朱塞佩-卡波格罗西，标志艺术家的生平、作品和风格

朱塞佩-卡波格罗西（Giuseppe Capogrossi，1900-1972 年，罗马）是一位在二战后意大利艺术文化中留下烙印的画家。卡波格罗西的创作与对符号的研究 有关，在整个欧洲，这种研究诞生于极权主义政权的经历和世界大战的灾难所导致的困惑和反思时期：因此，人的中心地位开始受到质疑。存在主义等哲学思潮凸显了人类生命的有限性和不稳定性。在视觉艺术领域，这场危机导致了新的工作方式和另类艺术的出现。米歇尔-塔皮埃（Michel Tapié）首先谈到了这种 "另类 艺术“，并将这些新事物归纳为 ”非正式"（informal），以表示一种选择新方法、新姿态的艺术。这一趋势的重点是物质和符号，因此在意大利，卡波格罗西（Capogrossi）等人的作品就代表了这一趋势。他与阿尔贝托-布里（Alberto Burri）一起被认为是非正式绘画最伟大的代表人物之一，并跻身罗马画派艺术家之列。

他个人对符号诗学和控制姿态的贡献，打破了意大利艺术界的主流传统，摒弃了对客观现实的表现。20 世纪 50 年代左右出现的艺术允许一种新的表达自由。

卡波格罗西的研究包括探索色彩的力量，其基础是基本二维 元素和符号的 重复。他从中找到了绘画的 “主要原因”，而将理论和内容抛在一边。这一探索促使他于 1950 年与阿尔贝托-布里、马里奥-贝洛科和埃托雷-科拉共同创立了 "起源小组"。这段经历只持续了短短一年，但却反映了第二次世界大战后意大利文化界所经历的时刻。

这种假设与卡波格罗西的艺术研究不谋而合，他的艺术作品在重复一个非常简单的符号和色彩之间的关系的同时，还具有强烈的情感色彩。因此，卡波格罗西与意大利那些主张抽象艺术的人站在一起，与现实主义的拥护者形成鲜明对比。然而，朱塞佩-卡波格罗西并没有立即采取这一立场：起初，至少在 1949 年之前，他仍然是一位具象画家，正如毛里齐奥-法吉奥洛-德尔阿科（Maurizio Fagiolo Dell’Arco）在 1999 年所说的那样，他 “从风景和人物中走出来”。

朱塞佩-卡波格罗西的生平

朱塞佩-卡波格罗西于 1900 年 3 月 7 日出生于罗马。他的父亲古列尔莫 (Guglielmo) 出生于罗马的一个贵族家庭。他的专业是法律，1922 年毕业。然而，强烈的艺术使命感使他很快开始学习绘画：1923 年至 1924 年间，他进入费利斯-卡雷纳（Felice Carena）的裸体艺术学校学习，该学校是当时罗马最负盛名的学校之一。在这个环境中，他与画家福斯托-皮兰德娄（Fausto Pirandello）、奥诺弗里奥-马丁内利（Onofrio Martinelli），尤其是埃马努埃莱-卡瓦利（Emanuele Cavalli）成为了朋友。卡波格罗西于 1927 年创作了一幅画，画中卡波格罗西与他的朋友并肩作战。两人一起在安蒂科利-克拉多度过夏天，这个小村庄位于阿尼埃纳河左岸的山谷中，当时正流行于那些希望将自己包围在如画风景中的艺术家中间。在这里，画家可能意识到了自己的需要，也是个人倾向于寻找一个古老的、未受污染的环境的最初征兆，远离城市的矫揉造作。1927 年，他与福斯托-皮兰德娄（Fausto Pirandello）一起前往巴黎，之后又有多次其他旅行：在这里，他有机会研究印象派，近距离接触巴勃罗-毕加索（Pablo Picasso）和安德烈-德兰（André Derain）的艺术。但正如画家在 1929 年 3 月写给弟弟弗朗切斯科的信中所说的那样，这些旅行的主要目的是让自己在艺术圈中出名。

1927 年，他与画家伊曼纽尔-卡瓦利（Emanuele Cavalli）和弗朗切斯科-迪-科科（Francesco Di Cocco）一起，首次参加了在罗马 Pensione Dinesen 酒店举办的群展。在这里，他展示了自己的首批作品，这些作品基本上还是具象的，包括Autoritratto（自画像）和Casa in Demolizione（拆除中的房屋），这两件作品都具有 “极简现实主义 ”的特点，艺术史学家瓦特-阿斯兰（Wart Arslan）在他的文章Una mostra giovanile（发表于 1927 年 6 月的 Corriere d’Italia）中如是说。1933 年 2 月，他与卡沃利和克拉多-卡格利一起在米兰的 Galleria il Milione 画廊展出，同年 12 月在巴黎的 Galerie Bonjean 画廊展出。在这几年中，卡波格罗西形成了一种注重具象和色调的绘画风格。这一时期的作品有 1933 年在巴黎展出的《Il vestibolo》和 1934 年的《Piena sul Tevere》。20 世纪 40 年代，情况开始发生变化：战后时期是艺术家进行深入思考的时期。尤其是 1946 年，他在罗马的圣马可画廊举办了首次个展。

