, als auch in den großen Arbeiten auf Papier, die an der Fakultät für Naturwissenschaften, Geisteswissenschaften und Künste präsentiert werden. Hier werden die Werke auf Wunsch des Kurators Giovanni Berera so ausgestellt, als befänden wir uns im Atelier des Künstlers: Sie sind mit Klemmen an den Halterungen befestigt, eine Vorgehensweise, die von der üblicherweise von Maurizio gewählten abweicht. Im Hinblick auf die Variablen, die diese Ausstellung ins Spiel bringt, fand ich die zweite Installation im Diözesanmuseum – jene, bei der die Zeichnungen mit Magneten um eine Heiligenstatue herum befestigt sind – meiner Meinung nach weniger gelungen als die mit den beiden Gemälden aus der Serie „O“ neben der Statue der Jungfrau Maria, die mir eindringlicher erschien. Was ist deiner Meinung nach hingegen der gelungenste Teil oder der, der dich am wenigsten überzeugt hat?

GS. Im Allgemeinen diente alles einem umfassenden, vielschichtigen und abwechslungsreichen Wahrnehmungskonzept. Übergreifend würde ich sagen, dass gerade die Idee der Zeichnung der entscheidende Faktor war. Ein einfaches und in vielerlei Hinsicht unmittelbares Mittel, das in der Lage ist, eine sehr einfache, grundlegende und menschliche konstruktive Dringlichkeit zu vermitteln, durch die sich jedoch eine anspruchsvolle und reichhaltige Recherche entfalten lässt. Ich glaube, dass sich diese Auffassung von der Zeichnung – die zugleich eine primäre und zugleich äußerst komplexe Sprache ist – auch auf jene Werke übertragen lässt, die objektiv gesehen einen höheren Grad an konstruktiver Prozesshaftigkeit aufweisen (zum Beispiel Wandteppiche, Gemälde, Lux-Zeichnungen). Wenn ich ehrlich sein soll, hat mich die „Schacht“-Installation des kleinen Tempels weniger begeistert, aber vielleicht lag das daran, dass es sich um eine für mich bisher unbekannte Form im Schaffen Donzellis handelte. Abgesehen davon möchte ich betonen, dass ich ein Befürworter dieser scheinbar themenlosen Forschungen und der Erhabenheit dieser dekorativen Formen bin. Glauben Sie, dass es noch Raum für eine Kunst gibt, die sich nicht darauf beschränkt, das Reale zu beschreiben?

GL. „Die Freiheit des Ausdrucks gehört dem, der sie sich nimmt. Wenn kein Raum vorhanden ist, kann man sich einen anderen erfinden. Die Methode, ihn zu erfinden, ist schon fast der neue Raum.“ Ich glaube, dass diese Aussage von Giulio Turcato deine Frage perfekt beantwortet; außerdem scheint sie mir sehr relevant für die Ausstellung von Maurizio zu sein, insbesondere für die letzte Installation im archäologischen Bereich unter dem Dom von Bergamo. Es handelt sich um eine Variation des Werks „Immaginale“, das Massimo Minini vor einigen Jahren präsentiert hat. Das Werk präsentiert sich als Ikonostase und betont deutlich die Dimension des Heiligen, wodurch dem reichhaltigen, vom Künstler entworfenen Atlas eine weitere Karte oder ein möglicher Weg hinzugefügt wird.

In der Ausstellung fehlen die „Mirrors“ vollständig, die vielleicht am ehesten für Donzellis Forschung stehen. Ich glaube, dass diese Entscheidung der Ausstellung zugutekommt, indem sie durch Weglassen den Blick für etwas anderes öffnet oder, um es mit Turcato zu sagen, für neue Erfindungen oder Neuerfindungen von Räumen.

GS. „Mirrors“ sind ihrem Wesen nach Vorrichtungen, die Räume, Blicke und Bilder eröffnen und in denen sich die Realität nur als vielfältig und nicht eindeutig darstellen kann. Es ist paradox, dass sich genau dieser Gedanke auch mit anderen, scheinbar statischeren Medien erreichen lässt. Ich denke außerdem, dass der ikonischste Ausdruck eines Künstlers – wie es die „Mirrors“ für Donzelli sind – oft Gefahr läuft, auch eine Begrenzung oder ein Etikett im Hinblick auf die Erwartungen des Publikums zu sein. Ich bin daher froh, dass sich diese Gelegenheit bot, scheinbar alternative poetische Potenziale zum Ausdruck zu bringen, die noch großen Spielraum für Sichtbarkeit und Weiterentwicklung bieten.

Der Autor dieses Artikels: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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