2025 年 1 月 18 日至 4 月 27 日将举办Giacinto Cerone.L’angelo necessario（必要的天使）“是专门为 Giacinto Cerone（1957 年出生于梅尔菲，2004 年出生于罗马）举办的展览，他是一位职业生涯短暂的独特雕塑家，其作品不受团体、流派和运动的影响，是 20 世纪下半叶意大利雕塑界最独特的经历之一。展览特别探讨了 Cerone 与陶瓷的联系，更具体地说，是与法恩扎的联系：标题 ”必要的天使"（The Necessary Angel）指的是美国诗人华莱士-史蒂文斯（Wallace Stevens）描述的一个形象，这个形象经常出现在 Cerone 的雕塑作品中。展览由艺术评论家和历史学家 Marco Tonelli（1971 年出生于罗马）策划，不仅要追溯 Cerone 与法恩扎的关系，还要勾勒出他的形象，并将他置于 20 世纪下半叶意大利艺术的背景中。我们与马尔科-托内利（Marco Tonelli）进行了讨论，访谈由诺埃米-卡波奇亚（Noemi Capoccia）撰写。
NC.法恩扎在吉亚琴托-塞罗内的艺术生涯中扮演了怎样的重要角色，他的陶瓷实验又是如何改变他的雕塑作品的？
MT.Giacinto Cerone 于 1993 年开始从事陶瓷工作，当时得到了 Ceramiche Gatti 的 Davide Servadei 的帮助，他是一位重要的参考人物。这并不是他第一次接触这种材料，在意大利的其他地方，如阿尔比索拉，他已经创作过陶瓷作品。然而，在法恩扎，他发现了一个不同的环境，这也要归功于与一位具有非凡艺术敏感性的技师的合作，他能够诠释自己的需求和风格。随着时间的推移，这位技师不断改进材料和色彩，使其越来越适应 Cerone 的表现手法，而在此之前，Cerone 主要使用的是木材和石膏。在法恩扎，陶瓷成了他的理想材料，他用与其他媒介相同的物理能量和强度来处理陶瓷。在这里，他使用由 Servadei 专门准备的粘土模块，发展出一种近乎粗暴的方法：柱子弯曲、撕裂、踢打、暴力冲击。所有这些都使作品具有非凡的姿态力量。更丰富、更精致的陶瓷作品也随之出现，这些作品充满了象征意义，有时带有殡葬色彩，有时则华美精致。在法恩扎，Cerone 的陶瓷艺术得到了充分的体现，同时又与传统的陶瓷艺术家形象保持了一定的距离。在这种情况下，塞罗内将自己表现为一个完整的作者，能够在暴力姿态和复杂的美学解决方案之间游刃有余，这些元素在 MIC 举办的名为 "必要的天使"（L’angelo necessario）的展览中得到了恰当的综合。
为什么选择《 必要的天使》这个标题 ？华莱士-史蒂文斯（Wallace Stevens）的话与 Cerone 的作品之间有什么联系？
我一直认为 Cerone 是意大利雕塑领域中一个孤独而独立的人物，尽管得到了评论家和画廊老板的认可，尽管他生活在罗马的环境中，但他仍能坚持走自己的路。他的作品和他的生活都是轻盈的，带着深刻的戏剧性。纵观他的作品，自主性和原创性非常突出，他的许多作品都唤起了一种神圣的维度：圣人形象、幽灵、鬼魂和殡葬纪念碑。这些元素都与殡葬意象有关，但并不是对终结的纪念，而是对极端的向往，是通往另一个维度的通道。尽管 Cerone 是无神论者，但他对雕塑有着绝对的信仰。对他而言，雕塑与生活密不可分，是同一现实的两个侧面。这就是展览标题 "必要的天使"的背景，灵感来自华莱士-史蒂文斯（Wallace Stevens）的同名诗歌。在这一背景下，天使不是一个天神般的人物，而是一个尘世中的实体，带着脆弱、苦难和不确定性穿行于世间。这个形象在一定程度上反映了 Cerone 本人：一位将雕塑视为诗意表达和探索不确定事物的手段的艺术家。虽然史蒂文斯不是他的直接参照，但 Cerone 深受诗歌的影响，尤其是荷尔德林、迪诺-坎帕纳和桑德罗-彭纳的诗歌，以及他个人与 Patrizia Cavalli 的亲密关系。Cerone 的雕塑作品令人浮想联翩、难以捉摸：人物形象只可意会，不可言传。作品中没有可辨认的面孔、手或肢体，只有暗示存在的片段，就像史蒂文斯笔下的天使，只是一瞥，从未完全展现。Cerone 能够将材料转化为一种手段，以探索超越可见的事物，并始终悬浮于具体和抽象之间。
