安杰洛-莫贝里，他的米兰，分裂主义。现代艺术画廊的精美百年展览

by Federico Giannini (Instagram: @federicogiannini1), 发布于 06/05/2019
分类: 展览回顾 / 免责声明

莫贝里展览最有趣、最富有成果的成果之一是1853 - 1919》是米兰现代艺术馆在安杰洛-莫贝里（Angelo Morbelli，1853 - 米兰，1919 年）逝世一百周年之际为其举办的珍贵选集展、这封信是这位来自亚历山德里亚的伟大画家（因收养关系成为米兰人）写给评论家古斯塔沃-马基（Gustavo Macchi）的一封未公开的信，可能是在 20 世纪第二个十年之初写的（信上没有注明日期，但可以从信的内容推断出可能的时间）。在这封以莫贝里书信特有的急促、口语化和狂热风格写成的信中，画家总结了他作为主要倡导者的分裂主义运动的一些基本特征：“所谓的分裂主义”，画家写道，“对我来说，它有一个像透视一样的规律，它是一种像遮蔽一样的资源；由于到达眼睛的不同长度的起伏现象，它当然会给人一种透明的视觉，而且我认为我可以（几乎肯定地）肯定，它给人一种更大的感觉......”。..飞机"。莫尔贝里对他出类拔萃的艺术风格所下的这一简洁而生动的定义，也有助于引导我们参观米兰展览的各个展厅：策展人保拉-扎蒂（Paola Zatti）（她与学者尼科洛-德尔-阿涅罗（Niccolò Dell’Agnello）共同出版了这封信）组织的展览尽管简短，但却按时间顺序和主题进行，几乎涉及了莫贝里艺术的所有基本主题，并根据市立收藏中构成莫贝里核心的作品进行了精心挑选，还借出了许多在这位伟大的分裂派艺术家的艺术生涯中至关重要的作品。

众所周知，米兰与莫贝里之间的关系非常密切：从这个意义上说，展览不仅提供了一个追溯这位皮埃蒙特艺术家艺术发展阶段的机会，也提供了一个追溯这座城市对他的兴趣的机会。尽管莫贝里的成就与日俱增，他的作品也被收藏在著名的国际博物馆中，但直到 1912 年，他的一幅画作还没有被这座城市买走，而这座城市曾在他少年时代就欢迎他，他曾在这里跟随一些大师学习，这里见证了他无可置疑的天赋的形成，这里见证了他的展出和卓越表现：市议会直到艺术家去世前七年才纠正了这一状况，将冬日展厅设在了皮欧-特里沃齐奥酒店。根据保拉-扎蒂（Paola Zatti）的重建（展览目录的开篇），要想看到莫贝里的另一件作品成为米兰公共收藏的一部分，必须等到 1921 年，他的《最后的日子》（Giorni... ultimi!1929 年（《Tempo di pioggia》）、1931 年（《La Stazione Centrale di Milano》）和 1935 年，收藏家路易吉-贝雷塔（Luigi Beretta）向市政府捐赠了他的藏品，其中包括大教堂尖顶和Pio Albergo Trivulzio 餐厅（现藏于米兰博物馆）（贝雷塔的遗物曾在索马尼宫（Palazzo Sormani）和莫兰迪宫（Palazzo Morandi）收藏）。最后一件藏品可追溯到 1938 年，雕塑家切萨雷-拉瓦斯科（Cesare Ravasco）捐赠给现代艺术馆的《文杜塔》。一个简短的历史总结提醒我们，现代艺术馆是举办安杰洛-莫贝里公开展览的最合适场所。

