保罗-卡维纳托（Gazoldo degli Ippoliti，1975 年）的研究重点是空间及其感知：在他的作品中，观察者成为作品不可分割的一部分。卡维纳托毕业于布雷拉美术学院场景设计专业，曾在米兰学习电影导演课程，2001 年开始在曼图亚生活和工作，曾多次举办个展（米兰、伦敦、柏林、纽约、圣达菲），自 1997 年以来还参加过多次联展（巴黎、布鲁塞尔、伊斯坦布尔、中国和美国）。2005 年，他参加了伊斯坦布尔双年展；2008 年，他获得了米兰Arnaldo Pomodoro 基金会三等奖。2011 年，伦敦英国皇家雕塑家协会为他举办了个展。2014 年，他在上海斯沃琪和平饭店艺术中心（Swatch Art Peace Hotel）驻留了六个月；2017 年，在曼图亚公爵宫博物馆（Museo di Palazzo Ducale）的房间里为他举办了大型个展。直到 9 月 29 日，Cavinato 将在卡拉拉的 mudaC 举办Direzioni 个展，在这次个展中，艺术家展示了多件作品，包括专为阿普安博物馆制作的Solaris#5 ：展览为艺术家谈论自己的对话提供了起点。
GL.保罗，让我们从头开始。对于许多艺术家来说，我们可以称之为某种语言倾向的最初表现早在童年时期就开始了，您是否也是如此？
PC。是的，对我来说也是这样，这是一种完全自然和自发的姿态，但当你还是个孩子的时候，你就会把创造力、游戏、乐趣、表现力、无限的交流融合在一起，所有这些都与想象力紧密相连。然后，对大多数人来说，这一切都结束了，而对我来说，这是一个无法遏制的连续体，所以，直到今天，我仍然感到有一种冲动，需要去看，再去看，去想象，去实现自己之外的愿景，作为一个活生生的生物。我记得我画的画和写的故事，开始了，但永远不会结束。我还记得有一次我产生了一个非常清晰、非常果断的想法，那就是意识到自己的存在，意识到自己想成为一名艺术家。
你的艺术初恋是什么？
我的艺术初恋，如果是指创作上的刺激，可能是我的父亲，他经常在周日上午画画。需要强调的是，我父亲当时已经在做别的事情了，他从事的是机械工程工作，现在仍然如此。小时候，我经常看他用油彩画风景和静物。我记得油彩、画布、画架上的色块、气味和材料。他画的是介于 Carrà 和 Sironi 之间的 dechirican 画作，形而上学，而我站在一旁观看和模仿，我的祖父则坐在扶手椅上抽着烟斗。我还必须补充一点，当时，虽然我们只是曼图恩省乡下的一个小镇，但我们已经有了一个艺术博物馆，有自己的藏品，在那里举办展览，组织文化会议。总之，我已经在一个令人尊敬的文化环境中起步了。
您完成了哪些学业？
我获得了曼图亚艺术学院（Mantua Art Institute）颁发的艺术硕士和艺术成熟文凭，主修建筑和室内设计（非常倾向于包豪斯风格）。之后，我又在布雷拉美术学院学习了场景设计课程，并在米兰电影学院学习了实验电影课程。不过，我的培训既有校内的，也有校外的，而且完全是横向的，因为出于好奇心，我从小就去我的教授们的工作室，他们有一部分是艺术家，从事视觉艺术的各个学科。后来，我对电影产生了兴趣，随后又对作为另一种表现语言的录像媒介产生了兴趣，并通过参加圭多-圭迪（Guido Guidi）主持的一个讲习班对摄影产生了兴趣，这对我来说是真正的基础，除此之外，我还在戏剧场景设计领域积累了工作经验，经常与导演和艺术家以及艺术画廊打交道。这是一个完全实验性的、精神分裂的时期。
在学习期间，您有过什么重要的际遇吗？
