西蒙娜-坎塔里尼的神圣挽歌。情感、沉默和忧郁之间的神圣甜蜜

西蒙尼-坎塔里尼 （Simone Cantarini ，佩萨罗，1612 - 1648 年）是一位反差强烈的画家，他的作品充满了与生俱来的甜美气息：他不安分而叛逆，他的绘画细腻而优雅。在他的艺术中，即使是神圣的 东西也变成了诗歌。或者说：安娜-玛丽亚-安布罗西尼-马萨里（Anna Maria Ambrosini Massari）是研究马尔凯画家的专家，她谈到了一种公开的" 挽歌 式"绘画，一种神圣的挽歌 。 她与尤里-普里马罗萨（ Yuri Primarosa）和路易吉-加洛（Luigi Gallo）共同策划了西蒙尼-坎塔里尼 展览。一位年轻的大师 》（乌尔比诺，马尔凯国家美术馆，2025 年 5 月 23 日至 10 月 12 日）。安布罗西尼-马萨里（Ambrosini Massari）写道：“坎塔里尼是一位创作复杂宗教图像的画家，但他知道如何为这些图像注入 ”新的抒情姿态“，”由眼神和沉默、亲密和日常的瞬间组成“。我们谈到神圣的挽歌，”因为即使在神圣的作品中，也隐含着诗歌的形式，它首先是内心和个人的宣泄，是心灵和情感的宣泄：在祭坛画和室内画中，都有一首低沉的、戏剧性的、真实的歌声响起，它知道如何将圭多-雷尼更具宫廷气息的声音与后卡拉瓦乔自然主义更具世俗气息的声音调和起来"。

因此，在西蒙娜-坎塔里尼的画作中，即使是神圣的东西也变成了灵魂之诗。他的作品远离 17 世纪许多绘画作品所强调的纪念性，而是以一种强烈的挽歌式的脉络贯穿始终，将灵性转化为一种亲切的日常姿态。坎塔里尼在推进自己的神圣绘画理念时，沿袭了明确的乌尔比诺路线，继承了拉斐尔通过费德里科-巴罗奇（Federico Barocci）过滤后的温和风格，但又将其转化为一种新的语言，其特点是情感抒情，能够将古典主义与自然主义相结合。他的 “神圣挽歌 ”是一种视觉诗歌形式，由细微的动作、强烈的眼神、狂喜和忧郁组成。他的作品能够将神性转化为情感，使灵性成为一种精致的诗歌形式，因而仍然令我们着迷。这是一幅先触动心灵再触动思想的画作，一位讲述感觉而非教条的画家。在坎塔里尼的作品中，神圣几乎没有强加于人。恰恰相反，它在全神贯注的面孔中、在几乎不动的帷幔中、在暗示而非宣示的私密空间中谨慎地浮现。即使是他的大型祭坛画，也充满了抒情的张力，化解了任何学术或胜利的庄严感。基调始终是低沉的，构图在光与影之间进行调整，场景充满了一种甜美的感觉，这种甜美的感觉成为一种克制的情感。

这种风格的基础是一种非凡的能力，能够综合最多样化的灵感：吉多-雷尼（ Guido Reni）的优雅、乔瓦尼-弗朗切斯科-盖里耶里（Giovanni Francesco Guerrieri）的自然主义情感、奥拉齐奥-真蒂莱斯基（Orazio Gentileschi）的透明光线，甚至是安尼巴莱-卡拉奇（Annibale Carracci）的古典主义诗歌和萨索费拉托（Sassoferrato）的新威尼斯式优雅。然而，坎塔里尼并不仅仅是吸收：他在兼收并蓄的基础上进行过滤、诠释和再创造，这种兼收并蓄不是停留在片段上，而是寻求融合，不是展示博学，而是寻求平衡。正是在这种平衡中，他的神圣挽歌得以成型，他的内心之歌将奉献转化为对人类的冥想。

