Im Atelier von Massimiliano Pelletti: das lebendige Gedächtnis von Stein und Skulptur als wiederauflebende Zeit

In der langen Zeit der westlichen Bildhauerei verschwinden die Formen nie ganz. Sie ändern ihren Zustand, ihr Material, ihren Kontext, tauchen aber immer wieder als Spuren einer Erinnerung auf, die sich nicht in einem einzigen Bild fixieren lässt. Unter diesem Gesichtspunkt scheint der Bezug zu Mnemosyne, der Personifizierung des Erinnerns und Mutter der Musen nach Hesiod, fast unvermeidlich: Die Form scheint ein Engramm zu enthalten, eine Sedimentierung, die Sprachen und Zeitalter überdauert. Ausgehend von dieser Überlegung haben die griechischen Statuen der klassischen und hellenistischen Epoche seit ihrem Auftauchen im 5. Jahrhundert v. Chr. einen vielschichtigen Wandel erfahren, der durch ständige Verlagerungen, Restaurierungen, Fragmentierungen, Wiederverwendungen und Kopien gekennzeichnet ist, bis zu ihrer Zerstreuung in versunkenen Wracks oder ihrer Wiederentdeckung in der Neuzeit in den großen Zentren des Mittelmeerraums.

Innerhalb dieses diskontinuierlichen Flusses erscheint die Skulptur als ein Organismus, der die Zeit akkumuliert. Sie ist kein stabiles Element. Genau in dieses empfindliche Gleichgewicht von Bewahrung und Veränderung fügt sich das Werk von Massimiliano Pelletti (Pietrasanta, 1975) ein, einem Künstler, der seit jeher eng mit der antiken Geschichte, derArchäologie und der Geologie verbunden ist - Bereiche, die seine Forschung und sein formales Universum nähren. Seine Praxis ist geprägt von einer Reflexion über das materielle Gedächtnis der Formen und ihre ständige Überarbeitung, so als ob die Werke von einer mnestischen Spannung berührt würden.

“Seit meiner Kindheit habe ich eine starke Leidenschaft für das Antike, für alte Dinge, für die vergangene Zeit. Ich war schon immer ein eher nostalgischer Mensch und habe eine natürliche Vorliebe für Geschichte, für alles, was eine Erinnerung bewahrt”, erzählt die Künstlerin. “In meiner Arbeit geht es mir weniger um das Spektakuläre, sondern eher um die Poesie. Ich möchte, dass die Person, die vor einem Werk steht, diese Dimension wahrnimmt und eine tiefe, emotionale Beziehung aufbaut, die nicht nur auf dem unmittelbaren Staunen beruht”.

Von Kindheit an kam Pelletti in der Werkstatt seiner Familie mit der Marmorverarbeitung in Berührung, wo er von seinem Großvater die traditionellen Techniken erlernte. Seine ersten Skulpturen entstanden aus der Verwendung von Marmor, einem Material, das eine Identität der Heimat des Künstlers darstellt und als zentrales Element in seinem formalen Aufbau verwendet wird. In der Anfangsphase ist die bildhauerische Sprache mit einer direkten manuellen Fertigkeit verbunden, die noch tief mit der lokalen Tradition der Steinbearbeitung verbunden ist. In der Folgezeit erweiterte sich sein Untersuchungsfeld allmählich auf die Verwendung von Quarz, Onyx, Kalkstein und anderen Gesteinen, d. h. Steinen, die in der Bildhauerei selten verwendet werden. Die Hinwendung zu anderen Gesteinen im Vergleich zum weißen Marmor der Apuanischen Alpen führt zu einer Veränderung, die sich immer mehr der geologischen Variabilität der natürlichen Materialien öffnet. Pelletti bearbeitet das einzelne Gesteinselement als potenzielles Interventionsfeld und begrüßt das, was die Natur ohne vorher festgelegte Hierarchien schenkt, als ob er in dem Material eine Urkraft erkennen würde, die auf Gaia, die Urmutter der Erde und Erzeugerin aller Naturelemente, verweist.