同年的撒丁岛之行似乎给他带来了启迪。撒丁岛的风景、色彩和灯光让他从最原始的角度欣赏大自然。 在这里，他的艺术构思形成了一个重要的节点，在这一时刻， ，他开始对原型符号和色彩进行新的思考。因此，他放弃了 20 世纪 30 年代特有的绘画语言：人们对那些为他带来一定知名度的具象油画知之甚少。事实上，卡波格罗西在 20 世纪 50 年代实现艺术突破时，曾去寻找他的静态具象绘画作品，并打算将其销毁。此外，卡波格罗西很可能还保留着上世纪 20 年代的作品，因此他更容易处理这些作品。

卡波格罗西果断地拒绝了具象绘画之后，转向了新立体主义的图像重建。新立体主义时期虽然短暂，但却是通向抽象主义的过渡桥梁。这一时期结束于 1949 年：《Superficie 022 》（1949 年）是他最早的抽象绘画作品之一。他的首次非具象画展于 1950 年在罗马的 Galleria il Secolo 举行：在这里，他展出了由重复符号和相同标题组成的新绘画模式。事实上，这位罗马画家开始将他的所有作品都称为 "Superfici"，并准时编号。

1950 年至 1951 年间，他与画家马里奥-巴洛科（Mario Ballocco）、阿尔贝托-布里（Alberto Burri）和埃托雷-科拉（Ettore Colla）一起参加了一次短暂的经历，成立了 Origine 小组。他们四人起草了一份简短的宣言，表示 “希望将艺术研究从众多的上层建筑中解放出来”，以表达 “在生命展开的奥秘中的生命情感”。该小组在罗马 Origine 画廊举办了 “Origine 小组展”，但很快就解散了，只持续了一年。短暂的插曲之后，卡波格罗西继续取得成功，并在欧洲和美国的大型艺术展上展出。1951 年，他声名鹊起：他经常与威尼斯的 Il Cavallino 画廊和米兰的 Il Naviglio 画廊合作。他的作品从这里开始传播并销往国外。直到 1951 年，他还经常在巴黎、伦敦和斯德哥尔摩的各种联展上展出作品。随后几年，他在美国进行了广泛的创作：值得一提的是在纽约利奥-卡斯泰利画廊和圣保罗西斯蒂纳画廊举办的两次个展（均于 1958 年）。

朱塞佩-卡波格罗西还接触了装饰 艺术，致力于珐琅陶瓷的制作，甚至将自己的设计用于挂毯。这些作品仍然是延续其节奏感和齿痕的新创意，展现了画家不竭的探索和研究意愿。1968 年，罗马国家现代艺术馆馆长帕尔马-布卡雷利（Palma Bucarelli）专门为他的作品开辟了一整间展厅。1972 年 10 月 9 日，卡波格罗西也是在意大利首都去世的。同年，画家的继承人（女儿奥尔加和孙子古列尔莫）开始收集有关其作品的文献资料。卡波格罗西档案馆在罗马成立，旨在保护和促进对这位艺术家及其作品的研究。

朱塞佩-卡波格罗西的作品和风格，从风景到标志

朱塞佩-卡波格罗西因其处理题材的方式、对色彩、符号和姿态的考虑，被认为是意大利非正式主义的主要代表人物之一。

他早期的艺术活动以具象和色调为主。1927 年，卡波格罗西开始创作风景画：他创作了《拆除中的房屋》（House in Demolition）， ，这幅作品展现了他快速的绘画研究，同时也体现了他在频繁的巴黎之旅中学习的印象派经验。在这幅作品中， 试图让画面气氛沉浸在一种灰褐色的迷雾中，色调沉闷、令人愉悦，时不时点缀着朦胧的灯光。

早期的卡波格罗西使用快速而稳健的笔触，旨在塑造形体。在这幅画中，我们可以感受到画家对色彩力量的信任，他将整个表现过程都交给了色彩。他只让颜料来暗示物体，如右边的车辆或向河边下降的楼梯。拆除中的房屋》是一幅油画，同年创作的《与伊曼纽尔-卡沃利的自画像》也是如此。艺术家将自己和他的朋友画在一起，两人都用一种固定的、沉默而又雄辩的目光注视着观者：这幅作品的特点也是色调温暖，色调以泥土和赭石为主。