即使是他早期的年轻作品，即使模特看起来很容易辨认，也能看出他完全个人化的视角：1630 年至 1632 年间，18 岁的坎塔里尼为圣芭芭拉教会（Pia Unione di Santa Barbara）（该教会位于佩萨罗的圣卡西亚诺教堂）绘制了圣芭芭拉和特伦斯之间美丽的《荣耀中的圣母子》，这幅画现在可以在乌尔比诺的马尔凯国家 美术馆（Galleria Nazionale delle Marche）的展厅中欣赏到，这幅画是 2021 年从布雷拉收藏馆（Brera Pinacoteca）归还的。在这幅画中，尽管明显可以看出克劳迪奥-里多尔菲（Claudio Ridolfi）的新维纳竞技风格和乔瓦尼-弗朗切斯科-盖里耶里（Giovanni Francesco Guerrieri）的自然主义风格，但坎塔里尼已经表现出了他自己的情感张力，将各种线索融合成一种语言，正如达尼埃莱-贝纳蒂（Daniele Benati）所指出的，这种语言确实尚未成熟，但已经是个人化的了：圣芭芭拉带着青春的面容，以慎重的姿态指向天堂的景象，而圣特伦斯则带着 18 岁艺术家的特征，甚至可能是自画像，以感人的虔诚仰望天堂。乐师天使和小天使们并没有显示出力量，而是温柔地陪伴着幽灵。这种神圣感令人激动，却又不强加于人。

这幅《玛吉的崇拜》可以追溯到 1627 年，是在一次威尼斯学习之旅后绘制的，是同时期的作品，或许稍早一些，它直接吸收了威尼斯大师的作品，尤其是维罗内塞和提香的作品，成熟度令人吃惊（这足以让人想到，直到 1013 年，当发现了一些档案笔记后，才有可能对《玛吉的崇拜》进行修改）。直到 1013 年，当发现了一些档案注释后，人们才有可能推测出《崇拜 》的早期创作时间，但《崇拜 》却被认为是一部极为成熟的作品），还可以根据卢多维科-卡拉奇（Ludovico Carracci）的教诲进行解读，因为卡拉奇的教诲衍生出分为两个音区的布局和阴郁的气氛。但即使在这里，空气中也弥漫着哀伤的气氛：崇拜的场面不是通过华丽的色彩或令人印象深刻的人群，而是通过紧张的肖像、温柔的手势和沉思的面孔来再现。甜美的婴儿耶稣似乎已经意识到了献祭的意义，他的母亲有着近乎稚嫩的特征，她和她的儿子一样，都是侧面描绘：坎塔里尼似乎想让我们更多地参与其中，让我们从一个不同寻常的角度目睹这一幕，让我们成为故事的一部分。这是一个生动的场景，但并不令人激动，在逼真的五官中（如马吉人的五官），在谦逊而熟悉的表情中，灵性走近了人们。

康塔里尼在博洛尼亚的成熟期标志着极高的风格自由度和诠释新宗教情感的能力：受加瓦尔迪尼家族委托创作的《圣母无原罪与圣徒约翰、托伦蒂诺的尼古拉斯和尤菲米亚》是成熟期康塔里尼最伟大的作品之一。坎塔里尼最伟大的训诂学家之一安德烈亚-埃米利亚尼对这幅画赞不绝口，认为它 "是一幅以非凡的技巧跨越了早期马尔凯人的詹蒂莱斯基、博斯科利甚至巴罗奇的情感，然后又将它们与博洛尼亚人拉斐尔的杰出作品，即蒙特圣乔瓦尼的圣塞西莉亚 融合在一起的画作“：坎塔里尼是一位 ”表明他现在已经到了让肾上腺素主义作为美德与美之间等式的决定性标志大放异彩的时候 "的画家。悬浮在云端的圣母目光含泪，专注而细腻。她周围的圣人不是在强调，而是在默默附和。金色的光线、虚无缥缈的帷幔、圣尤菲米娅人性而精致的面容，还原了一种情感氛围，将神学形象转化为内心故事。坎塔里尼也是一位大气画家，他的作品在马尔凯、威尼托和艾米利亚之间取得了平衡；他是一位画家，他试图用一种天体视觉来对抗他笔下人物的粗糙甚至是日常的现实，这种天体视觉向金色的天空敞开，在他的作品中可以找到正如弗朗切斯科-阿坎吉利（Francesco Arcangeli）所指出的那样，这幅画是佩萨罗画家 “再现主义 ”的顶峰，也是一幅具有象征意义的画作，画中升入天堂的圣人形象在金色光芒的映衬下显得格外醒目。坎塔里尼以独创性重读了圭多-雷尼的教诲，同时又将目光投向了圭多-卡尼亚奇和他的《 被带上天堂的抹大拉 》 ，这幅 画是坎塔里尼创作的最直接先例：圣人不是一个遥远的人物，他有一种威严的存在感，天使们几乎在云层下扭曲，以支撑圣雅各布的重量，云层有其自身的一致性。

