Zwischen sichtbar und unsichtbar, die phantasmagorische Welt von Elena El Asmar

Bis zum 2. Mai 2026 ist im Gebäude Terzo Piano in Mailand die Ausstellung Le Fantasmagoriche zu sehen, eine Einzelausstellung von Elena El Asmar (Florenz, 1978), kuratiert von Marina Dacci: Gezeigt werden mehr als vierzig Werke, darunter Skulpturen und Wandarbeiten auf Glas, Tafeln und Papier, aus den Jahren 2008 bis 2026, die hier als einheitliche, speziell für diesen Raum konzipierte Intervention wiederbelebt werden. Die Ausstellung zielt darauf ab, sich als ein organisches, umfassendes Ganzes zu präsentieren, in dem Skulpturen und zweidimensionale Werke einen Raum für den Dialog und die gegenseitige Unterstützung finden. Sie ist das Ergebnis einer Praxis, der von Elena El Asmar, die schon immer auf das Thema der Beziehung zwischen Raum, Erinnerung und Vorstellungskraft geachtet hat: Ihre Werke zielen darauf ab, die Erinnerung in visuelle und narrative Strukturen durch Zeichnung, Malerei, Skulptur, Installation und sogar Worte zu übersetzen, in einem Prozess der kontinuierlichen Schichtung und Transformation. Gabriele Landi führte am Rande der Ausstellung ein Interview mit Elena El Asmar und Marina Dacci.

GL. Elena, warum heißt die Ausstellung Le Fantasmagoriche?

EWR. Vor einigen Monaten begannen wir eine Art schriftliches Gespräch mit Marina, und nachdem ich ihre Einführung gelesen und ihre Fragen beantwortet hatte, sagte ich ihr, dass mir immer wieder das Wort “Fantasmagoriche” in den Sinn kam, das sie mehrmals als Adjektiv verwendet hatte, vor allem im Zusammenhang mit den Arbeiten in der Ausstellung “Le ore terse”. Beim Schreiben dachte ich daran, den Artikel“Le” hinzuzufügen und das Adjektiv in ein Substantiv umzuwandeln. So kam ich zu “Le Fantasmagoriche”, um nicht ein bestimmtes Objekt zu bezeichnen, sondern eine Reihe von Erscheinungen, Bildern, Formen oder Zuständen, die den Raum der Ausstellung durchziehen. Ein offener Plural. “Le Fantasmagoriche” ist nicht nur das, was man sieht, sondern auch das, was auftaucht, sich widersetzt oder verschwindet. Es ist eine Einladung, einen Raum zu betreten, der zwischen Präsenz und Abwesenheit, sichtbar und unsichtbar schwebt. Der Begriff “phantasmagorisch” bezieht sich auf die antiken Phantasmagorien, Spektakel mit projizierten Bildern, die Erscheinungen, Schatten und optische Täuschungen hervorriefen. In diesem Sinne deutet der Titel auf Werke hin, die sich nicht direkt aufdrängen, sondern als Visionen auftauchen: Spuren, Reflexionen, Erinnerungs- oder Identitätsfragmente, die manifestiert und dann sofort wieder entfernt werden. Die Werke können als sensible Erscheinungen gelesen werden, in denen das Reale mit dem Imaginären verwoben ist und in denen das scheinbar Vertraute eine verfremdende Qualität annimmt, ein Ort, an dem der Betrachter nicht aufgefordert wird, zu “erkennen”, sondern sich von Bildern und Empfindungen durchdringen zu lassen, die wie Gespenster wirken und offenbaren, was normalerweise am Rande des Blicks bleibt. Der Titel beschreibt nicht die Ausstellung, sondern aktiviert die Erfahrung, indem er den Besucher einlädt, in der Ungewissheit innezuhalten, zu erkennen, was keinen genauen Namen hat, und sich von einer nicht-linearen Wahrnehmung leiten zu lassen, die aus Erscheinungen, Echos und Bedeutungskonstellationen besteht.

Was ist für Sie Phantasie und wie nähren Sie sie?

