Georg Baselitz. Die Welt auf den Kopf stellen, indem man den Menschen auf den Kopf stellt

Der umgedrehte Mann: Baselitz’ Ikone, die der deutsche Künstler zu einer Art Marke gemacht hat. So auch in der jüngsten Ausstellung " Helden aus Gold", die auf der Insel San Giorgio eröffnet wurde, kuratiert von Luca Massimo Barbero, dem neuen Präsidenten der Fondazione Cini. Einweihung mit einem steinernen Gast: Georg Baselitz hat den Werken jede Pflicht der Anwesenheit übertragen, er segelt nämlich ab dem 30. April zu den Inseln, wo die Mythologie den Helden und den Gerechten eine Heimat gegeben hat. Wie schon seit mindestens zehn Jahren ist auch das Format der Leinwände von Zeit zu Zeit gewachsen und hat diesmal eine Höhe von vier Metern erreicht. Das Gold scheint den Raum und den menschlichen Körper zu vereinen, das eine eingebettet in das andere: die Markierung, die die Figur begrenzt, über der Farbwirbel wirbeln, ähnelt einer Felsgravur. Obwohl sie einen mystischen Raum darstellen, wie in der byzantinischen Malerei oder im Mittelalter, wirken diese gigantischen Leinwände wie Alices Spiegel, die Welten durchqueren. Auch hier, zum letzten Mal, stehen die Figuren auf dem Kopf. Ein Prinzip der Authentifizierung der Malerei, die der deutsche Künstler im Laufe der Jahrzehnte geschaffen hat.

Baselitz trat auf der internationalen Bühne mit einer Handvoll deutscher Künstler auf, die man später Neoexpressionisten nannte und die auf die internationale Krise der abstrakt-konzeptuellen Kunst Ende der 1960er Jahre mit der Ankündigung einer baldigen Rückkehr zur Malerei reagierten. Es war eine teutonische Sprache, die zum Sturm und Drang der so genannten Neuen Wilden wurde und Künstler wie Gerhard Richter und Kiefer, Immendorff und Middendorf, Hödicke und einige ihrer Schüler (Lüpertz, Fetting, Zimmer) und andere aus dem schweizerischen und österreichischen Raum wie Disler und Anzinger zusammenführte. In Italien reagierte die Transavanguardia, die Bonito Oliva später auf die internationale Ebene zu übertragen versuchte, indem er den deutschen Neoexpressionismus und amerikanische Maler wie Schnabel und David Salle mit einbezog (auch mit einer Ausstellung in Venedig, die in diesen Wochen in der anderen Cini-Halle, unweit der Gallerie dell’Accademia, stattfand).

Nur wenige Künstler haben das Privileg, Schlussfolgerungen“ über ihre Arbeit zu ziehen. Manche Künstler fürchten sich sogar vor dem Gedanken, dass ihre Reise ein Ende hat. Wenn Baselitz an diesen zehn Leinwänden mit diesem Gedanken gearbeitet hat, kann der Betrachter nicht anders, als sich zu fragen, was noch kommen wird. Der apokalyptische Ausspruch ”Alles ist vollbracht", den Christus am Kreuz kurz vor seinem Tod tätigte, bezog sich, soweit man das annehmen kann, auf das, was die heiligen Schriften über den Erlöser prophezeit hatten. Aber wenn wir es als den Moment sehen, in dem sich die Welt auf den Abgrund hin öffnet, der den am Kreuz gestorbenen Helden in den Hades, in den Scheol, wie die Hebräer sagen, das Reich des Todes, führt, dann gilt auch hier mehr als zuvor, dass alles vollbracht ist. Von dort gibt es kein Zurück mehr, denn die Hölle ist wohl dieses Bewusstsein, tot zu sein" und es nicht wiedergutmachen zu können.

