Bertrand Flachot (Paris, 1955) ist ein Künstler, der sich an der Grenze zwischen Fotografie und Zeichnung, zwischen Wort und Form, zwischen dem Sichtbaren und dem Wahrnehmbaren bewegt. Seit mehr als 30 Jahren bewegt sich seine Forschung entlang der Fäden von Erinnerung, Wahrnehmung und Sprache. Seine Werke, die oft die Form großer visueller Kartografien annehmen, gehen von Fotografien aus, die der Künstler mit winzigen Nachzeichnungen, fast unsichtbaren Linien, grafischen Schichtungen durchquert, die das Bild in einen geistigen Ort, in eine Landschaft der Innerlichkeit verwandeln.
Bertrand Flachots Poetik ist eine Poetik des Details, der Spur, der sedimentierten Zeit. Sein Werk ist eine Seismographie des Sensiblen - um es mit seinen Worten zu sagen -, in der die grafische Geste zum Träger der Erinnerung, zum Fragment einer Vision, zu einer emotionalen Vibration wird. Durch einen Dialog zwischen Fotografie, Zeichnung und Schrift komponiert Flachot innere Landschaften, mentale Landkarten , die das Sichtbare überschreiten, um zu dem zu gelangen, was nur mit dem inneren Blick wahrgenommen werden kann.
Seine oft subtilen und fast unsichtbaren Zeichen überlagern das Foto, durchqueren es, formen es und verwandeln es in einem Prozess der Überlagerung und Auslöschung, der Verdeckung und Enthüllung. Das Ergebnis ist ein neues, hybrides Bild, das sich nicht einordnen lässt. In diesen Arbeiten erscheint der fluktuierende Strich, wie Bruno Dubreuil schreibt, wie “eine Art seismografische Unruhe”, eine Linie, die frei über die Leinwand gleitet, unabhängig von der Hand, die sie führt.
Ausgebildet an der École nationale des arts décoratifs in Paris zwischen 1973 und 1978, verkehrte Flachot in Kreisen, die der Körperkunst und der Performance nahestanden, und studierte bei Persönlichkeiten wie Hervé Fischer im Rahmen der École d’art sociologique. Der Einfluss von Künstlern wie Michel Journiac, Hermann Nitsch und Jackson Pollock trug dazu bei, eine Auffassung von Kunst als einer körperlichen, physischen Erfahrung zu entwickeln, in der die Geste dem Sinn vorausgeht und das Werk sowohl im Raum als auch auf der Oberfläche Gestalt annimmt. “Die Entdeckung des Werks von Jackson Pollock”, sagte er in einem Interview mit Gabriele Landi, “war ein wahrer Donnerschlag, der mich von einem Amateurmaler in einen vollwertigen Künstler verwandelte. Ich erinnere mich noch sehr gut daran, wie ich Reproduktionen seiner Zeichnungen und Stiche konsultierte und Hans Namuths Fotografien von ihm in seinem Atelier sah. Dieser Übergang von der Staffeleimalerei zur All-Over-Praxis beschäftigt mich noch heute”.
Von Anfang an arbeitete Flachot mit dem Konzept der Bildinstallation und erforschte unkonventionelle Ausstellungsformen. Seine “gemalten Kuben”, dreidimensionale Strukturen, die die malerische Geste in den Raum einbeziehen, stellen eine grundlegende Etappe seiner Reflexion über die Zeit und die Erinnerung an den kreativen Akt dar. Ein dramatisches Ereignis markiert jedoch einen Bruch in seiner Laufbahn: 1990 zerstört ein Brand das von ihm bewohnte Atelier am Quai de la Seine, wodurch jahrelange Arbeit, Werke und Archive in Schutt und Asche gelegt werden.
Nach dieser Tragödie zieht sich der Künstler in die Landschaft der Seine-et-Marne zurück, an die Orte seiner Kindheit. Diese Rückkehr zu seinen Ursprüngen wird zu einer neuen Phase seiner Forschung, in der die Natur - die Wälder, die Äste, die Brombeeren - zu einem privilegierten Observatorium für das Studium des Zeichens wird. Die Landschaft ist nicht mehr nur das Thema, sondern wird zur Handlung, zum eigentlichen Inhalt des Werks. Flachot beobachtet den Wechsel der Jahreszeiten, bearbeitet das Land und nimmt in der Zwischenzeit das Zeichnen, Fotografieren und Komponieren wieder auf.
Mit dem Aufkommen der digitalen Technologie in den frühen 2000er Jahren gelang es dem Künstler, seinen Ansatz in Bezug auf transversale Medien zu erneuern. Das Grafiktablett wird zu einer natürlichen Verlängerung seines Körpers, ein Werkzeug, das es ihm ermöglicht, mit geschlossenen Augen zu zeichnen, “blind”, wie er zu sagen pflegt. Der Strich entsteht nicht mehr durch den direkten Kontakt zwischen Hand und Oberfläche, sondern durch eine Dissoziation, die die Intensität der Wahrnehmung schärft. “Travailler à l’aveugle”, sagt er und zeichnet, ohne zu sehen, ohne zu prüfen, als wäre das Zeichen eine Art automatische Schrift des Körpers und des Gedächtnisses.
Bei Bertrand Flachot ist die Schrift nicht mehr Sprache im engeren Sinne. Sie kommuniziert nicht, sie informiert nicht, sie beschreibt nicht, sondern wird zur visuellen Materie, zu einer kalligrafischen Geste, zu einer rhythmischen Struktur. Sie befreit sich von der Bedeutung und wird zum Zeichen. In diesem Sinne stehen seine Werke an der Schnittstelle zwischen der bildenden Kunst, der konkreten Poesie und der Sprachphilosophie. Flachot scheint auf der Suche nach einem geheimen Code, einer versteckten Botschaft im Bild selbst zu sein.
In der Serie Les Rets zum Beispiel bilden 365 Fototafeln - eine für jeden Tag - ein visuelles Netzwerk, in dem sich Linien wie “pièges à visions” kreuzen, Fallen für das Auge, die den Betrachter verwirren und hypnotisieren. Jedes Bild ist zugleich autonom und Teil eines Ganzen, als wäre das Gesamtwerk eine Erzählung ohne Worte, eine intime Chronik der vergehenden Zeit.
Wie François de Coninck bemerkt, segelt Flachots Werk “juste au-dessus de la ligne de flottaison”, d.h. an der Grenze zwischen dem Sichtbaren und dem Untergetauchten, zwischen dem, was ins Bewusstsein tritt, und dem, was tief in der Erinnerung bleibt. Diese Linie, die in der Nautik “lebende Werke” von “toten Werken” trennt, wird zur Metapher für die Kunst selbst: ein Ort des Transits, der Transformation, des Überlebens von Bildern. Flachots Fotografien dokumentieren nicht, sondern evozieren, erinnern, schreiben die Vergangenheit um durch eine visuelle Schrift, die nicht gelesen, sondern erlebt werden will.
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| Bertrand Flachot: Kartograph des Unsichtbaren, Entdecker des Zeichens |
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