Seine Praxis entwickelt sich durch eine strenge und doch experimentelle Komposition, in der die Materie mit fast kompositorischer Aufmerksamkeit behandelt wird, ohne auf das Unerwartete, das sie enthält, zu verzichten. Das Gleichgewicht zwischen Kontrolle und Offenheit findet eine Referenz in einem Kern traditioneller Modelle: eine Sammlung von Gipsabgüssen klassischer Skulpturen, die er von seinem Großvater geerbt hat und die die Verbindung zur Geschichte der Darstellung und der akademischen Weitergabe von Formen lebendig hält. Innerhalb dieses Systems ist sein Atelier als ein Ort konfiguriert, an dem sich das Gedächtnis der Skulptur auf verschiedenen Ebenen manifestiert. Eine umfangreiche Sammlung von Gipsabgüssen, darunter die Drei Grazien, die Venus Italica, Michelangelos majestätische Pieta oder derApollo von Belvedere, nimmt den Raum mit heterogenen Themen und Dimensionen ein und stellt eine Art dreidimensionalen Atlas der klassischen und Renaissanceformen dar. Die Präsenz der Sammlung hat einen besonderen Stellenwert. Pelletti erklärt mir in seinem Atelier, dass es heutzutage immer schwieriger wird, Sammlungen von Gipsabgüssen zu finden, die in ihrer Gesamtheit erhalten sind.

Wir können die Gipsabgüsse des Künstlers daher als Gedächtnisstützen betrachten . Alle Abgüsse bewahren eine Spur, eine Passage, eine Verwandlung, eine Metamorphose, die auf die lange Geschichte des Kopierens und der Variation verweist. In diesem Sinne wird das Atelier zu einem Archiv von Engrammen, verstanden als Abdrücke, die das Material prägen und seine Wahrnehmung strukturieren. Im Fall der Gipsabgüsse des Künstlers ist das Engramm eine Überlagerung von Prozessen, das Überbleibsel einer Kontinuität, die sich in der Form manifestiert.

Neben dieser Dimension entwickelt sich die Arbeit des Künstlers in seinem Atelier durch eine ständige Neuinterpretation der klassischen Skulptur, deren Formen und Ikonographie er wieder aufnimmt, um sie durch eine neue Materialsprache wiederherzustellen. Wie bereits erwähnt, werden antike Statuen durch eine breite Verwendung von Materialien aus verschiedenen geografischen und geologischen Kontexten neu interpretiert. Die verwendeten Steine stammen aus einem weltweiten Netzwerk, das Südamerika umfasst, wie im Fall derVenus Blue (2025, Sodalith, weißer Marmor, Malachit und Bronze) und Broken White (2023, mexikanischer weißer Onyx), aber auch Asien, Europa und den Nahen Osten, aus dem der rosa Onyx für den Lancellotti Discus von 2024 stammt. Die Materialien gehören verschiedenen Mineralienfamilien an, die sich oft nur schwer eindeutig zuordnen lassen.

Pellettis Forschung reflektiert, wie Steine kulturell definiert und verortet werden. Für die Künstlerin hat der Stein keine feste und neutrale Identität, sondern er erwirbt sie in den Kontexten, in denen er zirkuliert und interpretiert wird. Es ist die Zeit, die die Identität und das Gedächtnis des Materials formt, so als ob Gaia selbst in ihrer ursprünglichen Dimension durch die langsamen Transformationen der Erdkruste weiterwirkt. Innerhalb des soeben beschriebenen Systems folgt die Auswahl der Materialien einer Logik, dieUnregelmäßigkeiten bevorzugt. Hohlräume, Brüche, Einschlüsse und chromatische Diskontinuitäten werden als strukturelle Elemente angenommen. DieIdee des Defekts verliert in Pellettis Praxis ihre negative Konnotation und wird als generative Bedingung umgedeutet . Die Unvollkommenheit, wenn wir sie so nennen wollen, wird weder beseitigt noch umgestaltet. Die Materie wird in ihrer Fähigkeit beobachtet, unerwartete Formen hervorzubringen. In diesem Sinne steht auch der monumentale Kopf der Athene im Atelier, den mir der Künstler zeigt und mich einlädt, ihn zu betrachten und zu berühren.

“Ich möchte, dass man die Werke berührt. Wenn jemand darum bittet, sage ich sofort ja, denn ohne die Berührung kann man nicht wirklich verstehen. Es ist eine taktile Angelegenheit: Die Berührung dringt in die visuelle Wahrnehmung ein und vervollständigt sie”, erklärt die Künstlerin.