Ich habe mich immer gefragt, ob das Malen von Figuren auf dem Kopf für Baselitz einen ethischen Wert hatte, aber der Künstler hat immer wieder erklärt, dass diese “Form” (wir reden hier von der Darstellung einer Pose, nicht von der Abbildung) eine gewählte Methode war, um Aufmerksamkeit zu erregen, um wahrgenommen zu werden. Sie war zu banal, fast amerikanisch in ihrem utilitaristischen Zweck, zu dem etwas, das in der Malerei nicht ganz neu ist, verbogen wurde. Petrus zum Beispiel folgt seinem Herrn auf demselben Weg zum Kreuz, wird aber kopfüber gekreuzigt. Es handelt sich nicht, wie man meinen könnte, um eine Demütigung durch das römische Gesetz, sondern um eine Entscheidung: Petrus wollte seinem Herrn folgen, fühlte sich aber demütig nicht würdig, auf dieselbe Weise zu sterben. Für die Römer war die Kreuzigung eines Mannes auf dem Kopf eine schmerzhaftere Strafe, die als Warnung für diejenigen gedacht war, die Unruhen anzettelten. Petrus musste also einen Preis zahlen, weil sein Herr von einigen als derjenige angesehen wurde, der die römische Macht stürzen würde.

Aber ist diese Preiserhöhung auch in Baselitz’ Gemälde präsent? Eine Überlagerung von Tragik? Es ist schwer zu glauben, dass Baselitz eine so banale Wahl getroffen hat, um von den Kritikern wahrgenommen zu werden, wo doch die auf dem Kopf stehende Figur seit der Antike zweifellos “kritische” Werte hat. Vor sieben Jahren wurden in der Galleria dell’Accademia neue Leinwände von Baselitz ausgestellt; der deutsche Maler ist, anders als Kiefer in seiner letzten Periode, nie dem Manierismus derjenigen erlegen, die sich, nachdem sie berühmt geworden sind, wiederholen. In dieser Ausstellung gab es immer noch auf dem Kopf stehende Figuren, Akte oder Porträts, die von einer viel kälteren, von Grau bis Hellblau reichenden Palette gekennzeichnet waren, aus der blassrosa Figuren hervorgingen, die von Bahnen durchzogen waren, die zu den konstruktiven Linien einer Treppe wurden, die die Akte hinabstiegen, aber in Wirklichkeit handelte es sich, da sie auf dem Kopf standen, um eine aufsteigende Bewegung, sozusagen. Eine Idee, die mich entfernt an die Art und Weise erinnert, wie Duchamp die retinale Vision der realistischen Malerei desavouieren wollte, indem er einen Akt vorschlug, der die Treppe hinabsteigt und in viele Splitter zerfällt wie ein zerbrochener Spiegel (und das war bereits eine vollständige Überwindung des Kubismus).

Heben sich die auf dem Kopf stehenden Figuren auf diese Weise mehr ab oder erscheinen sie so, wie sie sind, in einer Beziehung zum Realen? Das sollte nicht nur als Cleverness gewertet werden (auch wenn es vielleicht zum Teil so war). Aber das wäre fast eine Boutade. Nannimoretisches Dilemma: Komme ich und gehe zur Seite oder komme ich gar nicht? Andere Nudeln, andere Zeit. Baselitz hatte Mitte der 1960er Jahre einen Zyklus von Helden gemalt, titanische Gestalten, die überschwänglich wie eine aus der Erde katapultierte Knolle auftauchten, eine Art Bildtrüffel, der die Geburt eines neuen Menschentyps ankündigte, dessen Gefühle noch nicht dadurch gestärkt werden mussten, dass er seinen Körper auf den Kopf stellte und in den Schoß zurückkehrte, der ihn geboren hatte. Er war immer noch, Baselitz, ein Künstler, der an die deutsche Mythologie anknüpfte, die Beuys bis zur berühmten Pflanzung der siebentausend Eichen gefunden hatte, deren Werk nach dem Tod des Künstlers von seinem Sohn vollendet wurde. Obwohl Georg es später ablehnte. Baselitz’ Figuren waren in Wirklichkeit Baummenschen, Dendriten, die in Bäumen lebten und deren Aussehen annahmen, Bewohner oder vielmehr Kinder einer Menschheit, die sich noch nicht mit der westlichen Zivilisation vermählt hatte, und wiesen mythische, mit Knoten und verdrehten Muskelfasern übersäte Körper auf. Die Malerei vermittelte uns eine große Vorfreude auf ein künstlerisches Talent, das in der Lage war, die Welt zu verklären, während es schien, dass alles gesagt war und nichts mehr erfunden werden konnte. Deshalb ist die Behauptung des Künstlers, er habe eines schönen Tages versucht, ein Bild auf den Kopf zu stellen, wenig gerechtfertigt, denn alle bemerkten diese Merkwürdigkeit, wurden auf ihn aufmerksam und überzeugten ihn, weiterzumachen, bis es zu seinem Markenzeichen wurde.

