Georges Braque, Leben, Werk und Stil des großen kubistischen Malers

Georges Braque (Argenteuil, 1882 - Paris, 1963), der große französische Maler und Bildhauer, gilt zusammen mit Pablo Picasso als Stammvater des Kubismus. Braque und Picasso lernten sich 1907 kennen, und durch den Kontakt mit dem kubistischen Künstler eignete sich Braque viele Ideen an, z. B. beschäftigte er sich mit derprimitiven afrikanischen Kunst, und er beherrschte die verschiedenen Phasen des Kubismus, indem er von den leuchtenden Farben und dem Stil der Fauves seiner frühen Werke zur Vereinfachung der Natur in Formen, Farben und Linien überging.

Er war ein sehr produktiver Maler und versuchte sich an verschiedenen Experimenten, wobei er eine Zeit lang sogar Collagen anfertigte. Die kubistischen Werke, vor allem die analytischen, verlangten dem Betrachter oft eine große Anstrengung ab, um das dargestellte Thema zu verstehen, das sich oft erst durch das Lesen des Titels des Werks erschließt, um sich das Ausgangsbild besser vorstellen zu können.

Der Erste Weltkrieg beeinträchtigt seine Beziehung zu Picasso, und nach seiner Rückkehr von der Front lässt sich Braque in der Normandie nieder, wo er sich der Landschaftsmalerei widmet und die figurative Malerei wieder aufnimmt.

Das Leben von Georges Braque

Georges Braque wurde am 13. Mai 1882 als Sohn von Charles Braque (Maler und Dekorateur) und Augustine Johannet in Argenteuil geboren, verbrachte aber seine Kindheit und Jugend in Le Havre in der Normandie. Hier begann er seine künstlerische Ausbildung und besuchte von 1897 bis 1899 die Abendschule der Schönen Künste, danach zog er nach Paris. Er beginnt eine Lehre bei einem Dekorateurmeister, die er 1901 abschließt. Im Jahr 1902 schrieb er sich an der Académie Humbert ein, wo er bis 1904 studierte und unter seinen Kommilitonen den Avantgarde-Künstler Francis Picabia kennenlernte. Er setzt seine Ausbildung an der École des Beaux-Arts in Paris fort und beginnt, figurative Werke in Anlehnung an die Fauves und Henri Matisse zu schaffen.

Das Jahr 1907 markiert einen Wendepunkt für Braque, als er eine Retrospektive von Paul Cézanne im Salon d’Automne besucht. Dieser Salon unterscheidet sich nicht nur vom klassischen Salon im Louvre, sondern auch von allen anderen bis dahin bekannten Salons, wie dem Salon des Indépendants, weil er gerade die als “antiakademisch” geltenden Avantgarden willkommen heißen will. Hier hatten die Fauves 1905 zum ersten Mal ihre Werke ausgestellt. Der Besuch von Braque in der Cézanne gewidmeten Retrospektive war ein Moment, der die gesamte französische Kunst um 1900 prägen sollte, denn bei dieser Gelegenheit traf Braque auf Pablo Picasso. Hier wurde der Grundstein für die Entstehung des Kubismus gelegt.

Picasso arbeitete zu dieser Zeit an Les demoiselles d’Avignon und beschäftigte sich intensiv mit der so genannten “primitiven” afrikanischen Kunst. Braque war von dieser Kunst fasziniert und begann sich ebenfalls mit ihr zu beschäftigen, wobei er immer häufiger mit Picasso zusammenarbeitete. Die persönliche und künstlerische Freundschaft, die zwischen den beiden Künstlern entstand, führte zu neuen Ausarbeitungen des Kubismus und zu Experimenten, die bis 1914 andauerten, als die Beziehung zum Erliegen kam, da Braque zum Ersten Weltkrieg eingezogen wurde. Während des Konflikts wird er verwundet und kehrt nach seiner Genesung in die Normandie zurück, wo er die Malerei in voller Autonomie wieder aufnimmt und sich erneut dem Figurativismus zuwendet. Er erhält 1958 den Internationalen Feltrinelli-Preis für Kunst der Accademia dei Lincei. Georges Braque starb am 31. August 1963 in Paris und wurde auf dem Marinefriedhof von Varengeville-sur-Mer in der Normandie beigesetzt, der so heißt, weil er direkt am Meer liegt.