莫贝里展览的一个展厅。1853 - 1919 年，米兰 GAM

莫贝里展览的一个展厅。1853 - 1919 年，米兰 GAM

莫贝里展览的一个展厅。1853 - 1919 年，米兰 GAM 博物馆

展览在第一个展厅的左侧墙壁上拉开帷幕，安杰洛-莫贝里和他的第一位大师之一、米兰人路易吉-比西（Luigi Bisi，米兰，1814 - 1886 年）进行了一次非同寻常的对比，比西以其室内作品而闻名：GAM 收藏了一幅米兰大教堂的室内作品，为了这次展览，这幅作品被移到了米兰莫贝里的Galleria di Vittorio Emanuele 旁边。这种并置不仅可以显示出这位来自亚历山德里亚的艺术家在给马奇的信中提到的 “透视法则 ”是莫贝里如何从他的第一次尝试（他画维托里奥-埃马努埃莱大街时年仅 19 岁）就开始遵循的规则，而且还生动地展示了这位画家是如何看待与他同时代的现实的。这两幅作品之间相差 13 年（比西的大教堂风景画创作于 1859 年，而他年轻学生的画廊则创作于 1872 年），但莫尔贝里的水彩画虽然仍与传统绘画相联系，但已经透露出明显的现代元素，有助于拉大两位艺术家之间的差距：当时正在布雷拉美术学院就读的莫贝里提出了一个比他的大师更开阔的视角，摄影式的剪裁几乎预示了当今的品味，这样观众的视线就扩大到了画廊的玻璃和钢结构屋顶、在 1864 年，中央火车站投入使用，这是现代米兰另一个让莫贝里着迷的地方，几年后，这座城市见证了《晚邮报》的创办、第一条蒸汽有轨电车的开通，以及欧洲第一个电力照明网络的落成（1883 年投入使用）。亚历山德罗-奥尔达尼（Alessandro Oldani）在画册中写道：“这不是一个真正的室内空间，甚至也不是一幢从外部整体拍摄的建筑”，“相反，它是一个铁制和玻璃制成的外壳，光线穿透其中，室内和室外相互融合，相互抵消”）。

不看对面的墙壁（从第二展厅折回即可到达），一直向左走，就到了莫贝里早期关注社会主题，特别是老年人困境的展区。上文提到的《Giorni...ultimi!》（《日子......最后！》）等作品在莫贝里的艺术生涯中扮演着至关重要的角色，原因有以下几点：首先，这是他在Pio Albergo Trivulzio 画廊创作的第一件作品，该画廊是 1766 年在安东尼奥-托洛梅奥-加利奥-特里武齐奥王子的授意下建立的古老机构，自开业以来一直是该市穷人，尤其是老弱病残者的接待中心（至今仍在发挥作用）。在莫尔贝里时代，皮欧-特里武齐奥酒店仍设在位于 Contrada della Signora 的安东尼奥-托洛梅奥宫殿内（该酒店于 1910 年搬迁到现在的位置，位于巴吉奥大街，是为满足更现代的卫生标准而专门建造的）：它成为了莫贝里用来记录现实的地方，在此之前，莫贝里还没有享受过艺术的尊严，他以当时鲜为人知的清晰度，描述了新生工业社会最悲惨、最戏剧化的影响，更新了伦巴第的传统，在莫尔特尼（Molteni）或多梅尼科-因杜诺（Domenico Induno）等艺术家身上看到了最直接的先例，并以一种现代的、调查的、无情的，尽管是同情的目光。莫贝里创作《Giorni... ultimi!》（《日子......最后！》）时年仅 30 岁：这幅画于 1883 年在布雷拉展出，为他赢得了Fumagalli奖和好评。Pio Albergo Trivulzio 成为了莫贝里艺术的象征，在他的画作中一直存在，直到他的艺术活动达到极致。

展览的第二展厅完全以老年为主题，莫贝里从被遗弃和被隔离在现代社会边缘的痛苦维度来审视老年问题，并从死亡作为《Il viatico》的主角开始，对这一状况的所有附带方面进行了审视、这幅画于 1884 年在布雷拉首次展出，也是以 Pio Albergo Trivulzio 为背景，描绘了一位牧师到临终关怀医院为一位垂死的客人举行极乐圣事时，在该院其他老人悲痛的注视下的情景。20 世纪初，莫尔贝里的创作意图开始程式化，他在 Pio Albergo Trivulzio 设立了工作室（1902 年），目的是创作一部反映米兰安养院生活方方面面的系列作品：因此，1903 年，著名的《老年之诗》（Poema della vecchiaia）诞生了。 2018 年，该作品作为第五届威尼斯双年展的一部分，在威尼斯卡佩萨罗国际现代艺术馆（Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro）举办了专门展览，这也是该作品在此之前的唯一一次公开展览。在这组堪称典范的分部主义杰作中，GAM 展出了《Il Natale dei rimasti》和《Mi ricordo quand’ero fanciulla》，《Il Natale dei rimasti》的主题是孤独的痛苦，而《Mi ricordo quand’ero fanciulla》的主题则是怀旧和回忆：在展览中，《Il Natale dei rimasti》与私人收藏的方格纸上的详细研究报告同时展出，后者是艺术家在画布上进行最终翻译之前的最后测试。这一对比是展览的亮点之一，而在展厅中央摆放的埃内斯托-巴扎罗（Ernesto Bazzaro，米兰，1859-1937 年）的雕塑作品《Esaurimento》也值得称赞，该作品也曾在米兰展览中成功展出，它是一个有用的佐证，将莫贝罗在社会主题兴趣框架内的创作与许多艺术家的作品联系起来。

