Naturalismus im 17. Jahrhundert, von Carracci bis Caravaggio. Ursprünge und Entwicklung

Gegen Ende des 16. Jahrhunderts begann sich eine Bewegung zu entwickeln, die stark auf die manieristische Virtuosität reagierte. Diese Bewegung ging von drei großen Bologneser Malern aus, die im späten 16. und frühen 17. Jahrhundert wirkten, den Carracci, nämlich den Brüdern Agostino (Bologna, 1557 - Rom, 1602) und Annibale (Bologna, 1560 - Rom, 1609) und ihrem Cousin Ludovico (Bologna, 1555 - Rom, 1619). Carracci ging davon aus, dass die Kunst zu jener Zeit einen übertriebenen Intellektualismus erreicht hatte, der den Grundprinzipien der Kunst selbst zuwiderlief, nämlich derEinhaltung der natürlichen Wahrheit und der Leichtigkeit des Lesens: zwei Eigenschaften, die mit dem für die manieristische Kunst typischen Übermaß an Raffinesse (die oft in Bizarrerie mündete) verloren gegangen waren.

Die Krise des Manierismus erreichte ihren Höhepunkt in der Zeit der Gegenreformation (in der Tat wurde Carraccis Schaffen oft mit gegenreformatorischen Ereignissen in Verbindung gebracht): In Bologna hatte Kardinal Gabriele Paleotti 1582 seinen Discorso intorno alle immagini sacre e profane (Diskurs über heilige und profane Bilder ) gedruckt, der in den Künstlerkreisen der Stadt große Resonanz fand. Dies waren die Voraussetzungen, die zur Gründung derAccademia dei Carracci führten, mit der die drei Künstler die Institution der künstlerischen Werkstatt reformieren wollten, deren eher unternehmerische als pädagogische Logik noch aus dem Mittelalter stammte. Im Jahr 1582 war bereits dieAccademia degli Incamminati in Betrieb (das genaue Gründungsjahr ist nicht bekannt), die von den Carracci hauptsächlich auf Initiative von Ludovico gegründet worden war. Die Akademie trug verschiedene Namen (“del Naturale” und “dei Desiderosi”), die jedoch alle auf dasselbe Ziel hinwiesen, nämlich die Schüler auf den Weg der naturalistischen Darstellung zu führen. Und diese Darstellung lehnte die für den Manierismus typische Nachahmung ab, sondern stützte sich auf das Studium der Natur, ohne dabei das Studium der großen Meister zu vernachlässigen. Die Carracci-Akademie unterscheidet sich auch in einem anderen Aspekt von den zeitgenössischen und früheren Werkstätten: Sie ist nämlich als echte Schule organisiert, in der neben der Maltechnik auch Elemente der Literatur, der Philosophie, der Wissenschaft und der Geometrie erlernt werden, denn der Künstler muss nach Ansicht der Carracci ein vollkommener Intellektueller sein und über eine solide theoretische Ausbildung verfügen.

Carracci-Naturalismus

Ludovico Carracci war derjenige der drei Maler, der am stärksten die Erfordernisse der Gegenreformation spürte und von den Abhandlungen über die sakralen Bilder tief beeinflusst wurde: Indem er die Regeln des neuen Naturalismus auf die religiöse Malerei anwandte, gelang es ihm, seinen Figuren eine tiefe Menschlichkeit zu verleihen, mit einem fast volkstümlichen Geschmack, der für eine Kunst geeignet war, die sich an ein breites Publikum richtete, eine stark andächtige Kunst, die in der Lage war, beim Betrachter Gefühle der Frömmigkeit und Religiosität zu wecken (siehe die Pala Bargellini, 1588, Bologna, Pinacoteca Nazionale). Ähnliche Ergebnisse (jedoch mit deutlicheren erzählerischen und beschreibenden Tönen) erzielte die Kunst von Agostino Carracci, der der am wenigsten produktive (und wahrscheinlich am wenigsten begabte) Künstler war, da seine Rolle hauptsächlich die eines Theoretikers und Kunstwissenschaftlers war.