三十年代中期作品的特点是场景的现实主义定义和神秘元素。静止的人物让人想起皮耶罗-德拉-弗朗西斯卡。Vestibule 是 1932 年的一幅油画作品，展现了一个封闭的房间，里面站着几个赤身裸体的人。其中的男性形象显示了卡波格罗西对毕加索绘画的兴趣（例如，参见巴勃罗-毕加索的《两个年轻人》，他想起了毕加索的步态）。同样，色彩的运用也是卡波格罗西此时的核心，他将形式的创造和空间深度的管理都托付给了色彩。在 1933年的《雷雨》中，人物形象建立在古老的记忆之上。这些人物的姿态都是结晶化的，他们并不交流，而是在物理和形而上学之间徘徊。1934 年的《台伯河上满船人》是一幅画作，画中的船舱形成了一道视觉屏障，呈现出一种悬浮的瞬间，只有左侧的人物形象生动活泼。

20 世纪 40 年代，卡波格罗西对具象的兴趣逐渐消退。他的艺术视野开始变得更加多元，与巴黎环境的不断接触使他开始学习新立体主义。1948 年，他创作了《两把吉他》：在这幅作品中，有更多的素描，线条锋利而果断。色彩仍然是主角，但为明确划分变得方正的形式留下了更多空间。在这里，画家开始了 对几何元素的探索，这也是他后来不断简化场景的原因。这种探索的结果就是《Superficie 022 》（1949 年）这样的作品：纯粹的形状和纯粹的抽象符号以绝对的黑白配堆叠在白色背景上。卡波格罗西专注于一种单一的形式，一种他以有序的方式重复的原型；这里的节奏是以黑色的单一关键符号为标志的，它以有序的行列重复，逐渐改变其结构，但 从未放弃其符号原则。从 1949 年的这幅画开始，卡波格罗西彻底失去了与现实主义的联系，走上了抽象主义的道路。

在《Argan》（1967 年）一书中，我们看到：“这些早期绘画与其说是作品，不如说是’符号研究’”。1950 年，《Superficie 022 》在罗马国家现代艺术馆首次展出，至今仍保存在那里。这是朱塞佩-卡波格罗西首次举办抽象作品个展。从那时起，他的创作基本上以有节奏地重复基本符号为基础。梳子、三叉戟和叉子形状：所有二维原型以无数变体重新组合，每次都以新的组合和色调方案重新组织。符号节奏的方向可以是水平、垂直或对角线，但从现在起，卡波格罗西总是将其命名为 "表面"（Superficie），并在两侧加上一个渐进的数字。在画家的心目中，画布的表面成了一种零度，是一个理想的领域，在这个领域中，各种元素可以有序地交织在一起，每次都能创造出一种新颖的节奏关系。

表面 596》创作于 1950 年：符号几乎是原始的，重复堆叠形成平行行，对空间的管理非常自由。次年创作的《Superficie 608》与一年前的作品已经大相径庭。用黑色蛋彩颜料绘制的标志可能会有所不同，也会有所调整，但原型起源始终是最基本的。绘画被定位为一种媒介，一种激活空间活力的东西。反过来，空间是由观众的眼睛一瞬间一瞬间产生的，观众通过阅读和穿越由实体和空隙（两者都是必要的）提出的有节奏的扩展来参与运动。在这幅画布上的纸张中，间隔非常重要，因为它们对节奏的贡献就像音乐中的停顿一样重要。1956 年，卡波格罗西创作了《Superficie 154》：在浅色背景上，黑色标记以小行排列。然后在前景中以更大的尺寸重复出现。经典的黑白双色选择被红色和橙色的插入所点缀。构图恢复了古色古香的味道，永恒的创意始终围绕着原始元素，将其作为基本的、原型的和想象的字母表的一部分。

卡波格罗西在应用艺术领域积累了丰富的经验，其中一件挂毯作品《Astratto》现为国家现代艺术馆所有。卡波格罗西 1963 年为米开朗基罗剧院设计了这幅挂毯，他还将自己的标志性视角运用到了更重要的编织艺术中。

博物馆中朱塞佩-卡波格罗西作品的展示地点

在意大利，朱塞佩-卡波格罗西的许多作品现在都被私人收藏。在罗马国家现代艺术馆可以看到该画家的多幅作品，包括《Superficie 018》（1948 年）、《 Superficie 022》（1949 年）和《Superficie 335》（1959 年）。这里还保存着他的挂毯《Astratto》（1963 年）以及他的一幅静态具象绘画作品《Il temporale》（1933 年）。在都灵的 Galleria Civica di Arte Moderna e Contemporanea 美术馆里，有他在 20 世纪 50 年代早期创作的《Superfici 89》、《102》、《141 》和《213》。

上面提到的《表面 154》（1956 年）收藏在米兰，由 Banca Intesa 收藏馆拥有。在威尼斯，1957 年的布面油画《Superficie 236》在佩姬-古根海姆博物馆展出。在罗韦雷托市场，1953 年的布面油画《Superficie 678 》（迦太基）在纸上展出。

在国外，纽约现代艺术博物馆收藏了两件 1953 年的作品，标题分别为 "构成“和 ”第 4 部分"。同样在纽约，作品Superficie 210（1957 年）和Superficie 236（1957 年）被收藏在所罗门古根海姆博物馆。

朱塞佩-卡波格罗西，标志艺术家的生平、作品和风格

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