Anlässlich seines 50. Todestages entdecktRom einen der originellsten und eigenständigsten Protagonisten des 20. Jahrhunderts, Max Peiffer Watenphul (Weferlingen, 1896 - Rom, 1976), wieder. Bis zum 23. August 2026 zeigt die Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea die Ausstellung Max Peiffer Watenphul. Maler des Bauhauses, eine von Gregor H. Lersch kuratierte Ausstellung, die ein neues Licht auf eine der wichtigsten Figuren des Bauhauses werfen will, die jedoch oft am Rande der großen historiografischen Erzählungen geblieben ist. Diese Ausstellung ist nicht nur eine posthume Hommage, sondern der erste große öffentliche Akt der Max Peiffer Watenphul ETS Stiftung, die 2025 vom Urenkel des Künstlers, Enrico Pasqualucci Sammartini, mit dem Ziel gegründet wurde, ein Familienerbe in ein für alle zugängliches Kulturerbe umzuwandeln. Die Ausstellung, die durch 80 Werke und unveröffentlichte Dokumente bereichert wird, entfaltet sich in fünf Sälen, die die gesamte schöpferische Parabel eines Mannes nachzeichnen, der das kurze Jahrhundert mit einer ausdrucksstarken Kohärenz durchquerte, die ihresgleichen sucht.
Watenphul war kein bloßer Schüler der berühmten Gropius-Schule; er war ein Künstler, der den interdisziplinären Ansatz des Bauhauses in sich aufnahm und ihn in eine sehr persönliche Bildforschung umwandelte. Während seine Zeitgenossen sich bisweilen in funktionalistischer Strenge verloren, blieb er der figurativen Malerei treu, wenn auch in vereinfachter Form und reduziert auf moderne, strukturierte Bildordnungen. Die Ausstellung in der GNAMC bietet die einmalige Gelegenheit, seine Werke neben denen seiner Meister und Freunde wie Paul Klee, Wassily Kandinsky und Josef Albers zu sehen, die bereits in den ständigen Sammlungen der Galerie vertreten sind, und so einen visuellen Dialog zu schaffen, der die Bedeutung der Weimarer Schule für die Erneuerung der globalen Kreativität unterstreicht. Von seinen frühen jugendlichen Experimenten bis hin zu seinen berühmten venezianischen Landschaften und Stillleben der Nachkriegszeit zeigt die Ausstellung einen Künstler, der es verstand, sich der Mode und der politischen Verfolgung zu widersetzen und in Italien seine zweite Wahlheimat und die Quelle der Inspiration für seine intensivsten Werke zu finden. In dieser Ausstellung wird die Person von Max Peiffer Watenphul anhand von zehn Punkten vorgestellt, um seine Kunst zu entdecken.
Max Peiffer Watenphul wurde nicht als Künstler im akademischen Sinne geboren, sondern durch eine Entscheidung des radikalen Bruchs dazu. Nach dem regulären Medizinstudium und dem Abschluss des Jurastudiums in Würzburg 1918 schien der junge Max für eine solide juristische Laufbahn bestimmt zu sein. Doch der Ruf der Malerei, den er als Autodidakt seit seiner Kindheit durch ständige Besuche in den Münchner Gemäldegalerien kultivierte, war stärker als jede gesellschaftliche Konvention. Im Jahr 1919, nach Abschluss seiner juristischen Ausbildung, fasste er den endgültigen Entschluss, sich ganz der Kunst zu widmen. Zu dieser Zeit nahm er Kontakt zu Paul Klee auf, um Privatunterricht zu nehmen. Obwohl Klee für einen regelmäßigen Unterricht nicht zur Verfügung stand, schrieb sich Watenphul auf Anregung seiner Frau Lily an der neu gegründeten Bauhaus-Schule in Weimar ein. Dieser Schritt markierte das Ende eines “gewöhnlichen” Lebens und den Beginn eines kreativen Abenteuers, das ihn zu einem der führenden Namen der deutschen Avantgarde werden ließ und bewies, dass Talent und Leidenschaft den Verlauf eines bereits vorgezeichneten Lebens umkehren können.