Die Werke und der Stil von Georges Braque

Braque war ein recht produktiver und vielseitiger Maler, der oft verschiedene Versionen desselben Themas schuf. In seiner Kunst lassen sich verschiedene Phasen erkennen, vom Fauve zum formativen Kubismus, dann zum analytischen Kubismus und schließlich zurück zum Figurativismus. Als Braque 1907 Picasso kennenlernte, war seine Malerei von den Fauves fasziniert und damit von den kühnen Gegenüberstellungen leuchtender Farben, die den Expressionismus vorwegnahmen. Die Fauve-Periode dauerte einige Jahre und zeichnete sich durch Landschaften aus, die in geometrischer Weise wiedergegeben wurden, wie das Gemälde Der Olivenbaum (1906) zeigt, in dem die Formen weich sind und nicht durch Konturen, sondern durch lebhafte Farben gefüllt werden, die sich nicht an die Realität halten. In die gleiche Richtung geht auch Der Hafen von La Chotat (1907). Braque hatte diese Stadt im Rahmen einer Reihe von Kurzreisen besucht, die er mit seinem Künstlerfreund Othon Friesz, ebenfalls ein fauvistischer Maler, zwischen 1906 und 1907 unternahm. Die beiden Künstler besuchten Antwerpen, Belgien, zweimal l’Estaque und schließlich La Chotat selbst im späten Frühjahr 1907 und widmeten sich intensiven Malsitzungen, bei denen Braque alle Stilelemente der Fauves verinnerlichen konnte.

Der Hafen ist in der Tat ein typisches Thema dieser Malversammlungen, und in diesem speziellen Fall porträtiert er eine kleine Stadt mit einem kleinen Hafen (im unteren Teil des Gemäldes zu sehen), der vom so genannten Trockendock dominiert wird, einem Bauwerk, das für die Reparatur großer Schiffe außerhalb des Wassers bestimmt ist, und in der Tat kann man am unteren Rand des Werks genau zwei große Schiffe sehen, die im Kontrast zu den kleinen Booten stehen, die im Vordergrund vor Anker liegen. In diesem Gemälde, wie auch in den anderen aus dieser Zeit, wird der goldene Farbton, der Braques Werk charakterisiert, gerade durch die Zeit, die er im warmen Licht Südfrankreichs verbracht hat, hervorgehoben.

Im selben Zeitraum malte Braque mehrere Landschaften von L’Estaque (1908), einem Ort am Golf von Marseille, und widmete sich dem “Formativen Kubismus” oder “Protokubismus”, einer Phase der künstlerischen Strömung, in der die Formen geometrisch auf reine Volumen reduziert werden. Bevorzugt werden Stillleben, Figuren und Landschaften, so auch in dem vorliegenden Werk. Die Hügellandschaft von L’Estaque wird durch die Reduktion natürlicher Elemente auf stark vereinfachte Geometrien wie Kreise, Linien und Kurven wiedergegeben, und zwar stets mit sehr lebhaften Farben (im Gegensatz zu anderen proto-kubistischen Gemälden, in denen die Farben eher monochrom im Braunbereich gehalten sind), was seiner Vorliebe für den Fauvismus Rechnung trägt.

Braque schickte sieben Gemälde aus dieser Zeit zum Salon d’Automne 1908, von denen jedoch fünf abgelehnt wurden. Der französische Dichter Apollinaire berichtet, dass bei dieser Gelegenheit offiziell der Begriff Kubismus“ geboren wurde, der sich von einem Ausdruck ableitet, den Henri Matisse, ein Mitglied der Jury des betreffenden Salons, in abfälliger Weise äußerte, um die Werke zu beschreiben, die er sah. Später sprach der Maler Louis Vauxelles in Bezug auf einige Werke von Paul Cézanne von ”Gemälden aus Würfeln“, und Braque war von diesem Begriff beeindruckt und begann, seine und Picassos Gemälde offiziell als ”kubistische" Werke zu definieren.