路易吉-比西，《米兰大教堂内部》（1859 年；布面油画，109.9 x 83.2 厘米；米兰，现代艺术画廊）

安杰洛-莫贝里，《米兰的维托里奥-埃马努埃莱画廊》（1872 年；纸板水彩画，84.50 x 68 厘米；蒙扎，罗伯托-潘西罗利收藏馆）

安杰洛-莫贝里，Giorni...ultimi！(1882-1883；布面油画，98 x 157.5 厘米；米兰，现代艺术画廊）

安杰洛-莫贝里，《Il Viatico》（1884 年；布面油画，112 x 200 厘米；罗马，国家现代和当代艺术画廊）

安杰洛-莫贝里，《Il Natale dei rimasti》（1903 年；布面油画，61 x 110 厘米；威尼斯，Fondazione Musei Civici di Venezia、Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro）

Angelo Morbelli，Mi ricordo quand’ero fanciulla (Entremets)(1903 年；布面油画，71 x 112 厘米；托尔托纳，“Il Divisionismo” Pinacoteca Fondazione C. R. Tortona)R. Tortona)

安杰洛-莫尔贝里，Mi ricordo quand’ero fanciulla（《我记得我还是女孩时》），画作与工作室的对比

我们回到展览开始的房间，但要注意右边的墙壁，那里向公众展示的是《大教堂的尖顶》和《中央车站》，这两幅画是莫贝里职业生涯中两个截然不同的时期创作的（前者创作于 1915-1917 年，后者创作于 1899 年），但它们并列在一起，有助于重新介绍构成展览主要内容的光线和透视主题。以火车站为主题的作品（展出的这幅作品是画家在 1887 年布雷拉画展上展出的画作的第二版，现保存在罗马国家铁路局总部）也反映了莫尔贝里对时代现实的持续关注：从 20 世纪 80 年代开始，艺术家在保持其构图严谨的透视结构（《中央车站》也是如此）的同时，开始放弃遵循自然基准的绘画方式（在行程开幕式上展出的维托里奥-埃马努埃莱画廊本身就是一个例子），转而尝试新的光线效果和对色彩感知理论的创新应用（“人真的必须自我解脱”）、他在 1912 年的四本书《分裂主义的十字路口》（La via crucis del divisionismo）中写道，这本书是他对自己的四重奏技术的一系列评价，“他能够把颜色仅仅看作是一种颜色，而不是一种纯粹的颜色，例如纯粹的祖母绿，而不是纯粹的翡翠”。例如，纯正的祖母绿比另一种绿色更鲜艳，或者同样的绿色，清澈但混杂"）。从这个意义上说，在中央车站旁展示 "大教堂尖顶"是一种功能性的权宜之计，目的是在随后的部分对莫贝里的实验主义进行更深入的探索之前，将其展现出来：因此，《大教堂尖顶》涉及的是米兰绘画的一个经典主题，但在画家选择的剪裁（前景是玫瑰园和屋顶，后面是尖顶）和灯光效果上都有所创新，鲜艳的色彩烘托出米兰大教堂尖顶的轮廓，而尖顶则在轻薄的雾气后显得格外醒目，画家采用的断断续续的笔触已成为其典型的风格标志。