Neben dieser Dimension steht das Thema der Erosion, das in Werken wie Natural Erosion (2025, erodierter Sedimentmarmor) und Eroded Eros (2023, Bronze) zum Ausdruck kommt, wo die klassischen Köpfe als Ergebnis eines langsamen Transformationsprozesses vom Material selbst aufgezehrt werden. Parallel dazu tritt der Prozess der Materialvielfalt zutage, der in Werken wie Kopf des Herakles (2024, polychromer Onyx), Fusion (2023, mexikanischer weißer Onyx, Sodalith und smaragdfarbener Onyx) und Wavy Venus (2023, weißer und cremefarbener Onyx mit Lapislazuli-Einlagen) deutlich wird. In einigen Fällen werden die Steine durch künstliche Materialien ergänzt, die durch Harze und heterogene Mineraleinlagen gewonnen werden, so dass zusammengesetzte Blöcke entstehen, in denen Elemente unterschiedlicher Herkunft zu einer einzigen Struktur zusammengefügt werden. Dieser Prozess führt eine weitere Ebene der Hybridisierung ein, auf der Natur und Kunst nahtlos ineinander übergehen.

Der bildhauerische Prozess entwickelt sich also aus der Begegnung mit dem Material und nicht aus einem Design oder einem fest definierten Thema. Die endgültige Form des Werks ergibt sich aus der Konfrontation zwischen dem, was der Künstler sich vorstellt, und dem , was der Stein zulässt, und das ist ein grundlegender Aspekt von Pellettis Praxis. In dieser Beziehung nimmt das Material selbst an der Konstruktion des Werks teil und bestimmt dessen Richtung und Struktur. Der Künstler erklärt mir, dass der Stein Möglichkeiten und Grenzen aufzeigt und eine Verbindung herstellt, die Absicht und Widerstand miteinander verbindet. Die Form wird als Ergebnis dieser Verhandlung definiert, ohne jemals einen endgültigen Charakter anzunehmen.

“Die Persönlichkeit des Materials ist immer entscheidend”, sagt Pelletti. “In einigen Fällen wird zum Beispiel eine kristallähnliche Formation, die sich auf einem Block bildet, durch eine archäologische Matrixästhetik gelesen, aber es handelt sich nicht um einen Bruch oder eine Abwesenheit: Es ist eine Präsenz, denn Kristall ist eine Art natürliche Skulptur. In ein und demselben Werk koexistieren die Arbeit des Bildhauers und die der Natur, ohne zu einem eindeutigen Ergebnis zu kommen. Meine Arbeit beginnt nie mit dem Thema. Ich entscheide mich nicht zuerst für eine Figur und suche dann nach dem Material, um sie herzustellen, wie bei Athene oder anderen Modellen. Im Gegenteil, ich beginne immer mit dem Material. Ich suche nach Materialien und wähle sie nach ihren geologischen und morphologischen Eigenschaften aus. Wenn ich auf ein Material stoße, das ich für interessant halte, entsteht ein erster Dialog mit dem Material selbst, bis ich verstehe, in welche Richtung es gehen kann und was es im bildhauerischen Prozess werden kann”.

Das Atelier beherbergt auch eine große Sammlung von Werken, die verschiedene kulturelle Referenzen miteinander verbinden: Griechische Formen werden mit Andeutungen afrikanischer Idole konfrontiert, die manchmal zu hybriden Konfigurationen verschmelzen, wie The Two Graces (2024, pfirsichfarbener Onyx), Tribal Hermes (2023-2025, schwarzer Marquinia-Marmor und grüner Onyx), Mutter Erde (2022-2025, smaragdgrüner Onyx) und Venus mit afrikanischer Maske (2025, Grottenkalkstein und Travertin).

“Mich interessiert die Tatsache, dass es sich um zwei verschiedene Klassizismen handelt, die sich auf verschiedenen Kontinenten entwickelt haben, zusammen mit einem primitiveren Klassizismus, dem afrikanischen, der sich jedoch auf ähnliche Weise manifestiert, jeder mit seinen eigenen Göttern, seinen eigenen Mythen, seinen eigenen Figuren”, fügt der Künstler hinzu. “Ich fand in dieser Mischung ein sehr repräsentatives Zeichen für die kulturelle Kraft der Gegenwart. Ich war daran interessiert, eine Verbindung herzustellen, eine Art neue Darstellung dieser Fetische zu konstruieren, und zwar mit Materialien, die in Wirklichkeit noch nie verwendet wurden”.