青少年时期相当艰难，经历了真正的形成和蜕变、失望和强烈的挫折，有时我无法理解自己的躁动不安，这让我非常苦恼。与一些教授的接触当然很重要，有些甚至是灾难性的，非常苛刻。我不知道为什么青春期的一切感觉都如此夸张，至少对我来说是这样，也许是思考形成了一种情感和敏感的基础。幸运的是，我还参加了研究雕塑塑性材料的工作坊，如金属、木材、粘土等，以及我喜欢的生活素描、几何和设计课程。一方面，我学到了和谐的世界观、秩序、对古典法则的研究、比例、毕达哥拉斯、黄金分割、对美的追求等；另一方面，表象被完全颠覆，混沌、熵、随机性、无序被考虑在内。我被对现实的各种可能看法所吸引。我在布雷拉学院的老师卡洛-德-西蒙尼（Carlo De Simone）让我自由地对戏剧场景进行完全个人化的诠释。和他在一起，我意识到戏剧实际上是各种学科和表现语言交汇和交流的地方。随后，我与他的妻子劳拉-曼奇尼（色彩工作室！）建立了长期而美好的友谊，她向我传授了感知和感受空间的重要性，以及人类固有的各种可能性。
您在学院选修了场景设计课程，为什么？
这让我哭笑不得，因为我其实想学绘画！所以说，我的选择并不是自己选的，可以说是被强加的。我对布景设计一无所知。我的一些中学老师建议我去学布景设计，这也是我和父母之间的妥协，他们对我的学习选择并不看好。当然，如果我今天选择了绘画或其他专业，我的研究结果很可能会有所不同。从积极的方面来说，布景设计让我更好地理解了空间及其特性、三维性、光线、运动、声音，以及其中人物的所有含义。从消极的方面来说，我可以说，我进入艺术世界（从当代艺术体系和艺术画廊的意义上来说）的时间有点晚，但却积累了相当重要的经验。
学业结束后，您在戏剧领域工作过吗？
在学院学习期间，我就已经与米兰的一些小公司合作，创作一些物品或道具，但最重要的是，在米兰 Piccolo Teatro 剧院组织的一次研讨会/讲习班上，我遇到了布景设计师埃齐奥-弗里吉奥（Ezio Frigerio）。因此，有很长一段时间，我都在档案馆街为重要的歌剧场景、房屋或私人住宅的设计绘制草图并制作模型。与一位伟大的大师、一位令人印象深刻的人物一起生活和工作，真是一种非常紧张的经历！我也不会忘记，那间巴黎工作室成为了弗里吉奥的朋友们晚上聚会和辩论的场所。与此同时，我还参与了一些布景设计，并与费德里科-蒂埃齐（Federico Tiezzi）和迈克尔-兹纳尼茨基（Michael Znaniecki）等导演合作。
这些经历对您作为艺术家的工作是否很重要？
在构想新的空间视觉时，我的个人研究从未停止过。我的展览和我的一些首批装置作品一直在不断寻找我自己的标志、我自己的身份。但是，尽管有了这些重要的结识和合作，我还是觉得自己与戏剧世界有些疏远，我是以一个艺术家的身份，用另一种眼光来体验它，并没有完全参与其中。一种奇怪的感觉在我心中逐渐成熟：在我看来，戏剧和整个剧场都是虚假的、虚构的场景，它确实是，而且必须是！而我的作品，我认为是有形的、真实的、与真理相关联的东西。我不理解也不欣赏意大利式的戏剧，在意大利式戏剧中，文字和故事比其他语言更重要。我想要并寻求一个抽象和实验的空间，在那里所有语言在平衡和不平衡中相互渗透。因此，我无法忍受只用语言表达的戏剧，在我看来这一切都非常相似和多余。因此，当我看到并发现拉斐尔-桑齐奥和罗密欧-卡斯泰卢奇协会的项目时，我如雷贯耳，震惊不已。我必须说，从那时起，我陷入了深深的危机和相当剧烈的挣扎：我对自己的布景设计师之路完全不满意，我觉得自己不是自己，而只是一个任由导演摆布的技术人员。而我自己对舞台空间有着非常强烈的想法和愿景。因此，我离开了戏剧界，虽然我实现了一些重要的项目，但我觉得方向不对。
您最初的绘画实验可以追溯到什么时候？
从小到大，直到今天，我都在思考 “绘画 ”的含义和绘画的意义。多年来，我不断变换媒介和辅助手段，尝试用光和色彩进行创作，直到最新的《Iridescences 》和《Textures》，它们是由碳线上细小的光和色彩颗粒构成的真正的绘画体验。90 年代中期至 2008 年，无疑是我认真思考绘画意义、开始研究绘画之外的物理空间的重要时期，在这一年，我完成并巩固了《CamerAptica》、《Soglia》、《Annunciazione》和《Reflections》等装置和变形房间的创作。
您做了什么样的工作？