EWR. Die Vorstellungskraft ist ein Werkzeug, um sich selbst und die Welt zu erkennen. Sie ist eine Art Zwischenraum, eine Schwelle, an der sich Erinnerung, Erfahrung und Wahrnehmung treffen und zu einer gleichzeitigen Transformation der Gegenwart führen. Die Vorstellungskraft ermöglicht es uns, das Erlebte zu bewohnen, indem wir es mit dem verbinden, was wir sind und was wir in Zukunft sein möchten. In gewisser Weise könnte man sagen, dass die Vorstellungskraft der Motor ist, der die Zeit in einen bewohnbaren, nutzbaren Raum verwandelt. In diesem Raum sind die Dinge nie ganz, sondern stoßen aneinander, überlappen sich und bilden instabile, antihierarchische Geografien. Gibt es etwas Intimeres und Politischeres zugleich als die menschliche Fähigkeit, das Unerhoffte zu wagen, zu visualisieren und zu erhoffen? Wo die Macht dazu neigt, Grenzen festzulegen, kategorisch zu definieren, zu konstruieren, öffnet sich die Vorstellungskraft, verschiebt sich, gehorcht nicht. In dem Versuch, das Absolute als Kategorie des Denkens aufzubrechen, kann der Mensch noch die Kraft finden, die Welt zu verändern.

Marina, ein Text, den Elena mit Sicherheit häufig liest, ist Bachelards Die Poetik derTräumerei , die in ihrer geheimen Bibliothek höchstwahrscheinlich zusammen mit Die Poetik des Raumes desselben Autors steht. In diesen beiden wertvollen Bänden dringt der Autor tief in die beiden Themen ein, die er behandelt, und zwar durch einen Ansatz, der die Erzeugung von Bildern anregt, die zwischen dem Poetischen, dem Psychoanalytischen und dem Imaginativen angesiedelt sind: Welchen Widerhall hat dies alles Ihrer Meinung nach in der Art und Weise, wie Elena ihre Welt sichtbar macht?

MD. Ich kenne Elenas geheime Bibliothek nicht, aber ich habe keinen Zweifel daran, dass Elenas Visionen mit Bachelards Gedankengut in Einklang stehen. Die Landschaften/Räume, die Elena physisch durchquert, werden nicht einfach reproduziert, sondern in einem einsamen, häuslichen Raum sedimentiert. Hier, in der typischen Haltung der Schläfrigkeit, werden sie erinnert, neu imaginiert und schließlich durch eine spezifische malerische und skulpturale Formalisierung wiederhergestellt. Es ist genau das Konzept der Rêverie , das sein Werk auf das Thema der Unermesslichkeit lenkt. Wie Bachelard andeutet, verlässt das träumende Subjekt die umgebende Welt, um in eine Dimension einzutreten, in der die Zeit zurückgesetzt wird und der Raum sich ins Unendliche ausdehnt. Bei der Betrachtung von Elenas Studio-Porträts gewinnt man genau diesen Eindruck: Man bewegt sich in siderischen Räumen. In diesem Prozess wird der Raum zum Generator eines poetischen Bildes, das in enger Beziehung zum Wort lebt. Elena schreibt, und eine besondere Gemeinschaft mit den Bildern der Dichter geht in ihre Texte ein, die dann zu einem integralen Bestandteil ihres künstlerischen Schaffens werden. Ihr Wunsch ist es, dass das Echo ihrer Erinnerungen in der Erfahrung derjenigen mitschwingt, die sich ihrem Werk nähern, und dass sie das, was Bachelard streng auf die Poesie bezog, in die bildende Kunst überträgt.

Elena, in dieser Ausstellung präsentieren Sie eine neue Variante von “The Exercise of the Far”, die weiß ist und gleichzeitig aus transparentem und farbigem Glas besteht. Wie sind Sie zu dieser neuen Definition gekommen?

EWR. In der ersten Version von “The Exercise of the Far”, die 2010 für Madeinfilandia entstand, war die Skulpturengruppe mit weißem, elastischem medizinischem Netz überzogen, so dass es auf einer chromatischen Ebene ein bisschen so war, als würde man “nach Hause” kommen. Für die Ausstellung stellten wir uns den Raum im dritten Stock des Galleria-Gebäudes als eine einzigartige Welt vor, in der Wandarbeiten und Skulpturen in gewisser Weise eine Fortsetzung voneinander sind, eine ununterbrochene Darstellung von ihnen. Daher war es notwendig, unter den transparenten Glaselementen auch Objekte zu zeigen, die Transparenz und Licht durch Farbe modulieren. Das Blau einer Vase steht in einem Dialog mit den Farben einiger Gemälde, ebenso wie die Grün-, Gelb-, Grau- und Rosatöne.

Ich möchte Sie bitten, über den Zyklus von Gemälden zu sprechen, die unter dem Titel Studio Portraits...

