恋物癖和复制品。当艺术作品在经典语境之外展出时

为了对在传统的展览环境（博物馆、教堂、美术馆等）之外展出的杰作进行推理，或许有必要先问自己一个问题：决定此类活动的人对自己的公众有何看法？

我们怀疑，在这些非本地化的背后，存在着对所谓公众需求的过度解读：简而言之，人们认为等待登机的乘客或参观博览会的游客需要消费这样的成果体验，他们需要享受与非语境化作品的接触，陶醉在这种视觉中。

这是一种对（所谓的）随意观众的独裁，是基于观众本身没有明确提出的要求。这种观念意味着另一种想法：如果 “人民 ”不去看作品（在博物馆的自然环境中），那么一定是作品去看人民。

无论真假，反思一下，这类建议都是缺乏承诺的结果，或者可以说是缺乏叙事能力的结果：例如，如果只需要把贝尔尼尼带到候车室，为什么还要浪费时间在有足够宽敞空间的环境（如机场）中举办展览呢？如果为了安全起见，我不得不用一个狰狞的灵龛来保护这幅杰作，用栅栏把它围起来，剥夺它的潜在受益者的美学品质，剥夺视觉接触的情感，那也无所谓。似乎，你在哪里并不重要，环境有多嘈杂也不重要，只要知道离你 X 米远的地方有 “那个名字”、那个癖好就足够了。

在 “大巡展 ”时代，决定一件艺术品是否为杰作的是其系统的 "拍卖性"；而如今，这类活动的负责人认为，如果一件杰作在其作为物品的条件下被重新整合，那么它就是杰作。然而，这就产生了一个悖论，在复制品可复制的时代，声称独特性可以被放置在任何语境中并保持不变，甚至变得更加独特，正是因为它是非语境化的。

至于通过技术手段几乎忠实再现原作的作品，我认为真诚就足够了：如果赝品的存在得到了正确的声明和提示，它就能发挥自己的特殊作用，例如在展览中重建其他原作的来源背景。

但是，恰恰不能玩捉迷藏的游戏，因为这关系到受益人的尊重，他们必须能够辨别真假。

说到理解，最近技术的发展使得另一种提议成为可能，那就是所谓的 “体验 ”展览，在这种展览中，作品完全不存在，而技术则可以让人 “进入作品内部”，就像那些向半个意大利的市长提议举办这种展览的人喜欢说的那样。让参观者 “沉浸 ”在不存在的杰作中的意图是基于这样一种假设，即通过这些手段，人们可以掌握即使在当时的卡拉瓦乔或梵高面前也看不到的东西：欣赏的图像越大，参观体验就越权威。

这些建议不仅徒劳无益，而且具有深刻的误导性，它们使成果被动化，贬低了作为认知过程的观看行为，消解了作为积极理解和好奇时刻的凝视。

归根结底，无论是恋物癖还是数字复制品，无论是博览会还是时装表演，人们都强烈地怀疑，这些活动几乎只为那些提议者服务，而很少为那些本应享受这些活动的人服务。也许我们应该问问所谓的 “独裁者”--公众--对此有何看法。

本文最初发表于我们的纸质杂志 Finestre sull’Arte第 18 期 。点击此处订阅。

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