Watenphuls Eintritt in das Bauhaus im Jahr 1919 blieb nicht unbemerkt. Obwohl er verpflichtet war, den propädeutischen Kurs von Johannes Itten zu besuchen, gewährte ihm Walter Gropius selbst außerordentliche Bewegungsfreiheit und erlaubte ihm, alle Werkstätten der Schule nach Belieben zu besuchen. Das eigentliche Zeichen für das Ansehen, das er genoss, war jedoch die Zuweisung eines persönlichen Ateliers innerhalb der Schule, ein Privileg, das normalerweise nur den Meistern vorbehalten war. In diesem Klima des Eifers und der Armut, in dem die Studenten in kalten Ateliers lebten und nur wenig zum Leben hatten, zeichnete sich Watenphul durch seine künstlerische Reife aus. Er nahm am Bohème-Leben des Instituts teil, von Barfußtänzen bis hin zu Laternenfesten, und trug malerische Kleider aus Lumpen. Diese privilegierte Stellung ermöglichte es ihm, die Prinzipien der Schule in sich aufzunehmen, ohne sich homologieren zu lassen, und eine gedankliche Autonomie zu bewahren, die sein gesamtes späteres Schaffen kennzeichnen sollte.
Eine der Säulen in Watenphuls Leben war seine Freundschaft mit Paul Klee, eine Beziehung, die weit über die einfache Wertschätzung zwischen Schüler und Meister hinausging. Ihre Verbindung, die schon vor seiner Immatrikulation am Bauhaus begann, wurde in Weimar gefestigt und hielt über Jahrzehnte an, dokumentiert durch eine dichte emotionale und fachliche Korrespondenz. Klee war von der Qualität der frühen Arbeiten von Max tief beeindruckt und unterstützte ihn zu Beginn seiner Karriere aktiv, indem er ihn mit wichtigen Persönlichkeiten des Kunstmarktes wie dem Kunsthändler Thannhauser in Kontakt brachte. Der Einfluss von Klee zeigt sich in Watenphuls Erforschung von Form und Farbe, die als lebendige und dynamische Kräfte verstanden werden, aber sein Schüler konnte diese Lehren in eine eigene figurative Sprache umsetzen, die weniger abstrakt und mehr mit der Wahrnehmung der realen Welt verbunden ist. Von dieser Wahlharmonie zeugen auch die Werke von Klee, die Watenphul in seiner Privatsammlung aufbewahrte, ein Zeichen für einen künstlerischen Dialog, der nie abbrach.
Obwohl er sich in erster Linie als Maler verstand, schuf Watenphul eines der bedeutendsten Werke der frühen Bauhaus-Webwerkstatt: einen Wandteppich von 1921, der bis heute als herausragendes Beispiel für interdisziplinäre Gestaltung gilt. Das Werk, so Gregor H. Lersch, “zeigt, wie sehr seine künstlerische Praxis mit den am Bauhaus gelehrten Form-, Rhythmus- und Farbtheorien und ihrem interdisziplinären handwerklichen Charakter verbunden war”. In diesem Werk übersetzte der Künstler die Farb- und Formtheorien von Johannes Itten in eine strenge geometrische Komposition, in der sich “instabile” Dreiecke und “ruhige” Quadrate in einem chromatischen Rhythmus von Blau, Gelb, Rot und neutralen Tönen abwechseln. Watenphul selbst war fasziniert von den Möglichkeiten der gefärbten Wolle, die es ihm erlaubte, andere Rhythmen und Strukturen als in der Ölmalerei zu erforschen. Die Bedeutung dieses Werks ist so groß, dass das Original im Bauhaus-Archiv in Berlin aufbewahrt wird, während für die Ausstellung in Rom eine originalgetreue handgefertigte Kopie angefertigt wurde. Dieser Teppich zeigt, wie die handwerkliche Erfahrung der Schule ihren Sinn für Oberfläche und Bildkomposition nachhaltig beeinflusst hat.