绘画表面就像一面屏幕镜子和炼金术镜子，先黑后白，我让有机的自然材料（泥土、粉末、树叶、木材、矿物质等）沉淀在上面，然后通过姿态的连续，变成 “空间”。在摒弃了所有图解和表现的痕迹之后，首先是超现实主义的，然后是象征主义的，更多的是表现主义的，我把绘画的表面作为一个空间概念、一个门槛、一个活生生的经验切面来研究。
从这些二维经验出发，您是如何走向空间和三维的？
在我十几岁的时候，我就开始表现室内空间，把房间当作盒子，或者反之亦然，那时我就对三维性、戏剧性、舞台性、故事性、室内性等产生了浓厚的兴趣。后来，也就是 2007 至 2008 年间，我将表面作为炼金术的镜子、熵空间、混沌进行创作，开始插入透视元素，从地平线开始，根据数学秩序重建空间。因此，我的作品介于混沌与秩序之间。浸泡在墙壁等硬质材料中的油画布和木板等图像表面，成为了投射元素的动力，这些元素是包裹着生命的物体，有时会滴水，然后还插入了节奏和时间的概念，扩展元素，随着演变，我转向了真正的装置，以及与观看和凝视有关的整个话语。最近，我又回到了 “图画 ”的话题上，从古代科学、文艺复兴、布鲁内莱希透视机的角度出发，对我们文化意义上的凝视进行了重要的反思：凝视固定在几个确定的、有组织的点上，然后在空间领域中沿着方向分支和推进。所有空间都源于一个点，源于我们的观察方式。如今，目光已超越表面，进入粒子及其在虚空中的关系。我不会忘记我在土耳其和中国的经历，以及学习阅读空间的不同方式。
是什么促使您投身于雕塑和装置艺术？
艺术史及其演变。我发现 “模仿 ”的概念，即绘画或雕塑的说明性概念，已经枯竭，不再适用。我感兴趣的是一种支持更多存在性和偶然性、真实反映的艺术。正如我所解释的，我研究的是作为空间反射的绘画表面，它向整体开放，以及某些情感如何侵入空间，就像空气和光线一样。我们不要忘记对艺术运动和非前卫运动所做的所有研究。丰塔纳的剪裁如何缝合？因此，从我的创作道路来看，没有其他办法了，尽管我仍然不能认为自己是一位雕塑家，因为我没有接受过纯粹的雕塑技术培训，我对这个词避而不谈，我觉得自己是一位空间视觉研究者。但有时我真的觉得，绘画和雕塑这两个词，作为表达的手段和类别，已经穷尽了。今天，什么是绘画，什么是雕塑？也许在这些术语中，我觉得自己与绘画的联系更紧密，但我的作品中包含了关于观看和观察的概念性论述。
时间和空间在您的作品中具有怎样的重要性？
太阳的运动决定了空间和时间的概念，它们是我们日常生活的维度，但它们只是众多维度中的两个。我们生活在现实中，却没有意识到其背后的许多结构，也许这是幸运的！我们由粒子和关系组成，被能量波穿越（现在，当我在这里思考和写作时，我自己也被其他维度穿越），我们大多由虚空组成。我们几乎一无所知，这让我既害怕又着迷。因此，我最近创作的《代码》被视为神秘而难以理解的字母，或者它们以精确的形式从预定的点在空间中显现出来。但是，时间和空间并不是僵化的，它们会扩张或收缩，会移动和变化。我们所有的历史（以及艺术史）都是动态的，就像人类的进化是有方向的，是向前看的。如果我回想一下我的录像实验，那已经是真正的运动中的绘画，就像音乐一样构成，如今在包括《呼吸 》和《迷失》在内的装置作品中，光亮的剪切出现又消失，就像空旷空间中的回声。在《超越》中，人的形象，或者说，自我，我们，我们的存在让位于一条笔直的道路，这条道路突然扩大，就像我们面前或内心的一个缺口。
您在举办展览时，是否对作品的舞台设计感兴趣？
舞台设计遵循的是一种讲故事的理念，因为存在着等级制度，因此在确立位置时也存在着政治性。我喜欢按照路径的想法来设计舞台。重要的是要实现对象和作品，同时考虑它们在空间中的位置或相互之间的关系。也许，我对戏剧的印象一直停留在 “等待”、“发生”、“工作 ”这几个方面，这样才能达到一种宣泄的效果。戏剧是一种具有集体神圣性的仪式，就像一种事件、一种集体体验或顿悟，但有时也是一种单独的、亲密的体验。
您希望与您的展览空间建立怎样的关系？