在罗马逗留（1639 年至 1642 年）之后，这种挽歌式的张力变得更加深沉：那次旅行给西蒙尼-坎塔里尼留下了深刻的印象。受到卡拉瓦乔的《佩莱格里尼圣母》和奥拉齐奥-詹蒂莱斯基作品的启发，坎塔里尼重新塑造了自己的神圣感，突出了人性的一面。不过，坎塔里尼也有一些重要的前驱作品，均以神圣家庭为主题。例如，最早的作品之一是《圣家族与锡耶纳的圣凯瑟琳》，这件作品出自乌尔比诺的马尔凯国家美术馆（Galleria Nazionale delle Marche），围绕着一个不同寻常的图标展开（学者玛丽亚-玛德莱娜-保利尼（Maria Maddalena Paolini）假设，这可能是守护神的特别要求）：人们看到一条龙张开大嘴，朝童耶稣的方向走来（但童耶稣被圣凯瑟琳用绳子拴着），然后又看到圣约瑟夫拿着眼镜（这可能暗指他对圣经的了解：这也是他有时手持书本的原因），以及圣婴交给圣凯瑟琳的花棒，暗指约瑟夫和玛丽之间的婚礼，因此也象征着耶稣和圣人之间的神秘婚姻。博尔热兹美术馆中的《圣约翰与耶稣亲吻的 圣 家庭 》也是以家庭和谦卑为基调的，与 1638 年左右的《书与玫瑰的圣家庭》一样，这幅画充满了关注日常生活的诗意风格；这幅画中的场景是一种无声的亲情对话：在西格诺雷蒂收藏的这幅作品中，玛利亚全神贯注地阅读，圣婴向她献上玫瑰，约瑟夫沉思地注视着。每一个动作都是象征性的，但也是亲密的，情感在金色的半透明光线中，在微妙的面纱和温暖的色调之间消耗殆尽，带着一种温柔的孤独感。在罗马逗留期间和之后，在与卡拉瓦乔的自然主义的接触中，这种脉络更加清晰。在这些年里，坎塔里尼的神圣挽歌趋向于更加集结。他的《 神圣家庭》是小型的家庭杰作，专为私人奉献而设计。在这里，坎塔里尼的色调在亲近、共鸣和对话中找到了契合的维度：例如，圣约瑟夫不再是旁观者，而几乎总是积极参与其中，孩子在玩耍，圣母在反思。灯光柔和，色彩淡雅，线条弯曲。艺术在这里变成了低声的祈祷，日常的情感在绘画中得到了升华。乌尔比诺展览展出了一幅精彩的新作品--来自英国私人收藏的《神圣家庭》 ：这是一幅严谨的作品，同时具有不朽和日常的矛盾冲击力，人物看起来像古典雕像，但又散发着熟悉的气息，尼基塔-德-韦尔内尤尔写道，这幅作品 “渗透着坎塔里尼的自然主义倾向和雷尼的理想主义倾向之间的微妙平衡[......]。......可能作于 1640 年左右，即他在罗马逗留期间或之后”。另一方面，普拉多博物馆的《圣家族 》则更为克制，其特点是严谨的古典主义风格，具有雷尼风格，由两个主要人物组成，即圣母和圣婴（圣母和圣婴被抓到正看着相对的人：这是坎塔里尼整部作品中的唯一案例，体现了对拉斐尔肖像画和在罗马学习的古代雕像的吸收），但在圣约瑟夫的段落中，则是强烈而自然的，他在稍后的地方陷入了看书的日常行为中。相反，我们又回到了 1642 年的《玫瑰圣母》这幅甜蜜亲密的作品中：圣母从圣婴手中接过象征爱与痛苦的玫瑰，画面非常纯净，几乎是新古典主义的构图，让人联想到拉斐尔和萨索费拉托，但却能以其精炼的清晰度传达出一种深沉的忧郁感。同样的忧郁让坎塔里尼绘制的《圣家族 》栩栩如生，这幅画有两个变体，一个现存于科隆纳画廊，另一个现存于同样位于罗马的科西尼画廊：“正是在这样的作品中，”尤里-普里马罗萨写道，“年轻的学生向他的大师提出了挑战，在古典主义模式的压抑的自然主义和卡拉瓦乔崛起的更直接的真实手法之间，他提出了一种令人愉悦的替代方案。雷尼用意念修正了裸露和原始的自然，而坎塔里尼则通过对情感和风格的交替、在黑暗中为光明增添意义来探索新的表现可能性”。