Seine Erfahrungen am Bauhaus und sein anschließender Aufenthalt in der Villa Massimo in Rom in den frühen 1930er Jahren veranlassten Watenphul, die Fotografie mit dem Auge des Malers zu erforschen. Er entwickelte so genannte “Bildfotografien” oder “fotografische Gemälde”. In diesen Arbeiten, schreibt Lersch, “experimentiert Peiffer Watenphul mit Kompositionstechniken, die er später auch in seinen Gemälden aufgreift: Die Aufnahmen sind oft stark reduziert, Gegenstände werden beschnitten und in den Vordergrund gerückt, was zu einer erhöhten Dynamik und Tiefenwirkung führt”. Entgegen dem objektiven Trend der Zeit waren seine Bilder der römischen Architektur und seine Porträts dicht an Atmosphäre und Lyrik. Diese Experimente bleiben nicht auf sein persönliches Archiv beschränkt: 1933 veröffentlicht die renommierte Berliner Zeitschrift “Uhu” seine italienischen Aufnahmen und erkennt in ihm einen Künstler, der das Medium der Fotografie für poetische Visionen nutzen kann. Diese Recherche beeinflusst wiederum seine Malerei und führt ihn zu einer gegenseitigen Verunreinigung der beiden Medien, die die modernen Techniken der kompositorischen Unschärfe vorwegnimmt. Außerdem hatte er Erfolg: Es gelang ihm, mehrere fotografische Gemälde an zahlreiche Verlage zu verkaufen.
Mit dem Aufstieg des Nazi-Regimes in Deutschland erlitt Watenphuls Karriere einen schweren Schlag. Seine Kunst, die so frei war und der internationalen Avantgarde nahe stand, wurde als “entartet” gebrandmarkt. Eines seiner Gemälde wurde 1937 in der berüchtigten Wanderausstellung “Entartete Kunst” ausgestellt, die das Regime zur Verunglimpfung der modernen Kunst organisierte, und viele seiner Werke wurden aus öffentlichen Museen beschlagnahmt. Diese politische Verfolgung zwang ihn in die Isolation und schließlich ins Exil. Trotz des Drucks und der Gefahren gab Watenphul seine künstlerische Integrität nicht auf, sondern entschied sich, nach Italien zu flüchten, einem Ort, der ihm vorübergehend Schutz und neue kreative Impulse bot, weit weg von der ideologischen Unterdrückung in seinem Heimatland. Diese dunkle Zeit hat seine Biografie tief geprägt, aber auch seine Bindung an die italienische Landschaft gestärkt, die nicht nur eine physische, sondern auch eine geistige Zuflucht für seine Kunst wurde.
Italien war für Watenphul nicht nur ein Reiseziel, sondern eine authentische Heimat, die seine reife Bildsprache prägte. Nach dem Gewinn des Rom-Preises 1931 hielt er sich lange Zeit auf Ischia und später in Venedig auf, Städte, die zu immer wiederkehrenden und beliebten Motiven seiner Produktion wurden. In den Nachkriegsjahren war es vor allem Venedig, das ihn dazu inspirierte, einen eigenständigen und lebendigen Stil zur Darstellung von Licht und Lagunenarchitektur zu entwickeln. Hier knüpfte er Beziehungen zur internationalen Kulturelite, verkehrte mit Peggy Guggenheim und Künstlern wie Filippo de Pisis und Zoran Mušič. Seine Verbundenheit mit Italien war so stark, dass der Künstler die letzten Jahre seines Lebens in Rom verbrachte und dort 1976 starb. Heute ruht er auf dem stimmungsvollen nichtkatholischen Friedhof der Hauptstadt, auf dem auch Dichter wie Keats und Shelley begraben sind, was von seiner ewigen Liebe zur ewigen Stadt zeugt.
