CC: Michael E. Smiths gruseliges Double im Keller von Bologna

CC, eine Ausstellung des amerikanischen postminimalistischen Künstlers Michael E. Smith, die im Untergeschoss des Palazzo Bentivoglio in Bologna stattfindet und von Simone Menegoi gemeinsam mit Tommaso Pasquali kuratiert wird, bestätigt sich als eines der interessantesten Ausstellungsprojekte von Art City, dem institutionellen Programm, das von der Stadt Bologna in Zusammenarbeit mit BolognaFiere gefördert wird und das seit 2013 die Arte Fiera flankiert und dazu beiträgt, die Stadt zu einem weit verbreiteten Ort der Förderung und des Genusses zeitgenössischer Kunst zu machen. Der 1977 in Detroit geborene Smith baut seine Skulpturen und Installationen aus gewöhnlichen und industriellen Materialien, um sie von ihrer ursprünglichen Erscheinung in etwas anderes zu verwandeln, sie zweideutig, oft unerkennbar, manchmal ironisch, oft beunruhigend zu machen, auch dank noch nie dagewesener Assemblagen, so dass das Alltägliche etwas Unaussprechliches verbirgt. Es handelt sich um überlebende, weggeworfene Gegenstände, die auf Mülldeponien oder in Secondhand-Läden zu finden sind, die aber dennoch etwas zu erzählen haben. Die so entstandenen Werke inszenieren die Banalität des Alltäglichen, laden ein zum Nachdenken über das Schicksal der Objekte selbst, über die Werteskala, über das Verlassenwerden und als Reflexion über die Zerbrechlichkeit der Existenz.

Die Orte wiederholen die Eingriffe, die sie empfangen, und setzen sie in einem Spiel beunruhigender Korrespondenzen ins Gleichgewicht: Ob es sich um eine Galerie oder einen aseptischen Museumsraum handelt, die Umgebung wird so verändert, dass nichts von dem vorher existierenden White Cube übrig bleibt und er selbst zum Kunstwerk wird. Während des kreativen Ausstattungsprozesses, den der Künstler als “Komposition” bezeichnet (mit eindeutigem Bezug auf musikalische Komposition und Musik, für die er sich als Nutzer und Interpret schon immer sehr interessiert hat), verdeckt Smith Fenster, privilegiert Korridore oder Bereiche, die normalerweise als marginal oder nebensächlich angesehen werden, hebt Hintertüren, Elektro- und Belüftungssysteme hervor und untergräbt deren Parameter und Funktionen. Auf diese Weise hebt er etablierte Hierarchien auf und stellt die impliziten Regeln für das Ausstellungserlebnis in Frage.

Als Smith eine Beziehung zu den geschichtsträchtigen und charakteristischen Kellerräumen des Palastes aus dem 16. Jahrhundert aufnahm, schuf er ein ortsspezifisches Projekt und fand sich in einer bereits “resonanten” Umgebung wieder.

Der Besuch der Ausstellung ist eine Schulung des Blicks, um Eingriffe wahrzunehmen, die oft unmerklich sind, versteckt in den Falten der Architektur, in einer Ritze, in einer Vertiefung des Pflasters (und so nimmt das Werk einen Raum am Rande ein, der dadurch geadelt wird und seine eigene Gravitas erhält). Es geht darum, die Augen an das Halbdunkel zu gewöhnen (in einigen Räumen ist das Licht in seiner Kraft reduziert, einige Abschnitte sind teilweise beleuchtet, andere sind fast dunkel), eine unsichere Sicht zu akzeptieren, sich von der Beleuchtung leiten zu lassen, die manchmal von einigen Werken ausgeht, von kleinen Kerzen, die Smith hier und da verstreut hat, und, wenn das nicht ausreicht, die Taschenlampe des Telefons zu aktivieren. Aus dem Gesagten wird ersichtlich, dass das Licht selbst ein skulpturaler Akt ist, ein primäres Element und nicht ein Accessoire.