光是《Incensum Domino》和《Solatium miseris》等两幅作品的主角，它们打开了第三个房间，并在年轻作品多年后重新提出了室内景色的主题（《Incensum Domino》是 20 世纪 90 年代初的作品，而《Solatium miseris》则是莫贝里最后一次创作的作品）。在 1892 年于米兰展出的两幅作品中，较早的一幅阳光透过大窗户，折射到大气中的灰尘上，照射到跪在地上祈祷的信徒身上，从而形成了光照和阴影部分的平衡对比（但不仅仅是这样：请注意光线的巧妙效果，它使前景地板上的镶嵌物闪闪发光）。同样的效果，尽管色调更稀疏，笔触更稀少，视角更宽广，却激发了《Solatium miseris》的创作灵感，与十五年前的画作一样，这幅作品赢得了评论家们的一致好评。学者乔凡娜-吉内克斯（Giovanna Ginex）在她的画册文章中指出，《Solatium miseris》是莫贝里分部主义绘画的 “精确到达点”，并将其视为艺术家的观察总结：莫贝里写道：“把前面的色彩压得很低，”他说，“但在教堂内的光线即使不是最亮，也不是最暗，而是向下倾斜时，色彩就会混合，去掉背景后色彩就会充盈。......再现光线和辐射的色彩则不然，在我看来，它们必须尽可能纯净。/整幅画要保持大块和神秘，细节必须消失，边界模糊，人物同上，清晰的暗窗最终必须占主导地位！教堂的半影！......”！(......（在固定煤炭之前，要注意构图，以免留下遗憾）"。Vittore Grubicy de Dragon（米兰，1851 - 1920 年）的作品《Alla sorgente tiepida》结束了莫贝里的创作，强调了莫贝里实验的价值。

安杰洛-莫贝里，《大教堂的尖顶》（1915-1917 年；布面油画，50 x 80 厘米；米兰，莫兰多宫 - 服装、时尚、图像）

安杰洛-莫贝里，1889 年的米兰中央火车站（1889 年；布面油画，58 x 100 厘米；米兰，现代艺术画廊）

安杰洛-莫贝里，《多米诺骨牌》（Incensum domino！(1892-1893；布面油画，80.3 x 119.9 厘米；托尔托纳，“Il Divisionismo” Pinacoteca Fondazione C. R. Tortona）。R. Tortona)

安杰洛-莫贝里，《Solatium miseris》（1914 年；布面油画，130 x 199 厘米；米兰，私人收藏）

此外，风景也是莫贝里在科尔马疗养院创作的作品的主角，科尔马是罗西尼亚诺-蒙费拉托的一个小村庄，艺术家经常在那里享受乡间小憩的时光：在科尔马，奥罗拉-斯科蒂在画册中写道，莫贝里 "通过选择生活片段和他家附近的风景，在逐步淡化色彩范围的过程中，通过在户外进行练习，完善了新的分部主义技法"：这幅 1890 年的作品描绘了艺术家年轻的妻子玛丽亚-帕加尼 （ Maria Pagani）在科尔马绿树成荫的花园里读信的情景（也许正是因为这幅作品中流露出的亲密关系，这位皮埃蒙特艺术家感情诗学的代表作之一，莫贝里才决定不公开展出这幅作品，因为他最初计划将其送往布雷拉三年展）。在这幅画中，37 岁的莫贝里似乎终于达到了理想的照明效果：画家在微妙的逆光下塑造了妻子的形象（看她脸颊和双手上的光彩），两侧的树叶几乎成了画框。显然，科尔马庄园不仅是一个休闲场所，也是一个实验场所：在这里，在蒙费拉托的田野中，画家能够与四季变化、天气状况和一天中的时间打交道，这一点在展览中并列展出的两幅画作中得到了很好的证明，这两幅画作分别是前面提到的《下雨的时间》（Tempo di pioggia）和更早的《科尔马花园》（Giardino alla Colma），两幅画作相隔五年（前者创作于1916年，后者创作于1911年）、1911年），但地点相同（视角略有变化），笔触分明，在坏天气下尝试不同的光线和色调，阳光照亮花园，产生生动的光影效果（注意树篱中间的灌木丛），画家一丝不苟地准确勾勒。

