Hans Hartung und die Musik, der Dialog zwischen Malerei und Klang, zu sehen in Venedig

Die Fondazione Querini Stampalia in Venedig zeigt bis zum 13. September 2026 die Ausstellung L’accordo invisibile. Hans Hartung und die Musik, ein umfassendes Ausstellungsprojekt, das Hans Hartung (Leipzig, 1904 - Antibes, 1989), einem der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts, und seiner Beziehung zur Musik gewidmet ist. Jahrhunderts und seiner Beziehung zur Musik gewidmet. Die von Thomas Schlesser kuratierte und von der Fondazione Querini Stampalia und der Fondazione Hartung-Bergman in Zusammenarbeit mit Perrotin präsentierte Ausstellung findet in den Räumen des historischen venezianischen Palazzo in Campo Santa Maria Formosa statt. Die Ausstellung ist Teil des Begleitprogramms der 61. Internationalen Kunstausstellung der Biennale von Venedig und lenkt die Aufmerksamkeit auf einen wesentlichen, aber wenig erforschten Aspekt der Figur Hans Hartung: seine tiefe und konstante Beziehung zur Musik. Eine Verbindung, die den Künstler sein ganzes Leben lang begleitete und die sein bildnerisches Schaffen entscheidend beeinflusste und den Charakter seiner abstrakten Forschung mitbestimmte.

Auch die Wahl von Venedig hat in der Biografie des Künstlers eine besondere Bedeutung. In der Lagunenstadt erhielt Hartung nämlich eine der bedeutendsten Auszeichnungen seiner Karriere, den Großen Internationalen Preis für Malerei der Biennale 1960, der seinen internationalen Ruhm endgültig begründete. Die Ausstellung versammelt fast achtzig Werke, darunter Gemälde, Archivdokumente, Fotografien, Arbeitsmittel und audiovisuelles Material, und bietet eine noch nie dagewesene Interpretation des kreativen Weges des in Deutschland geborenen und in Frankreich eingebürgerten Künstlers. Das Projekt zielt darauf ab, dem Klang und dem Hören wieder den zentralen Platz in Hartungs täglichem Leben und seinem kreativen Universum einzuräumen und eine Landschaft aus Energien, Gesten, Rhythmen und Resonanzen zu rekonstruieren, die sich durch seine gesamte Produktion zieht.

Für Hartung war die Musik nicht einfach nur eine Begleitung seiner Arbeit. Sie war eine ständige und notwendige Präsenz. Der Künstler, der in seiner Jugend Pianist und Tänzer war, entwickelte im Laufe der Jahre eine regelrechte Klangbesessenheit, die so weit ging, dass er die Stille nicht ertragen konnte. Ein aussagekräftiges Zeugnis stammt aus einem Brief von Pierre Soulages aus dem Jahr 1948, in dem er einen Mann beschreibt, der ohne ständige Musik weder arbeiten noch sich ausruhen konnte. Das Radio war ständig eingeschaltet und Musik begleitete jeden Moment des Tages.

Dieses ständige Eintauchen in die Welt des Klangs spiegelt sich unweigerlich in seiner Malerei wider. Obwohl seine Werke keine expliziten musikalischen Elemente enthalten, scheinen sie von Rhythmen, Harmonien, Spannungen und Impulsen durchdrungen zu sein, die die beim Hören entstehenden Empfindungen in Bilder zu übersetzen scheinen. Die Bildflächen werden so zu Orten, an denen sich Energien verdichten, die mit denen einer musikalischen Komposition vergleichbar sind.

Eine systematische Theorie des Verhältnisses von Klang, Form und Farbe hat Hartung nie ausgearbeitet. Im Gegensatz zu Künstlern wie Wassily Kandinsky oder Arnold Schönberg, die sich dem Thema aus einer theoretischen und synästhetischen Perspektive näherten, blieb seine Beziehung zur Musik im Wesentlichen körperlich, direkt und intuitiv. Für ihn war die Musik kein Gegenstand der intellektuellen Reflexion, sondern eine notwendige Bedingung für das künstlerische Schaffen. In der Tat betrachtete der Künstler die Malerei und das Leben als untrennbare Elemente: Die Freude am Leben fiel mit der Freude an der Malerei zusammen, und die Musik stellte den Motor dar, der beide antreiben konnte. In dieser Perspektive erhält der schöpferische Akt eine fast lebenswichtige Dimension, die durch ständiges Hören und emotionale Beteiligung an der Sprache der Musik aufrechterhalten wird.

Die Ausstellung geht von den Ursprüngen dieser Leidenschaft aus und zeigt Dokumente und frühe Werke, die von Hartungs frühem Interesse an der Welt der Klänge zeugen . Mögliche Analogien zwischen einigen Verfahren seiner abstrakten Malerei und den kompositorischen Mechanismen der Musik werden analysiert und es wird aufgezeigt, wie bestimmte visuelle Strukturen mit den Prinzipien der Orchestrierung und der musikalischen Konstruktion angegangen werden können. Die Ausstellung geht auch auf die ideellen Beziehungen zwischen Hartungs Werk und grundlegenden Figuren der Musikgeschichte wie Johannes Brahms und Karlheinz Stockhausen ein und zeigt Affinitäten auf, die sowohl die formale als auch die emotionale und wahrnehmende Dimension betreffen.

Besondere Aufmerksamkeit wird den Komponisten gewidmet, die das Werk des Künstlers konkret begleitet haben. Dazu gehören die großen Meister des Barock, von Johann Sebastian Bach über Georg Friedrich Händel bis Antonio Vivaldi. Die Töne der Goldberg-Variationen, der Sarabande oder der Vier Jahreszeiten erklangen regelmäßig in seinem Atelier, während er mit Pinseln, Lithographiewalzen oder für die künstlerische Praxis adaptierten technischen Instrumenten malte.