Braques Auseinandersetzung mit derprimitiven Kunst, die durch die Zusammenarbeit mit Picasso ausgelöst wurde, führte dazu, dass er zunächst die Farben reduzierte, um sich auf Grün und Braun zu konzentrieren, und dann die Verwendung geometrischer Volumina verstärkte, wobei er versuchte, den Raum wiederherzustellen, ohne auf Perspektive oder Helldunkel zurückzugreifen. In dem Werk Grande nudo (Großes Nackt) von 1908 zum Beispiel werden die Körpervolumina mit schnellen, breiten Pinselstrichen wiedergegeben und durch sehr dicke Umrisslinien definiert. Braque wendet die gleichen Prinzipien der Volumenumrisse wie im Grande nudo auch in seinen Landschafts- und Stilllebenbildern an. Bald darauf erreichten er und Picasso jedoch eine neue Phase der kubistischen Malerei, die 1909 begann und in den “Analytischen Kubismus” mündete , der sich dadurch auszeichnet, dass die geometrische und chromatische Zerlegung der Szene durch die Identifizierung von Primärformen und reinen Farben erreicht wird, die mit einer analytisch-induktiven Methode ausgewählt werden, bei der der Betrachter eine intellektuelle Anstrengung unternehmen muss, um das Bild zu betrachten und das Thema zu rekonstruieren, ohne die einfachen Mechanismen des Sehens zu nutzen. Ein weiteres typisches Merkmal des analytischen Kubismus ist die Vereinigung perspektivischer Ebenen auf einer einzigen Bildfläche, wie in Violon et Palette (1909) und The Mandola (1910) zu sehen ist, zwei Gemälden, in denen Braques Vorliebe für Musikinstrumente, mit denen er sich umgab und die er oft porträtierte, um die Schwingungen zu suggerieren, die sie beim Spielen erzeugen, ebenfalls präsent ist.

Die Experimente mit den Volumina führten jedoch zu sehr komplexen Ergebnissen, und Braques Werke aus den Jahren 1909 bis 1911 sind für den Außenstehenden kaum zu entziffern. Ab 1911 begann er daher, Buchstaben und Zahlen in seine Werke einzufügen, um dem Betrachter erkennbare Bezüge zu ermöglichen, wie in Le Portugais (1911). Im folgenden Jahr begann er auch die Technik der Collage zu beherrschen, die er mit der Absicht einsetzte, einen Gegenstand durch die Verfremdung von Formen und Farben zu beschreiben, wie in Frau mit Gitarre (1913), wo die gemalte Oberfläche durch das Einfügen von Zeitungsausschnitten bereichert wird, ein vergängliches und vor allem armes Element, das bewusst als Hinweis auf die Vergänglichkeit der Kunst eingefügt wurde.

In Mann mit Geige von 1912 findet Braques Wunsch, die Vorstellungskraft des Betrachters so anzuregen, dass er Aspekte der Realität wahrnimmt, die sich dem ersten Blick entziehen, seine größte Sublimierung. Diese Methodik entsprach unter anderem auch den Fortschritten der Wissenschaft und insbesondere der Physik, indem sie die Mechanismen und Aspekte hervorhob, die nicht sofort sichtbar sind. Es ist klar, dass diese Art der Analyse in der Malerei von Braque eine nicht-objektive Richtung einnimmt, da die genaue Absicht darin besteht, ein ästhetisches Ideal des gewählten Themas darzustellen. So ist es nicht unmittelbar möglich, alle Elemente des Gemäldes genau zu identifizieren, zum Beispiel gibt es auch Partituren am unteren Rand, die nur durch die Linien des Notensystems ohne Noten angedeutet werden.