Internationale Anerkennung erlangte Watenphul durch die prestigeträchtige Biennale von Venedig, an der er in den entscheidenden Jahren 1948 und 1950 teilnahm. Diese Ereignisse markierten seine endgültige Wiedereingliederung in die Welt der Kunst nach den Jahren der Nazi-Zensur. In der Lagune war Watenphul nicht nur Aussteller, sondern auch ein aktiver Teil der lokalen Kunstszene, der die Wertschätzung von Intellektuellen wie Jean Cocteau und Giorgio de Chirico auf sich zog, deren Briefe noch im Nachlass des Künstlers erhalten sind. Seine Teilnahme an der Biennale dokumentiert den Übergang zu einem lyrischeren und ausdrucksstärkeren Malstil, in dem urbane Landschaften und Ansichten mit einer neuen chromatischen Dichte aufgeladen werden, die das Ergebnis einer wiederentdeckten Freiheit und eines ständigen Vergleichs mit den fortschrittlichsten Strömungen der Zeit ist.
Eine faszinierende Kuriosität, die aus den Archivdokumenten hervorgeht, betrifft die Arbeitsweise Watenphuls in seinen reifen Jahren. Vor allem für seine berühmten venezianischen Landschaften verwendete der Künstler häufig Postkarten als Vorlagen. In seinem Nachlass wurden Postkarten gefunden, die die Ansichten in seinen Gemälden exakt wiedergeben, komplett mit Farbflecken, die von ihrer Verwendung während der Entstehung des Werks zeugen. Diese Praxis war keine schöpferische Faulheit, sondern eine bewusste Technik, die es ihm ermöglichte, die Realität zu abstrahieren und zu vereinfachen, indem er Topografie und Farbe auf wesentliche Formen reduzierte. In diesem Sinne kann Watenphul als Vorläufer von zeitgenössischen Künstlern wie Gerhard Richter betrachtet werden, die den Einsatz der Fotografie und das Phänomen der Unschärfe“ zu einem Pfeiler ihrer bildnerischen Forschung gemacht haben, was zeigt, wie modern seine Vision der Beziehung zwischen realem Bild und Darstellung war. ”Das Element, das am deutlichsten hervortritt“, erklärt Lersch, ”ist die wechselseitige Beziehung zwischen Malerei und Fotografie, die das Werk von Peiffer Watenphul nachhaltig beeinflusst hat.
Dass wir heute Watenphuls Werke an einem so renommierten Ort wie der National Gallery of Modern Art bewundern können, verdanken wir einer Bewahrungsarbeit, die familiäre Wurzeln hat. Die Ausstellung 2026 wird von der Max Peiffer Watenphul ETS Stiftung gefördert, die erst ein Jahr zuvor gegründet wurde, um das Erbe des Künstlers zu bewahren und zu verbreiten. Das Projekt geht auf das Testament seines Neffen, Enrico Pasqualucci Sammartini, zurück, der beschloss, das umfangreiche Erbe an Gemälden, Briefen und Fotografien, das “Onkel Max” hinterlassen hat, der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Viele der ausgestellten Dokumente, wie die Korrespondenz mit den großen Meistern des 20. Jahrhunderts und nie zuvor gezeigte Jugendwerke, stammen direkt aus dem privaten Nachlass des Künstlers und werden zum ersten Mal der Öffentlichkeit präsentiert. Diese Ausstellung bildet somit den Höhepunkt einer Wiederentdeckungsreise, die 2023 im Museum Goethe-Haus begann, und bietet einen umfassenden und detaillierten Blick auf einen Mann, der sein Leben auf der ständigen Suche nach Schönheit und Modernität zu verändern vermochte.
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