Die Oberflächen der Skulpturen weisen somit eine doppelte Spannung auf: Der Präzision, die sich aus dem Studium historischer Vorbilder und der technischen Strenge ergibt, steht eine unregelmäßige Komponente gegenüber, die aus der direkten Konfrontation mit dem Material entsteht. Die Ambivalenz kennzeichnet die gesamte Struktur der Werke, in denen die Zeichen des Transformationsprozesses sichtbar bleiben.

In einigen Fällen scheinen Pellettis Werke aus dem Meer aufzutauchen, als trügen ihre Oberflächen die Zeichen eines langen Aufenthalts in einem untergetauchten Laderaum. Man könnte fast an Damien Hirsts Projekt Treasures from the Wreck of the Unbelievable denken, aber im Gegensatz zu Hirsts imaginären Erzählungen erinnern Pellettis Skulpturen direkter an die archäologischen Funde von Schiffswracks, die Werke von Griechenland nach Italien transportierten. In den späthellenistischen Schiffswracks von Antikythera und Mahdia zeigen die Marmorstatuen eine Duplizität: auf der einen Seite die ideale Vollkommenheit der klassischen Form, auf der anderen Seite die Korrosion durch die Meeresumwelt. Diese Spannung zwischen Ideal und Verfall verleiht diesen Werken eine überraschende Aktualität. Gleichzeitig evozieren Pellettis Skulpturen einen Zustand der Unvollkommenheit, als wären sie vom Künstler aufgrund des inneren Widerstands des Marmors hinterlassen worden. Auf diese Weise entsteht eine doppelte Zeitlichkeit: Werke, die sich noch im Entstehungsprozess befinden und die scheinbar Jahrhunderte der Erosion hinter sich haben, bevor sie erscheinen.

Der Zustand des Schwebens steht in direktem Zusammenhang mit den Überlegungen, die in der Ausstellung VERSUS /// Massimiliano Pelletti im Museo Nazionale Romano, Palazzo Massimo in Rom angestellt werden, wo die Beziehung zur antiken Skulptur auf einem direkten Vergleich und nicht auf einem einfachen Zitat beruht. Die Ausstellung stellt vielmehr eine Verbindung zwischen den Werken der Museumssammlung und den vom Künstler neu geschaffenen Skulpturen her, indem sie zwei Zeitlichkeiten miteinander in Beziehung setzt, die sich gegenseitig beobachten, ohne sich jemals in einer endgültigen Synthese aufzulösen. Es handelt sich um eine Meditation über die Gegenwart, die von einer ständigen Beschleunigung und einer Vorliebe für kurzfristige Aktionen geprägt ist, die auf die Produktion von unmittelbaren und überprüfbaren Ergebnissen ausgerichtet sind. In diesem Zusammenhang führt Pellettis Werk eine Gegenzeitlichkeit ein, die sich der Logik der Dringlichkeit widersetzt und eine langsamere, geschichtete und sedimentäre Dimension reaktiviert, in der die Form für Dauer und Transformation offen bleibt. Die Perspektive verschmilzt mit der Zeit der Skulptur und mit dem materiellen Gedächtnis, das sowohl das Museum als auch das Atelier durchzieht.

In Pellettis Werk nimmt die Erinnerung die Form einer noch arbeitenden Spur an, die in der Materie abgelagert und bewahrt wird. In diesem Rahmen bildet das Engramm einen zentralen Interpretationsschlüssel: ein Fortbestehen von Formen und Informationen, die in der Gegenwart der Skulptur weiterwirken. Das Werk und die Skulptur von Pelletti ist also ein Prozess, der sich in einem ständigen Zustand des Entstehens befindet, und in diesem Schwebezustand entsteht die Möglichkeit einer intimeren Begegnung mit dem Betrachter, der aufgefordert ist, in dem Werk, wie Pelletti sagt, eine Erinnerung zu erkennen, die Emotionen hervorrufen kann.

Der Autor dieses Artikels: Noemi Capoccia

Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.

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