Außerdem warnt uns der Titel der Ausstellung(CC), scheinbar kryptisch, fast ein Akronym, im Voraus: Sehen, sehen. Schau zweimal hin, schau genau hin. Das Werk des amerikanischen Künstlers hatte schon immer mit dem Schauen und dem Geschaut-Werden zu tun: Das Werk Bugs , das bereits 2023 im Rahmen der Ghosts-Ausstellung in Leeds präsentiert wurde ( ), erinnert an zwei nicht mehr benutzte Abspielgeräte (eines für DVDs und eines für VHS), fast zwei große, prüfende Augen, die auf Tafeln fixiert sind, die ein Fenster verdecken, das einmal “mit Aussicht” war. Es geht nicht mehr (oder zumindest nicht nur) um die Betrachtung eines Objekts, sondern um eine umfassendere zeitgenössische Reflexion darüber, wer schaut, wie er schaut und welche Implikationen von Macht, Identität und Kontrolle dieser Akt mit sich bringt.

Das Thema des Doppelgängers zieht sich durch die gesamte Ausstellung in vielen Installationen, die aus Objektpaaren bestehen: die Betrachter, die A4-Blätter, die mit Perücken ausgestatteten Röhren, die uns am Eingang begrüßen (das Werk leiht sich den Titel eines Nina-Simone-Songs, my sweet lord, today is a killer), die beiden Sockel, die prätentiös mit kostbaren weißen und weinroten Vorhängen bedeckt sind, die an liturgische Ausstattungen erinnern, die Weidenkörbe, die vor einem Basketball platziert sind, die an der Wand ausgebreiteten Stoffe (der eine ist weiß und der andere als Tischdecke zu erkennen), derder andere als Tischdecke identifizierbare Stoff, auf dem der Baum des Lebens, das Symbol der Wiedergeburt, abgebildet ist, zeigen die Kontraste zwischen anikonisch und figurativ in einer gewagten, mit Haushaltsgegenständen improvisierten Reflexion), die blauen und roten Lichtschleifen eines Stummfilms, die gebogenen Sitzsäcke mit Hundebiss, die im Messingrahmen eines Doppelbetts platziert sind... fast Botschaften der Hoffnung im Angesicht der grenzenlosen Einsamkeit.

Die Ausstellung, die durch eine Art“Intro” mit einer Intervention im Hof vor dem Eingang vorweggenommen wird, wird mit zwei Augmented-Reality-Betrachtern eröffnet, die auf den Kopf gestellt und in einer niedrigen Nische auf dem Boden platziert sind und mit ihrer Tauchermaskenform zum unbewussten Eintauchen einladen (in dem Gummiband, mit dem sie am Kopf befestigt sind, halten sie reflektierende Hefte, in denen der autistische Blick auf die Augen des Betrachters gelenkt wird).Im Inneren des elastischen Bandes, mit dem sie am Kopf befestigt sind, befinden sich reflektierende Hefte, in denen sich der Blick in einer narzisstischen und selbstreferenziellen Spiegelung selbst reflektiert). Smith stellt sie neben ein blaues Plastikbecken, in dem sich mit Wasserballons gefärbte Luftballons befinden (mit dem TitelSchmücke dich o Liebe Seele, bwv 654, oder ein von Johann Krüger komponierter Choral auf Musik von J.S. Bach und Text von Johann Franck, der der Eucharistie gewidmet ist), vielleicht eine Art “Willkommen” auf einer Nachmittagsfeier einer amerikanischen Mittelklassefamilie: ein Bild der Ruhe vor dem Sturm.