莫贝里最粗糙的作品之一《Pall Mall Gazette (Sold!)》也是出于对实验的渴望而创作的，该作品于 1888 年在伦敦首次展出。 画家通过这幅画就儿童卖淫这一主题提供了一个感人的见证，当时《Pall Mall Gazette》报（作品名称即由此而来）刚刚对这一主题进行了调查，画家在第一版四年后第二次回到这一主题（他后来在 1897 年创作了这幅画的第三个版本）。画中的主人公是一位非常年轻的少女，她悲伤而失落地躺在床上，双臂伸向两侧，头发散乱，目光无奈、呆滞，几乎毫无生气。她悲伤的眼神（这充分体现了莫贝里对末世和边缘人群的深情关怀，因为他真的为他们感到难过）与床单上耀眼的白色形成鲜明对比，象征着失去的坦率和纯真。点彩画的时代还未到来，但莫贝里在色彩的使用上进行了一些有趣的尝试（吉安卢卡-波尔迪在画册中对此进行了详尽的解释）：在《旺杜塔》中，画家尝试了粉彩画法，然后用蛋彩颜料以宽大、密集的笔触涂抹，这可能是因为他对作品的早期阶段不满意，因此希望用蛋彩颜料获得更大的亮度。在以母亲为主题的画作中可以找到更多令人欣慰的女性形象，此外，这些画作还与梅达尔多-罗索（Medardo Rosso，都灵，1858 - 米兰，1928 年）的《Aetas aurea》进行了富有成效的对话，以强调在情感渲染方面的相似之处：在私人收藏的作品《Alba felice》（幸福的黎明）中，画面采用了与《Venduta》（售出）类似的摄影剪裁，主角同样是背光，母亲和孩子的身影在醒来的瞬间在背光中移动，而窗外开始出现第一缕晨光，使窗帘布闪闪发光，整个场景充满活力。这是莫尔贝里职业生涯第一阶段的高潮之一，也是艺术家逐渐达到的巅峰：例如，《Amor materno》中光与影的对比就不得不提，这幅作品稍早于《Alba felice》，但也许比《Alba felice》更加亲切（值得一提的是，为了达到令人满意的效果，艺术家征求了妻子的意见，以便更自然地确定姿势）。

最后，我们来到最后一个展厅，在这里，我们沿着意大利绘画走向象征主义的道路，对莫贝里的成熟作品进行了研究。莫贝里本人似乎也未能幸免于这些新感性的影响：《Il ghiacciaio dei Forni》在这方面很有意思，这是 1910 年在瓦尔泰利纳的Santa Caterina Valfurva 旅居期间创作的一幅风景画。莫贝里很可能是想表现一种首先令人回味的风景，因此他选择了一种前所未有的冰川剪裁，对一片雪地进行特写，斜切，而山峰则被远远地留在背景中、结果，冰川表现中典型的色彩关系被打破了（每个人都会熟悉更为传统的山峰剪裁，即绘画或照片底部的深色岩石和上方的白雪皑皑的山峰，莫贝里自己也尝试过这种剪裁，例如在《圣母颂》中，这是一幅没有在 GAM 展出的作品：但在这里，艺术家大胆地进行了完全相反的操作）。这幅作品创作于 1905 年，充满了沉思和怀旧之情，可被视为《老年之诗》的附录或收尾之作。在两幅侧板上，是两位贫困老人的孤独身影，微弱的闪光勉强照亮了他们背光的脸庞：他们坐在室内，她双手抱胸，沉思着一团羊毛，而他则似乎几乎睡着了。这对夫妇已经达到了生命的极致：全神贯注、面色晦暗、陷入沉思，他们以缓慢的节奏重复着日常的动作，将无情的时间流逝抛在身后，这也成为莫贝里思考的另一个主题。在中央的一块展板上，我们看到了他们年轻时的形象：他们站在栏杆前，凝望着星空，她将头靠在他的肩上，他们低声说着甜言蜜语，他们拥抱在一起。这是追忆的维度，追忆一去不复返的幸福岁月，意识到未来会有其他更苦难的境遇，人们可能会认为，这是对皮欧-特里武齐奥酒店客人的谴责，他们不得不通过追忆过去和生活经历来让痛苦和孤独的现在变得不那么苦难、悲伤和令人不快。欢乐与痛苦、幸福与失望交织在一起，使作品的标题清晰明了。生命的情节