我喜欢每次都把自己置于危险之中，获得新的体验。我想知道这些空间是由什么构成的，光线是如何穿过它们的，它们是由什么材料制成的，它们的比例、形状、高度、尺寸，是否有历史痕迹，所有这些都巩固了这个地方的一种灵气。试着捕捉它，然后插入一些已经存在或临时创造的元素。考虑用户如何在里面走动。一切都是设计、计算、测量和建造的一部分。随着我工作的进行，布局变得越来越重要，这不仅仅是一个制造物品的问题，而是如何将它们相互联系起来以及如何将空间联系起来的问题。
您对艺术作品作为一种沉浸式体验的理念感兴趣吗？
这是当今非常时髦的一个词，我不知道我们是否正在经历艺术和创意（作为娱乐活动）之间的某种巨大误解，或者这就是当前艺术的发展方向？我们越来越多地参与到身临其境、效果、感官、知觉参与性的装置艺术中，这些装置艺术不求任何东西。我们是在把博物馆或城市变成游乐园吗？但我越来越想知道什么是艺术和娱乐。我并不太喜欢这种体验，我感兴趣的是艺术作品所固有和蕴含的潜能，即使是在私密的环境中，它也能向公众展现人类的生存状态。多年前，法兰斯-卡夫卡（Franz Kafka）的《变形记》（The Metamorphosis）中出现的触觉空间，以及后来吉尔-德勒兹（Gilles Deleuze）的探索，向我提出了这些可能性，即用听觉或嗅觉去看，也就是提高对其他感官的认识。我对应用于空间的共感论述很感兴趣。如今，我对 “最小”、缺失、边缘和限制的概念越来越感兴趣，我更喜欢谦逊，而不是轰轰烈烈的效果。
有时，您的装置作品会伴有音乐方面的创作：这种体验是如何产生的，随着时间的推移又有了哪些发展？
人们误以为它是一种音乐伴奏，其实它是一种真正的融合，是对作品材料的编织，而不是在其上或其后加上配乐......。这也源于我的录像经验（1995-2006 年），我对图像的构建很感兴趣，通常是从有形的现实开始，将其转化为真实的动态绘画，然后在剪辑过程中，将其视为音乐作品。2006 年，我们开始与我的朋友、作曲家斯特凡诺-特雷维西（Stefano Trevisi）合作，从视觉和声音片段（由真实乐器制作）开始，根据空间中的设定点重新组合。我们共同创作的第一批装置作品被视为不同感觉和媒介之间的实验。因此，视觉、塑料材料和声音是动态的组成部分，然后，灯光、电子控制装置和计时器创造出真正的动感机器。因此，视觉和声音空间都在运动。各种体验接踵而至，而且多种多样。在音乐和雕塑相互渗透的创作对话中，有时我会让自己受到某些声音的启发，反之亦然，我会要求斯特凡诺在雕塑元素上发出某些声音。例如，在上海（我在斯沃琪和平饭店艺术中心驻留六个月期间）构思并完成的作品《迷失》中，他一直在等待作品的音乐部分，因此我请他精心制作了一些中国锣鼓，将其插入作品的发光部分并与之对话。
您认为即使没有使用者，艺术品也会存在吗？
这个问题问得好。与客观事件或自主有机体不同，如果没有人体验，艺术就不可能存在。作为一套规则，作为一个意义系统，它存在于我们感知它并赋予它意义的那一刻。因此，艺术是人的反映吗？艺术是一个引发其他问题的问题。我们在寻找无形的东西，而它只有在我们感知到它的那一刻才会显现出来。艺术是一个事实，但它是一个系统，只有我们赋予了它意义。但是，对象就在那里，也许它们已经存在（在想象中？但如果它们出现了，是否意味着它们存在，只是被隐藏起来了？
您希望与接触过您作品的观众建立怎样的关系？
我想专注于作品及其表现形式，负责作品的准备工作，一旦作品完成，我就站在一旁观察，从公众的角度观察作品，并观察公众对作品的观察。
您的大多数作品都表现了没有人类就不可能存在的空间。他的存在常常被暗示，被唤起。您是否曾有过在作品中表现人物的冲动？
在我的作品中，观赏者成为作品不可分割的一部分。是我在看，我作为一个人，我在这里，现在，选择并意识到我当前的状态。在《幻影》和《倒影》等一些作品中，观众自己消失了，变成了幽灵。正如在《阈限与超越》中，他看到自己的形象消失在幽深的走廊中。在《保护》中，他变成了纯粹的计算和内心无限的投射。在所有用彩线绘制的作品中，观看的都是我们自己。多年前，我在超现实主义和立体主义之间插入了被肢解成碎片的人物形象。然后以剪影的形式出现，直至完全消失。阴影、光线和虚空。如今，人物成为了观察者，而空旷的空间则几乎成为了 “思考室 ”形式的镜子。反射和测量自己。虚空必须被创造出来，虚空的振动，它的存在必须保持可感知性。