Dann folgt eine Reihe von Installationen, die die anthropische Präsenz suggerieren, ohne dass sie tatsächlich vorhanden ist, angefangen von dem dunklen Raum auf der linken Seite, wo jenseits des Empfangstisches fluoreszierende Handy-Sticks an einem Stuhl in einer Komposition befestigt sind, die an ein menschliches Skelett erinnert, oder von den Röhren mit blonden Perücken, die unter rotem Zellophan verpackt sind (wie eben erwähnt) und die aufmerksam zu sein scheinen.(gerade erwähnt), die wie aufmerksame Wächter wirken, bis hin zu den Harzstrukturen, die wie eine Parodie eines Skeletts aussehen, das aus einem mit Polyurethanschaum gefüllten Adidas-Schuhkarton hervorkommt, als ob es einem steinernen Sarkophag entstiegen wäre; und wiederum vom Basketball, in dem man Augen, Nase und Mund erkennen kann, die mit weißem Schaumstoff in einer Intervention bedeckt sind, die ein Gesicht simuliert (das unten zugunsten des Fußballs und nicht oben zugunsten des Korbs platziert ist, um genau eine Verkleinerung der Ideale zu wiederholen, die in einem Objekt zusammengefasst sind, das jahrelang die Möglichkeit der Erlösung durch die einfachen Klassen symbolisiert hat), bis hin zu den Tennisbällen, die eine seltsame, humanoid geformte liegende Marionette bilden. Durch die Leere und die geschaffenen Objekte reflektiert Smith über die Prekarität der zeitgenössischen Existenz und die Verletzlichkeit des Körpers, die zwar angedeutet, aber nie explizit gezeigt wird und dazu beiträgt, eine schwebende, zerbrechliche und unheimliche Atmosphäre zu schaffen, die umso greifbarer ist, als sie durch Abwesenheit gegeben ist. Die Objekte erinnern an die menschliche Figur durch Analogien, Assonanzen oder weil sie für sie nützlich waren.

CC ist letztlich eine Entdeckungsreise (auf mehreren Ebenen, psychisch, sozial, der zeitgenössischen Erfahrung), bei der der Besucher zum Höhlenforscher wird, der halbdunkle Mäander erforscht, die in einer fragmentierten Erzählung zeigen, was von einem bereits erfolgten Zusammenbruch übrig geblieben ist: Es ist, als würde der Autor in derUnterwelt graben oder uns zu Komplizen machen wollen, die Zeugen einer postapokalyptischen Welt werden. All dies ist eingebettet in eine Art Lynch’sche Bildsprache, mit der beide Künstler die Freud’sche Kategorie desUnheimlichen teilen. Wir spüren es in der Luft, wenn wir an einem Ameisentisch vorbeigehen, auf dem ein Wir spüren es in der Luft, wenn wir an einem Ameisentisch vorbeigehen, auf dem eine Kinderdecke mit offenen Armen ausgebreitet ist(Poppies), ein Bild, das uns auf den ersten Blick erschreckt, oder wenn wir zwischen den auf dem Boden verstreuten schillernden weißen Stoffstücken umherwandern (manche sehen aus wie solche, die zum Einwickeln von Leichen verwendet werden), die einen zerstückelten, kopflosen Körper zu bilden scheinen, der auf einem Kissen liegt(Bricks in my pillow - Laura Dukes), während daneben eine längliche Vase steht, die daneben eine längliche Vase steht, die in einer Dekollation sui generis an die Form eines Kopfes erinnert; wir nehmen sie in der Installation einer Zunge aus synthetischem englischem Rasen wahr, die keineswegs beruhigend wirkt(Hello walls -Demo), die fast am Ende des Weges in einer verfremdenden Perspektive platziert ist, flankiert von einem Projektor, der Lichtstrahlen auf ein Paar Selenitkristalle wirft (eine Hommage an Bologna und seine antiken Stadtmauern), zwischen einem bereits existierenden Fallgitter und einer Lasermaschine. Im letzten Raum, vor der Wand, mit der der Besucher am Ende der Ausstellung rechnen muss, lässt Smith ein unheimliches Licht brennen, das nicht als Versehen, sondern als ein mit Bedeutung aufgeladenes Element wahrgenommen werden soll: eine Fortsetzung, die abschreckend wirkt und gleichzeitig ein Lächeln hervorruft, denn es ist, als ob der Künstler dem Besucher zuzwinkert, um zu sagen: “Jetzt kennst du mich, du weißt Bescheid” (das narrative Register ist immer doppelt).