Die höchste Stufe des Naturalismus erreichte Annibale Carracci: In seiner Kunst fehlte es neben den typischen Themen der Religion und der Mythologie nicht an bescheidenen Sujets aus dem Alltagsleben, denen der Bologneser Maler durch seinen forschenden Blick, der auf eine getreue Darstellung der Wirklichkeit bedacht war, künstlerische Würde zu verleihen wusste. In der Tat war er unter den Carracci-Malern der einzige, der über die traditionellen Themen hinausging und eine Malerei mit sehr revolutionären Zügen vorschlug, der es jedoch nicht an einer sehr spezifischen Grundlage fehlte, denn Annibale Carracci studierte die Werke von Correggio, den lombardischen Realisten und den venezianischen Malern wie Tizian und Tintoretto, wobei er die Farbe bzw. das Licht der beiden letzteren studierte.

Annibale Carracci gilt in Italien als Begründer der so genannten Genremalerei, d. h. einer Malerei, die einfache oder volkstümliche Sujets in ihrer alltäglichen Realität darstellt (wie in Bottega del macellaio, um 1585, Oxford, Christ Church Picture Gallery), und die sich zu dieser Zeit in denNiederlanden ausbreitete. Im Gegensatz zu den Niederländern zeigt Annibale Carracci jedoch keine allegorischen, moralischen oder satirischen Absichten, wie sie für flämische Genreszenen oft charakteristisch sind. Dennoch bediente sich Annibale Carracci in seinen offiziellen Kompositionen eines Klassizismus, den er in völlig neuer Form wieder aufgreifen konnte und der die Grundlage für die Entstehung des Klassizismus des 17. Jahrhunderts bildete, der seinen größten Ausdruck zwischen Rom und Bologna fand, einem der wichtigsten künstlerischen Pole Italiens im 17.

Der Realismus von Caravaggio

Der Künstler, der völlig mit der Tradition brach und alle Malschemata durcheinanderbrachte, war jedoch Michelangelo Merisi, genannt Caravaggio (Mailand, 1571 - Porto Ercole, 1610). Caravaggio wurde aufgrund seiner Ausbildung in der Lombardei und seines Studiums der Werke venezianischer Künstler von demselben Wunsch wie die Carracci nach einer naturalistischen Darstellung der ihn umgebenden Wirklichkeit bewegt. Allerdings dehnte der Künstler dieses Bestreben auch auf die religiöse Malerei aus, und zwar in dem Sinne, dass die einfachsten Charaktere des damaligen Roms (wo Caravaggio arbeitete), wie Bürgerliche und Prostituierte, zu Modellen für Heilige und Madonnen wurden (z. B. in Der Tod der Jungfrau, 1604, Paris, Louvre: es scheint, dass die Figur der Madonna von einer Prostituierten inspiriert ist, die in den Gewässern des Tibers in Rom ertrunken ist), so dass der Künstler oft unter der Ablehnung seiner Werke durch seine Mäzene zu leiden hatte. Der Unterschied zwischen Caravaggio und Annibale Carracci (einem Künstler, den Caravaggio offen schätzte) bestand vor allem darin, dass der Bologneser, wie bereits erwähnt, in seinen offiziellen Werken klassizistische, wenn auch innovative Schemata verfolgte, während Caravaggio seine Innovationskraft auch in Gemälde einbrachte, die er für öffentliche Aufträge schuf (wie in Das Martyrium des heiligen Matthäus, 1600-1601, Rom, San Luigi dei Francesi). Darüber hinaus war Annibale Carracci in seinen Genreszenen an einer objektiven Untersuchung interessiert, während Caravaggio seinen Themen nicht nur einen sorgfältigen Realismus, sondern auch eine hohe dramatische Aufladung verlieh. Diese unglaubliche Kombination aus Realismus und Dramatik machte Caravaggios Werk höchst innovativ und vermag auch heute noch ein breites Publikum anzusprechen.