在最近的作品中，有一种标志图案让人联想到光学艺术的一些经验，您对这种艺术形式感兴趣吗？
我必须说，我不太喜欢这种艺术形式，尽管公众经常误解我的这种研究方向。我对格式塔原理更感兴趣。多年来，我对图像在空间中的表现形式、在绘画中的表现方式以及由此产生的感知方式、在领域表面的表现形式产生了浓厚的兴趣。这其中蕴含着一个潜在的问题，即什么是表象，以及我们毕竟也是二十世纪及其所有研究的孩子。就《波》而言，我的目光超越了透视和表现。无数的光粒子，在固体和空隙之间，以不同的长度和色调，形成一系列交替的引力波，就像能量的振荡一样，在空间中传播，形成一个彩虹般的图像表面，几乎就像一个运动和变化中的活体。我想到了最近的量子物理学研究，但也想到了德国画家和学者菲利普-奥托-伦格（Philipp Otto Runge）对色彩，尤其是 “球形色彩 ”的重要而革命性的研究。
您对艺术的神圣维度感兴趣吗？
但丁-阿利吉耶里（Dante Alighieri），《天堂》（Paradiso）：“神圣的光辉根据值得的东西穿透宇宙”。神圣伴随着人类走过了所有的历史时期，创造了各种文化和思想。它伴随着人们探寻奥秘、思考问题的需要。我的成长经历也是如此，我自幼信仰天主教，这无疑影响了我的思想和行为。我有时会想，如果我出生在一个没有灵性思想的无神论文化中，我会是怎样，现在又会是怎样，这会对我的生活和内心探索产生怎样的影响。有了上帝的参照，我开始不断地向自己发问，就像生命和事物中的一种存在，一种对神秘的吸引。如今，我生活在持续的反思或冥想之中，这是一种精神锻炼，一种呼吸，它与一种包罗万象的感觉有关，与对艺术的全心投入有关。一些研究把我推向了一个不确定的 “地方”，我们可以称之为 “别处”。越走越远，远离物质，拥抱一个 “别处”，一个发光的维度。
绘画似乎在您的工作中扮演着核心角色，不仅是从设计的角度，您能给我们讲讲吗？
绘画从小就伴随着我。如今，虽然它还在，但时而出现，时而消失，虽然可以看到，但看不见，它支撑着一个短暂、轻盈的形象，在虚空中支撑着。因此，设计是调节比例、测量空间的基础，与精神和非物质的东西相关联。我的目光是测量和计算，似乎每一次，哪怕只是简单地观察现实，我都在寻找事物之间的比例和关系。我不认为这是一种痴迷，我是本能地、自然地这样做。因此，绘画一直是我整个创作历程中的主要驱动力，如今却在很大程度上被隐藏了起来，几乎看不见。公众在我的作品中看到的就像是一种暗示，是一个整体中被描摹和着色的部分，而这个整体仍在下面，看不见，支撑着作品。
有些艺术家站在自己作品的一侧（如朱利奥-保利尼），有些艺术家则从上往下看，还有些艺术家（如某些表演者）本身就是作品的中心。您如何看待自己与作品之间的关系？
我想知道作品与我们的关系，因为正如恩佐-库奇（Enzo Cucchi）所说：“作品有眼睛和腿”，这是非常正确的。目光是多重的。我的立场直接来自内心，因为我的作品通常是在多个层面、多个阶段、经过数月甚至数年的长时间创作而成的，这些碎片只有在最后的装置过程中才会神奇地建立起来，但在最后，我会站在一边，通过公众的眼睛来看待它们，以不同的方式来看待它们。
本文作者 : Gabriele Landi
Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.免责声明：本篇意大利语原文的中文翻译由自动工具生成。 我们承诺会对所有文章进行审核，但无法保证完全避免因软件造成的翻译误差。 您可以点击 ITA 按钮查看原文。如发现任何错误，请联系我们。
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