EWR. Die Studio-Porträts in der Ausstellung sind Acryl- und Ölgemälde auf einer Holzplatte und sind buchstäblich Studio-Porträts. Die Elemente, die ich sammle und oft für meine Skulpturen verwende, werden zu eigentlichen Sujets, verlieren damit ihre ursprüngliche Funktion und beginnen, sich wie Teile der Landschaft zu verhalten. Sie sind keine Gebrauchsgegenstände mehr, sondern dank der Malerei Oberflächen, die man mit dem Blick durchquert, als ob sie eine Distanz, eine Tiefe, eine Orientierungsmöglichkeit in sich trügen. Das Atelier wird so nicht mehr zu einem geschlossenen Raum, sondern zu einer sich ausdehnenden Geografie, die durch die Bedeutungsverschiebung der minimalen Präsenzen konstruiert wird. Die Landschaft, die sich im Blick formt, kann immer wieder neu erfunden werden, ein Fragment kann zu einem Horizont werden und ein Detail kann sich wie ein Territorium öffnen. Wenn die Dinge aufhören, mit sich selbst übereinzustimmen, findet jene Metamorphose statt, die die inneren Schwingungen der Dinge, die wir betrachten, und von uns selbst aktiviert.

Marina, Elenas Werk operiert in verschiedenen Dimensionen: Neben der skulpturalen Installation gibt es in dieser Ausstellung eine starke malerische Dimension, die sich in zwei Teile gliedert, die der Studio-Porträts und die der Aquarelle . Letztere reimen sich auf konkrete Orte, von denen Elena uns ein Bild gibt, das an die von Gaston Bachelard mit Worten skizzierten Orte erinnert. Was verbindet Elena mit diesen Orten?

MD. Die Ausstellung wurde als eine einzige große Installation konzipiert: ein Lebensraum, in dem der Besucher zirkulieren kann, um die verschiedenen Facetten eines Weges zu erfassen. Im Vorraum des Hauptsaals befinden sich die Aquarelle, die den ersten Schritt dieser Vision von Raum/Landschaft darstellen: Es handelt sich um körperlich und gefühlsmäßig erlebte Erfahrungen, die “aus der Vogelperspektive” erkundet und wiedergegeben werden. Hier finden wir die Schlüsselelemente seiner Beziehung zur Materie - Wasser, Erde, Luft - zusammen mit Visionen von Architektur, die sich in Richtung dessen auflösen, was noch nicht existiert, aber “könnte”. Beim Betreten des Hauptraums fungiert die große zentrale skulpturale Installation(The Exercise of the Far) als Fenster zur Welt: Durch sie filtert unser Blick, kodiert neu und stellt sich neu vor. Die sie umgebenden Gemälde - dieStudioporträts - stellen eine Art Umkehrung der Skulpturen dar; sie sind in einem präzisen Rhythmus an der Wand angebracht, fast so, als wären sie Noten auf einem Pentagramm, das zu jener siderischen Dimension führt, von der wir gesprochen haben. Schließlich denke ich an Le Ore terse, ein Werk, das zugleich den Anfang und das Ende der Ausstellung darstellt. Eine Erinnerung an die rêverie. Das Werk scheint auf den ersten Blick ein makelloses Glas zu sein. Bei näherer Betrachtung kann man jedoch eine auf Glas gravierte Landschaft erkennen, die sich die Künstlerin in der Stille und im Halbdunkel des Raumes aus der Beobachtung eines Details eines Stuhls in ihrem Zimmer vorgestellt hat.

Marina, ich persönlich glaube, dass sich das Werk von Elena vor unseren Augen wie eine Landschaft entfaltet, die man unmöglich in ihrer Gesamtheit erfassen kann: Es gibt immer etwas, das uns entgeht, das unseren wissbegierigen Augen verborgen ist. Wie sehen Sie das?

MD. Ich denke, dass Elenas Arbeit eine Art und Weise vorschlägt, in der Welt zu sein, die nicht “faktisch” ist, sondern kontemplativ. Sich auf dieser Welle treiben zu lassen und, wie ich schon sagte, in Kontakt zu kommen, das, was uns umgibt, in unserem Inneren widerhallen zu lassen, indem wir uns auf uns selbst einlassen.

Elena, Marina, ihr kennt euch seit langem und habt schon oft zusammengearbeitet: Wie würdet ihr das Band definieren, das euch verbindet?

EEA-MD. Fantastisch! Und wir sagen es unisono.

Der Autor dieses Artikels: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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