MIC 展览探讨了哪些主题？
展览的一个重要元素是材料主题，它涵盖了 Cerone 探索的大部分作品。木头、石膏、塑料、搪瓷和金属陶瓷都有，而大理石和石材，尽管他偶尔也会用到（不超过五件作品），但由于运输困难等物流问题而没有出现。除雕塑作品外，还有约三十幅重要的素描作品，使展览更加完整，并见证了他艺术实践的另一个重要方面。这些使用不同技术绘制的图画可以理解为真正的纸上雕塑。产生这些作品的姿态在形式和表现力上与 Cerone 在其三维作品中表现的姿态相似。在反复出现的主题中，陶瓷主题尤为突出，特别是在法恩扎完成的作品。在这里，与死亡的联系通过一种令人想起雕像般死亡的庄严和高贵的白色而突显出来。材料与 “终结 ”概念之间的对话表达了一种走向极端的张力，这在他的许多作品中都有所体现。最后，展览的中心主题是雕塑本身。展出的所有作品都是真正的雕塑，是为陶瓷雕塑博物馆而不是专门的陶瓷博物馆而设计的。
Cerone 以其急躁和创作自由而著称。这些特点是否影响了展览的概念和布置？如何影响的？
国际陶瓷博物馆（MIC）的展览空间是一个非常奇特的环境，能够对展览的布置产生重大影响。为了举办这次展览，我在设计路线时考虑到了展览空间本身的特点，既要适应它的特点，又不能构想出一个抽象的展览或一个与展览地点无关的展览。就 Giacinto Cerone 而言，由于可以将作品按明确的主题分组：《野草》、石膏模型、金属陶瓷、《越南河》和四个古代和现代女英雄形象，这种方法尤为自然。Cerone 作品中已有的这些核心元素为在空间中有机地安排作品提供了一个起点。首先需要确定和选择组别，考虑到有些组别是自然延伸的，而其他组别则是确定的单元形式。接下来，我根据军事工业区的物理和视觉坐标，为每组作品安排了最合适的空间位置。然后，我们的首要任务是通过强调艺术家构思的雕塑系列来强化主题系列，并以平衡的方式分配这些雕塑，从而在作品和空间之间形成持续的对话。为了进一步丰富装置艺术，我们决定利用一些明显的次要墙面来安装大大小小的绘画作品。所有这些都使得 Cerone 的两种主要技法--雕塑和绘画--之间建立起了联系。
在您看来，Cerone 在展览中最重要的作品是哪一件，尤其是对于深入了解艺术家的艺术而言？
我想为展览提出两种解决方案，它们既反映了 Cerone 的特点，也反映了展览本身的特点。一方面，最有力量和最孤独的雕塑之一《Ofelide》值得在一个专门的展厅展出。这件作品创作于 2004 年，是 Cerone 的最后一件作品，具有有趣的意义。这是一件向伊拉里亚-德尔-卡雷托（Ilaria del Carretto）或圣马丁诺的面纱基督（Veiled Christ of San Martino）致敬的白色陶瓷作品，但同时也是艺术家的自画像，他通过奥菲莉娅（Ophelia）躺在水中的形象来表现自己，就像她在溺水时浸泡在水中奄奄一息的样子。这件作品标志着从生活到想象的过渡，Cerone 在其中向雕塑致敬，同时也向她即将到来的死亡致敬。为了强调孤独感和反思感，雕塑还配有 Cerone 的肖像照片，他躺在另外两座雕塑之间，仿佛他自己就是奥菲莉娅。这个装置无疑唤起了一种凄美而又迷人的氛围。另一方面，"越南河流"系列则呈现出完全不同的主张：六件雕塑作品，其中四件在展览中展出，并配有十幅分析同一主题的图画。与孤零零的《奥菲利亚》相比，这里有很强的凝聚力，是一个由雕塑和纸上作品组成的群体。
在 Cerone 的装置作品中，“整体雕塑 ”这一概念是如何实现的？
Cerone 与整体雕塑之间的关系在展览中得到了很好的体现。他对皮诺-帕斯卡利（Pino Pascali）的钦佩在他献给帕斯卡利的作品中显而易见，例如在都灵制作的大型石膏地板，尽管受到了损坏，但仍然从象征意义和物理意义上诠释了雕塑与空间之间的关系。对帕斯卡利的借鉴是强烈而持续的，这种联系在白色石膏模型等作品中也很明显，这些作品让人联想到帕斯卡利的闪电之海的柔软和脆弱，在水平雕塑作品中也让人联想到雕塑作为门户或整体包袱的概念，这种概念超越了单件作品，成为一种环境干预。事实上，Cerone 将雕塑的概念推向了传统的极限。他的雕塑是立在地面上的柱子、靠在墙上的木头、水平的地毯、成为墙壁一部分的雕塑，就像浮雕画一样。每件作品似乎都在寻求与空间、与地面、与墙壁的联系，在形式与环境之间不断地相互作用。雕塑是一个不断扩展的空间，是在环境中展开的模块化实体，他的作品《Cenacolo》也体现了这一概念，该作品由五个部分组成，暗示了模块化雕塑的可能性。在工业艺术中心，空间不允许再现已经不存在的作品。但如果想象 Cerone 在 Tor Bella Monaca 或其他地方创作的大型环境干预作品，就会出现这样的设想：雕塑占据数十米的空间，并有意与周围环境进行对话。