Neben den großen Klassikern interessierte sich Hartung auch für moderne und zeitgenössische Autoren. Lili Boulanger, Pierre Boulez und Philip Glass gehörten zu seinen regelmäßigen Klangfrequenzen und trugen zu einer Sensibilität bei, die offen für die Transformationen der Musiksprache des 20. Einer der wichtigsten Aspekte der Ausstellung ist der Dialog zwischen der Produktion des Künstlers und dem kulturellen Klima der 1960er Jahre. In diesem Zusammenhang taucht die kosmopsychedelische Dimension auf, die jenes Jahrzehnt kennzeichnete und nicht nur in der bildenden Kunst, sondern auch in der internationalen Rockszene Entsprechungen fand. Daraus ergibt sich der ideale Bezug zu Klangwelten, die bis zu Pink Floyd reichen und als Teil einer kulturellen Konstellation evoziert werden, die mit einigen der in der Malerei des Künstlers vorhandenen Spannungen in Dialog treten kann.

Die Ausstellung bewegt sich auch in Richtung einer Reflexion über das Thema der Stille, die als notwendiges Gegenfeld zur Klangdimension betrachtet wird. Ein besonders wichtiges Thema für einen Künstler, der sein Leben in der Musik verbracht hat und für den das Zuhören ein unverzichtbarer Bestandteil seiner kreativen Praxis ist. Die Ausstellung ermöglicht es uns auch, durch die Präsentation einiger Originalinstrumente aus seinem Atelier konkret inHartungs kreative Werkstatt einzutreten. Diese Instrumente sind mit der Welt der Musikinstrumente verwandt und verdeutlichen, wie die Geste des Künstlers als eine Art Performance interpretiert werden kann, ein performativer Akt, bei dem der Körper Spuren auf der Bildoberfläche mit einer Intensität erzeugt, die mit der einer musikalischen Aufführung vergleichbar ist.

Ergänzt wird die Ausstellung durch Archive, historische Dokumente und audiovisuelle Materialien, die es erlauben, die Beziehung zwischen Künstler und Klang weiter zu erforschen. Dazu gehören Filme, in denen Musiker, Komponisten, Performer und Choreographen, darunter Barbara Carlotti und Rodolphe Burger, eingeladen werden, über Hartungs kulturelles und künstlerisches Erbe zu reflektieren.

Anmerkungen zum Künstler

Der 1904 in Leipzig geborene und 1989 in Antibes gestorbene Hans Hartung gilt als eine der zentralen Figuren der europäischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Seine Karriere begann bereits in jungen Jahren. Bereits 1922, als er erst achtzehn Jahre alt war, schuf er eine Reihe von abstrakten Aquarellen, die sich durch eine erstaunliche Ausdrucksstärke auszeichnen, obwohl er mit den Theorien Kandinskys noch nicht vertraut war. Von diesem Moment an beginnt ein fast siebzigjähriger Weg, der von ständiger technischer und formaler Forschung geprägt ist. Obwohl er oft als Hauptvertreter der gestischen, lyrischen und emotionalen Malerei dargestellt wurde, weist sein Werk eine zutiefst rationale Komponente auf. Von Anfang an interessierte sich Hartung für die Beziehung zwischen Kunst und Mathematik und entwickelte eine Forschung, in der Spontaneität und Kontrolle in einem ausgewogenen Verhältnis zueinander stehen.

Zwischen den 1930er und dem Ende der 1950er Jahre schuf der Künstler zunächst kleinformatige Arbeiten auf Papier, die er später durch ein präzises, auf der Verwendung von Rastern basierendes System der Vergrößerung auf große Leinwände übertrug. Diese Methode zeugt von einer strengen Gestaltungsstruktur, die sich oft hinter der scheinbaren Unmittelbarkeit des Zeichens verbirgt.

Ein entscheidender Wendepunkt kam in den 1960er Jahren. Nach seiner Anerkennung auf der Biennale von Venedig 1960 gab Hartung das Verfahren des Bildtransfers nach und nach auf und begann, direkt auf der Leinwand zu arbeiten. Gleichzeitig entwickelt er neue Techniken und experimentiert mit innovativen Materialien wie schnell trocknenden Acryl- und Vinylfarben, wobei er Kratz-, Gravur- und Sprühverfahren einführt. Die technologische Forschung wird zu einem integralen Bestandteil seiner Arbeit. Der Künstler entwirft und kreiert zahlreiche persönliche Werkzeuge, die es ihm ermöglichen, die Ausdrucksmöglichkeiten der malerischen Geste weiter zu erweitern. Das Streben nach einem Gleichgewicht zwischen Spontaneität und Perfektion wird bis zu seinen letzten Lebenstagen eine Konstante in seinem Schaffen bleiben.

Selbst in seinen letzten Lebensjahren, die er in dem von ihm selbst entworfenen Atelierhaus in Antibes verbringt, malt Hartung mit außergewöhnlicher Intensität weiter und schafft einige der radikalsten Werke seiner Karriere. Seine Forschung entwickelte sich ständig weiter und bewahrte sich jene Kombination aus Energie, Strenge und Freiheit, die ihn zu einer der bedeutendsten Persönlichkeiten der internationalen abstrakten Kunst machte.

Hans Hartung und die Musik, der Dialog zwischen Malerei und Klang, zu sehen in Venedig

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