Bei Caravaggio wurde die Religion von der Idealisierung befreit, die sie immer ausgezeichnet hatte, und trat stattdessen in eine alltägliche Dimension ein, in der sich jeder Betrachter wiedererkennen konnte: Die Gefühle der Figuren, die der sakralen Sphäre angehören (Engel, Apostel, Heilige, Madonnen), wie Erstaunen, Verzweiflung, Schmerz, wurden aus dem Leben studiert und waren die des einfachen Volkes, der Armen der Zeit, die so in eine Art von Kunst eintraten, die sich dem Anstand verweigerte, den die Carracci immer einhielten. Caravaggio konnte die Verwendung des Lichts erneuern, das realistischer als je zuvor wurde: In Gemälden, die von einer dunklen und düsteren Atmosphäre geprägt waren, konstruierte das Licht die Formen, die oft auch eine erhöhte symbolische Bedeutung erlangten, insbesondere wiederum in Gemälden mit einem religiösen Thema (zum Beispiel in der Berufung des heiligen Matthäus, 1599, Rom, San Luigi dei Francesi, betont das Licht die Berufung des Matthäus durch Christus). Die dramatische Aufladung der Werke Caravaggios wurde in den letzten Jahren seiner künstlerischen Laufbahn noch verstärkt, als er sich in verschiedene Teile Italiens begeben musste, um einem Todesurteil wegen Mordes zu entgehen. Dieses gequälte Leben nährte nicht nur das Klischee des verfluchten Künstlers, das heute eine große Faszination auf das Publikum ausübt, sondern führte auch zu einer stark gequälten Kunst mit erhöhten pathetischen Tönen(David mit dem Kopf des Goliath, 1609-1610, Rom, Galleria Borghese).

Frühe Interpreten von Caravaggios Sprache

Diese explizit revolutionäre Kunst fand sofort eine große Resonanz in ganz Italien und darüber hinaus (die in Rom anwesenden ausländischen Künstler, vor allem Franzosen und Niederländer, “exportierten” die Innovationen Caravaggios), und die beiden originellsten und brillantesten Interpreten von Caravaggios Lehre waren sicherlich Orazio Gentileschi (Pisa, 1563 - London, 1639), der auch ein persönlicher Freund Caravaggios war, und Bartolomeo Manfredi (Ostiano, 1582 - Rom, 1622). Der aus der Toskana stammende Orazio Gentileschi wurde im Manierismus seiner Heimat ausgebildet, hielt sich aber in Rom, wo er mit Caravaggio in Kontakt kam, zunächst streng an dessen Vorgaben. Dann aber, im Lichte sorgfältigerer Überlegungen, konnte er sie in eleganteren und raffinierteren Formen ablehnen, die seiner Ausbildung entsprachen.

Orazio Gentileschi war ein viel sensiblerer Maler als Caravaggio (aber auch viel kälter: die dramatische Aufladung Caravaggios ist bei Gentileschi stark abgeschwächt, ja fast völlig abwesend), und diese Sensibilität schlug sich in einem delikateren Caravaggismus nieder, der sich durch klare Farben und eine große beschreibende Akribie auszeichnet, die ihren Höhepunkt in der Darstellung von Stoffen erreicht (ein für Gentileschis Kunst spezifischer Zug, zu dem seine toskanische Ausbildung beitrug). Alles Eigenschaften, die wir zum Beispiel in der Verkündigung (1623) wiederfinden. Gegen Ende seiner Laufbahn hielt sich Orazio Gentileschi zunächst in Genua auf (wo er einen bemerkenswerten Impuls für die Entwicklung und Aktualisierung der dortigen Schule gab) und arbeitete dann an den Höfen von Paris und London: seine Kunst wurde noch raffinierter und das für Caravaggio typische Licht erreichte bei ihm eine solche Reinheit und Kälte, dass die Ergebnisse außergewöhnlich klar waren(Die Auffindung des Moses, 1633, Madrid, Prado).