自 1993 年起，与 Gatti 工作室的合作成为 Cerone 的转折点。他采用了哪些非常规技术，这些技术又如何丰富了他的诗学？
Cerone 的陶瓷创作方法是革命性的。他对材料的处理方式是与材料进行真正的斗争，这种与粘土的斗争是 Cerone 与其他当代雕塑家（如方塔纳）不同之处的一个方面。Cerone 从字面上攻击陶瓷。他用手或脚打碎陶瓷、撕裂陶瓷、在陶瓷上打孔的方式，似乎是对陶瓷材料本身的直接攻击，似乎他想质疑陶瓷的抵抗力和承受人类干预的能力。清空泥块工艺的发明让 Cerone 得以突破雕塑的传统限制。他能够在不影响其稳定性的情况下，赋予可被撕裂和操纵的结构以形态。事实上，陶瓷一旦被清空，就变成了一种可以折叠和穿孔的信封，这种创新使艺术家能够以一种更加实际和直接的方式进行创作，进入材料内部，而不会有完全破坏材料的风险。
在你看来，艺术家使用的材料多样性有什么象征意义？
我不知道是否有象征意义；他似乎对材料有着非常务实和实用的看法。对他来说，重要的不是材料本身，而是材料如何为实现他的雕塑理想服务。材料是工具，必须适应他的创作姿态，而他的创作姿态会根据要实现的作品类型而改变。事实上，白色可以被定义为例外。在他的作品中，白色似乎唤起了生命、死亡和神圣的概念。例如，他的许多圣人雕塑都选择了白色，这可以理解为纯洁、生与死之间的过渡，甚至是超越的概念。在 Cerone 看来，白色似乎是最适合转变和过渡概念的颜色，无论是精神上的还是物质上的。除了对白色的思考，Cerone 从未以教条的方式将自己束缚在特定的材料或技术上。他的一贯性在于姿态，在于将雕塑作为其理念的身体表达。即使他使用的是塑料或大理石等材料，他的创作方法也总是以认同这种材料的需要为前提，以便根据材料的产量和可能性来调整他的力量和技巧。
Cerone 去世 20 年后，他在意大利当代艺术中留下了什么痕迹？您认为今天的新一代艺术家是如何看待他的？
答案并不简单。虽然 Cerone 在艺术领域产生了相当大的影响，但他的知名度还没有像其他当代艺术家那样得到巩固，部分原因是他没有一个稳定的市场，也没有评论家和策展人的持续关注。虽然他的作品得到了人们的赞赏，也得到了画廊的支持，但他并没有像其他许多艺术家一样，尤其是那些与公认的运动有更多联系的艺术家那样，成功地建立起自己的历史地位。这种情况似乎与他选择置身于传统艺术史之外，不与影响当时意大利艺术界的团体或批评理论保持一致有关。他的艺术生涯基本上是独立的，这使他成为艺术史传统动态中的一个特例。这无疑限制了新一代对他艺术的了解，除了极少数例外，他们似乎并没有充分认识到他的影响。曾与他共事的几代人，如他在罗马的助手，如今都已长大成人，因此只能希望艺术史和评论家能够给予 Cerone 应有的地位，承认他在意大利雕塑领域的价值和创作范围。
博物馆未来是否会有与 Cerone 或相关主题有关的项目？
展览规划过程通常处于定义阶段，在宣布任何未来计划之前，有许多动态需要正式确定。我不知道 MIC 未来的计划，除了 6 月份专门针对国际雕塑的下一届法恩扎奖，但可以肯定的是，博物馆已经开始利用永久收藏的作品对 Cerone 进行重要的评价，目前的展览配有 Corraini 出版的图录，图录由博物馆馆长克劳迪娅-卡萨利（Claudia Casali）撰写介绍性文字，无疑是对其艺术创作的一次全新审视。当然，出版精心编辑的图录，深入分析艺术家的诗学，始终是丰富评论全景和提高更多公众对其作品价值认识的绝佳工具。
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