西蒙尼-坎塔里尼英年早逝，年仅 36 岁，死因至今尚未完全明了，但他留下了大量的作品，其中不乏已完成和未完成的绘画、速写、草图和精致的版画。然而，在他短暂的抛物线上，他能够定义一个个人词汇，预示着更多的现代情感：浪漫的忧郁、对亲密关系的崇拜、日常情感。在他的作品中，人们能感受到肉体的振动、感情的颤动，同时也能意识到死亡和脆弱。西蒙尼-坎塔里尼既不是古典主义的传人，也不只是圭多-雷尼的学生，尽管他的地位如今已得到充分认可。“尤里-普里马罗萨（Yuri Primarosa）写道：”除了比其他人更好地诠释圭多的语言而又不将其轻描淡写之外，西蒙尼还能将他的风格转化为自己的自然主义方式，为有血有肉的人物形象配音，使最初的模式重获新生。甚至]在进入画派之前“，正如 Carlo Cesare Malvasia 在 17 世纪就已经指出的那样。普里马罗萨进一步指出，有趣的是，”在如此遥远的起点背景下“，西蒙尼-坎塔里尼是在怎样的环境中成长和成熟起来的，正如我们所看到的，他展现出了早熟的天赋，”这样的成就是如何实现的"，这仍然是一个谜。

坎塔里尼在之后的绘画中留下了自己的印记。从弗拉米尼奥-托里（Flaminio Torri）到洛伦佐-帕西内利（Lorenzo Pasinelli），他的学生们继承并传播了他的思想，尽管他们有时会失去内在的张力。在 17 世纪下半叶的埃米利亚和欧洲绘画中，我们可以从感性的明暗对比、阿卡迪亚风光和灵魂运动中感受到他的影响。

坎塔里尼的艺术，尤其是神圣的艺术，几乎具有音乐的特征：感情和光线的调和成为和谐，成为主题的变奏。这就是他与众不同的神圣挽歌的精髓：一种低吟浅唱的、有意识的人类灵性。这幅画不放弃美感，见证了心灵的律动和生存的忧郁。西蒙尼-坎塔里尼即使在其短暂的艺术轨迹中，也知道如何触动巴洛克情感的深处，他不是盲目遵从雷诺画派的指令，也不是完全放弃卡拉瓦乔及其追随者的自然主义，而是创造了一种自己的语言，能够将甜美与真实、优雅与骚动、信仰与内在性融为一体。这的确是一首 “神圣的挽歌”，至今仍是意大利 17 世纪最杰出、最具独创性的作品之一。

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