安杰洛-莫贝里，《第一封信》（1890-1891 年；布面油画，106.5 x 78.5 厘米；米兰，私人收藏）

安杰洛-莫贝里，《雨后》（Tempo di pioggia）（1916 年；布面油画，33.5 x 50 厘米；米兰，现代艺术画廊）

安杰洛-莫贝里，Giardino alla Colma（1911 年；布面油画，36.5 x 58 厘米；米兰，卡普奇尼博物馆）

安杰洛-莫贝里，《Pall Mall Gazette》（已售出！）（1887-1888 年；帆布蛋彩画，70 x 120 厘米；米兰，现代艺术画廊）

安杰洛-莫贝里，《幸福的黎明》（1892-1893 年；布面油画，50 x 103 厘米；米兰，私人收藏）

梅达尔多-罗索，《Aetas aurea》（黄金时代；母性）（由弗朗切斯科-罗索根据 1886 年的模型后铸而成；石膏上蜡，43 x 44 x 38.5 厘米；米兰，现代艺术画廊）

莫贝里的《母爱》与梅达尔多-罗索的Aetas Aurea 之间的比较

安杰洛-莫贝里，《熔炉冰川》（1910-1912 年；布面油画，75 x 94 厘米；米兰，私人收藏）

安杰洛-莫贝里，《梦想与现实（生活三联画）》（1905 年；布面油画，三幅，112 x 80 厘米、112 x 79 厘米、112 x 80 厘米；米兰，卡里普洛基金会收藏）

当然，GAM 的展览并非包罗万象（缺少了许多重要作品：如《阿斯菲西亚》、《马焦雷湖畔的巴特罗》或描绘皮埃蒙特稻田工作条件的作品），但这并不妨碍策展人安排一场丰富而及时的展览：安杰洛-莫尔贝里是他那个时代的杰出主角，展览除了为 19 世纪晚期的意大利绘画勾勒出一幅快速而重要的壁画之外，还通过扎实的布局很好地强调了这位艺术家的伟大现代性，正如 Paola Zatti 所写道的那样，“他通过有意识的、深思熟虑的技术实验，为分部主义绘画的发展做出了决定性的贡献；因为他富有想象力地设计出了前所未有的构图剪裁，注定会让后人深思；因为他成功地以干练的现实主义手法描绘了生活中的某些闪光点，没有华丽的辞藻，画面充满了时代气息，构成了他那个时代最有效的视觉文献”。当然，安杰洛-莫贝里的地位早已众所周知（有必要补充的是，甚至他的同时代人也已完全了解他的地位），这也不是第一次专门为这位伟大的分割主义者举办的专题展览（尽管在他的故乡米兰已经有七十年没有举办过展览了），但这次百年纪念展览的行程安排的精妙之处在于精彩的并置，适合广大观众的清晰、实用的设备，展览围绕永久收藏的作品展开，同时也回顾了这些作品的历史，获得未发表的信件，灵活的目录的价值，所有这些因素都使莫贝里成为一个重要的里程碑。1853 - 1919》是研究这位艺术家和整个分部主义领域的一个重要里程碑。

还应该补充的是，展览的主题之一（事实上，这可能是连接所有展厅的主题）是莫贝里与米兰之间的关系，这种关系贯穿了画家的整个职业生涯，从他跟随路易吉-比西（Luigi Bisi）接受训练到他成熟期的实验性作品：莫尔贝里与米兰的关系贯穿了画家的整个职业生涯，从他师从路易吉-比西（Luigi Bisi），到他成熟期的实验性作品：这是展览的另一个亮点，具有双重视角（莫尔贝里诗学的转变通过城市一瞥和画家的成功得以再现，而这些成功几乎都源于伦巴第首府，从某种意义上说，画家讲述的米兰历史也是如此）。归根结底，问题在于这种与城市的紧密联系、展览的背景、令人愉悦和井然有序的叙述，当然还有安杰洛-莫尔贝里绘画无可置疑的魅力，是否足以确保这位来自亚历山德里亚的伟大艺术家的艺术最终能够走进广大公众的心中，而这也是它理应做到的。

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