Nach seiner Rückkehr aus dem Ersten Weltkrieg beginnt Braque unabhängig zu arbeiten, entwickelt einen persönlicheren Stil und verwendet wieder leuchtende Farben, bis hin zur Wiedereinführung der menschlichen Figur, insbesondere nach seinem Umzug an die Küste der Normandie. Es handelt sich um einen Kubismus, der als “kurvenreich” definiert wird, der jedoch während der verschiedenen “Oszillationen” des Figurativismus von Braque immer präsent sein wird. 1922 bis 1929 nähert er sich der natürlichen Form der Gegenstände an, um sich 1930 wieder von ihr zu entfernen und 1940 wieder an sie heranzukommen. Die Serien Ateliers (1948-1955) und Vögel (1955-1963), Der Krug und der Fisch (1941) und Der Billardtisch (1943) stammen aus dieser Zeit. In dieser Zeit schuf er auch einige dekorative Werke wie die Skulptur der Tür des Tabernakels der Kirche in Assy im Jahr 1948 oder die Dekoration der Decke des etruskischen Saals im Louvre-Museum von 1952 bis 1953.

Wo man die Werke von Braque sehen kann

Das Werk von Braque ist sehr umfangreich und umfasst mehrere Versionen desselben Themas. Im Folgenden werden die bekanntesten und berühmtesten Werke aufgeführt, die eine wichtige Etappe in seinem malerischen Schaffen darstellen. In Frankreich, dem Heimatland des Malers, wird der größte Teil der Werke im Centre Pompidou in Paris aufbewahrt, dem Ausstellungsraum, in dem die meisten Werke der französischen Avantgarde(Impressionisten, Kubisten usw.) gezeigt werden. Dazu gehören das Stillleben mit Geige (1913), zahlreiche Gemälde in L’Estaque, der Grand nou (1907) und viele andere. Ebenfalls im Centre Pompidou zu sehen sind L’Olivier in L’Estaque (1905-06), Der Krug (1941) und Das Billardspiel (1943) sowie weitere Werke. Im Louvre-Museum befindet sich dagegen das Stillleben mit einer Flasche (1910-11).

In anderen europäischen Ländern sind Werke von Braque in der Schweiz zu finden, darunter Case all’Estaque (1908), eines der berühmtesten Gemälde von Braque, das im Kunstmuseum Bern aufbewahrt wird, und auch der Mann mit Geige (1912), der sich in Zürich in der Stiftung E. G. Bührle befindet.G. Bührle-Stiftung in Zürich befindet; wir finden auch Werke in Deutschland, darunter Der Olivenbaum (1907) im Museum Folkswang in Essen und Le Portugais (1911) im Kunstmuseum in Basel; und schliesslich in Prag, wo sich Violine und Klarinette (1912) zusammen mit anderen Stillleben in der Nationalgalerie befindet.

Es gibt auch mehrere Werke in den Vereinigten Staaten, wie Der Hafen von La Ciotat (1907) in New Orleans im Art Museum und Violon et Palette (1909) im Guggenheim Museum in New York. In den beiden wichtigsten Museen in New York, dem MoMa - Museum of Modern Art und dem Met - Metropolitan Museum of Art, befinden sich u. a. Mann mit Gitarre (1912) im MoMa, während Frau mit Obstkorb (1923) und Stillleben mit Gitarre auf einem Sockel (1924) im Met zu sehen sind.

Auch in Italien gibt es zahlreiche Werke von Braque: in Mailand im Museo del Novecento befindet sich Port miou (1907); in Rom ein Stillleben mit einer Klarinette, einem Fächer und einer Tra ube in der GNAM - Galleria Nazionale di Arte Moderna und schließlich in Venedig Die Klarinette (1912) und Obstschale mit Trauben (1926) in der Peggy Guggenheim Collection.

Georges Braque, Leben, Werk und Stil des großen kubistischen Malers

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