Von einem anderen Temperament war Orazios Tochter Artemisia Gentileschi (Rom, 1593 - Neapel 1653): ein sehr frühreifes Talent, ebenfalls begünstigt durch den Beruf ihres Vaters, zeigte sie einen viel heftigeren und leidenschaftlicheren Charakter, so dass ihre Interpretation von Caravaggio in die entgegengesetzte Richtung zu der ihres Vaters ging, und zwar in dem Maße, dass Artemisias Werke eine unglaubliche Ladung von Pathos aufweisen, die Orazios Kunst unbekannt war. Auf dieses Drama, das oft in brutaler Gewalt endete(Judith enthauptet Holofernes, 1612, Neapel, Museo Nazionale di Capodimonte), hatten die persönlichen Schicksalsschläge der jungen Künstlerin, die in einer Zeit leben musste, in der die Rolle der Frau in der Gesellschaft nur eine marginale Rolle spielte, sicherlich einen erheblichen Einfluss, in einem Umfeld, dem der Künstler, das überwiegend von Männern dominiert wurde, und in einer Stadt, Rom zu Beginn des 17. Jahrhunderts, in der das Leben für ein junges Mädchen, das nicht zu den oberen Rängen der Gesellschaft gehörte, alles andere als einfach war.

Bartolomeo Manfredi gab stattdessen eine Deklination des Caravaggismus in heitereren Worten. Als Künstler mit einer Vorliebe für Genreszenen entwickelte er einen eigenen Stil, der als Manfrediana methodus " bekannt wurde, ein Begriff, der 1675 von dem deutschen Maler und Kunsthistoriker Joachim Sandrart geprägt wurde. Die Manfrediana-Methode basierte auf der Verwendung von Genreszenen, die meist aus einfachen und volkstümlichen Verhältnissen stammten, denen jedoch Caravaggios Dramatik fehlte: Die Fähigkeit, menschliche Gefühle tadellos zu beschreiben, diente dazu, auf den Gesichtern der Figuren Gefühle der Heiterkeit und des Frohsinns zu malen, die Caravaggio nicht kannte, und das oft auch in hartem, spöttischem Ton(Tavernenszene, um 1620, Los Angeles, County Museum of Art). Die Manfredi-Methode wurde außerhalb Italiens besonders geschätzt, und zwar so sehr, dass sie in Frankreich (mit Künstlern wie Valentin de Boulogne, Georges de la Tour und Simon Vouet, die auch in Italien tätig waren) und in Holland (wo der größte Vertreter der Caravaggio-Malerei Gerrit van Honthorst war, der wegen seiner Fähigkeit, raffinierte und stimmungsvolle Nachtstücke zu schaffen, als Gherardo delle Notti italienisiert wurde) eine große Anhängerschaft fand.

Zu den originellsten Vertretern der Malerei Caravaggios gehören schließlich auch Orazio Borgianni (Rom, 1578 - Rom, 1616) und Giovanni Serodine (Ascona, 1594 - Rom, 1630). Ersterer kehrte von einem einzigartigen Aufenthalt in Spanien zurück, wo er die Kunst eines Malers wie Dominikos Theotokopoulos, genannt El Greco, kennengelernt hatte, und fügte der Lektion Caravaggios den visionären Charakter hinzu, der für die Malerei von El Greco typisch ist (wie in St. Charles Borromeo, 1611-1612, Rom, San Carlo alle Quattro Fontane), während der Tessiner Serodine vor allem über die dramatischen Effekte der Kunst von Michelangelo Merisi nachdachte und eine erstaunlich realistische Ader in der Darstellung der Figuren und ihrer Stimmungen sowie eine geschickte Dosierung der Lichteffekte zeigte(Christus unter den Ärzten, um 1625, Paris, Louvre).

Naturalismus im 17. Jahrhundert, von Carracci bis Caravaggio. Ursprünge und Entwicklung

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