CC ist eine Ausstellung voller amerikanischer Massenkultur, aber sie spricht von einem Amerika derNachkriegszeit , in dem das Beunruhigende in dem liegt, was einst vertraut schien: Die Gitarren der Kinder (eine mit dem Bild von SpongeBob, einer Zeichentrickfigur, die Optimismus und Widerstandsfähigkeit symbolisiert), das mit Blaulicht ausgestattete Skateboard, die beiden Autos ohne Schaltkreise, die unter Glas im Inneren des HypogäumsHypogäum mit seinen verspiegelten Böden, die Adidas- und Nike-Schuhkartons und die gestapelten Fächerpakete(Back in our minds) mit ihrer nunmehrigen Retro-Technologie (ein erneutes Zitat von Andy Warhol und Brillo-Waschmittelkartons, wie im Kuratorentext spekuliert wird), die in einem Bunker verstaut sind, der als wertvoller Vorrat im Hinblick auf künftige Härtefälle gelesen werden kann.

Smiths Poetik ist vom postindustriellen Kontext seiner Heimatstadt Detroit beeinflusst, der in seinem Werk einen paradigmatischen Stellenwert einnimmt. Wie Mark Fisher betont, ist die postfordistische Landschaft nicht nur ein wirtschaftlicher und urbaner Raum, sondern auch eine affektive und mentale Struktur, die von Depression, Stagnation und der Unmöglichkeit einer Zukunft geprägt ist". In diesem Fall ist die Zukunft tatsächlich da, und Smith erfindet sie mit nichts neu, indem er durch Subtraktion aus dem Mangel, aus der Krise, aus dem Weggeworfenen schafft, getreu jenem Alphabet, das zu seinem wahren stilistischen Markenzeichen geworden ist und das er anlässlich der Ausstellung in Bologna jedoch erneuert: Es gibt keine präparierten Tiere mehr, keine Schädel, Knochenfragmente und menschlichen Reliquien (weil inzwischen bestimmte Diskurse im Zusammenhang mit der Ökologie und der systemischen Gewalt übernommen wurden), und einige Objekte sind nicht aus zweiter Hand, sondern für den Anlass eingeweiht und warten auf den Beginn ihrer Geschichte (frei nach Menegoi: Es ist, als ob der Autor, nachdem er sich lange mit dem Abfall beschäftigt hat, sich auf die Lebensproduktion des Objekts konzentrieren wollte, die von dem flüchtigen Charme der Neuheit durchdrungen ist). Und dann gibt es in dieser Ausstellung die Musik, Smiths große Leidenschaft seit den Tagen, als er als Junge Hip-Hop hörte: daran erinnern die wenigen Titel, die den Werken gegeben wurden, die dieses Mal ungewöhnlicherweise mit Bezügen zum Blues, zum Soul erscheinen. Eine Musik, die wie eine Jazz-Improvisation wirkt, um die stille Installation zu verstärken (mit Ausnahme einiger störender elektrischer Geräusche oder des metallischen Beats, der von einem an ein Gitarrenpedal angeschlossenen Verstärker erzeugt wird und aus der Installation im Bereich der Doppelbettstruktur kommt); auch wenn der Künstler den Kuratoren gestanden hat, dass sein Werk in letzter Zeit “funky, exzentrischer, seltsamer, stinkender” geworden ist.

Eine Ausstellung, die man nicht sehen sollte, bevor man sich informiert hat (vielleicht durch die Lektüre des von CURA herausgegebenen Katalogs mit Texten der Kuratoren und einer Intervention von Romeo Castellucci), oder, andererseits, ohne Kompass, um sich in den verschiedenen Bedeutungen zu verlieren und überrascht zu werden.

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