Baselitz ist ein hochkultivierter Maler, das zeigt sich schon in seinen Zeichnungen aus den 1960er Jahren. Er malt nicht aus dem Bauch heraus, er malt mit Kopf und Herz, wie die meisten neoexpressionistischen Maler der 1970er und 1980er Jahre. Und gerade wegen dieser Meditation über Form und Zeichen, die wie ein Lebensimpuls aus dem Inneren kommt, verkörpert die deutsche Malerei dieser Zeit ein grundlegendes Moment in der Kunstgeschichte der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts verkörpert. Sie kann in Beziehung gesetzt werden zu der zersetzenden antitotalitären Arbeit, die die westliche Kultur gegenüber dem Eisernen Vorhang leistete, der vom sowjetischen Kommunismus errichtet und von der Berliner Mauer visuell verkörpert wurde. Mauern, Ziegel, Steine, Vorhänge tauchen auch in der Malerei von Baselitz und seinen deutschen Landsleuten der 1960er Jahre auf, die noch immer als Hemmschuh des Geistes dafür bezahlen, dass sie das deutsche Volk unter dem Nationalsozialismus mit der schlimmsten moralischen Schuld befleckt haben, die man sich vorstellen kann. Auch Kiefer hatte einen Ausweg aus dieser Last gesucht, indem er Figuren darstellte, die den Nazigruß zeigen wollten.

Baselitz gestand wiederholt sein Erstaunen darüber, dass die “Umkehrung” der Figur nicht zur “Schulform” geworden war, d.h. nicht von anderen nachgeahmt wurde. Warum konnte er nicht begreifen, dass eine Entwicklung verpasst worden war, die, wenn man ehrlich ist, außerhalb seines individuellen Horizonts kaum glaubwürdig wäre? Baselitz ist einzigartig; er wird nie der Schöpfer einer Schule sein. Baselitz hat sich in den letzten Jahrzehnten immer wieder selbst übertroffen: Der Zyklus 2018 erinnert gerade durch die Reduktion der reichen und überbordenden Farbpalette der goldenen Jahre und des zweiten Jahrzehnts dieses Jahrhunderts, wenn auch mit größerer Künstlichkeit und Geisteskälte (von den schwarz-weißen Negativbildern von 2004-2007 zu anderen ? in denen 2012 die Farbe wieder auftaucht), erinnert an eine Art räumlichen Nebel, wie das Auftauchen echter “auf dem Kopf stehender” Erscheinungen aus der kosmischen Nacht (die Farbtöne, wenn auch anders, erinnern an die fast monochromen Farben einiger Holzschnitte aus der Mitte der 1960er Jahre, die von einer Beziehung zu den Alten Meistern zeugen).

Engelsgleiche, geheimnisvolle Figuren scheinen über uns zu schweben und spiegeln unsere Schwerkraft wider. Als kultivierter Maler (in den Zeichnungen der späten 1950er Jahre ist die Verwandtschaft mit der Renaissancemalerei von Giovanni di Paolo, den Madonnen von Rosso Fiorentino und Pontormo, von Beccafumi, aber vor der von Leonardo und Raffael zu erkennen: Das Gold führt uns, wie gesagt, auf anderen Wegen zu den Byzantinern und dem Mittelalter zurück, aber Baselitz ist ein Verschlinger der Malerei, und zu seinen modernen Lieblingsgerichten gehören natürlich die deutschen expressionistischen Maler, aber auch der unvermutete Bonnard). Vielleicht kann man, vor allem in der Vergrößerung der Formate, auf denen er malt, in dem Gigantismus, den ein anderer großer deutscher Name der letzten Jahre, Anselm Kiefer, teilt, eine Tendenz zum Akademismus als Sprache der Erhabenheit sehen. Aber je größer der Himmel des Ikarus, desto größer der Absturz, wenn die Sonne über ihm aufgeht. Baselitz und Kiefer, zwei Helden der deutschen Kunst, die auf das Urteil der Geschichte warten.

Der Autor dieses Artikels: Maurizio Cecchetti

Maurizio Cecchetti è nato a Cesena il 13 ottobre 1960. Critico d'arte, scrittore ed editore. Per molti anni è stato critico d'arte del quotidiano "Avvenire". Ora collabora con "Tuttolibri" della "Stampa". Tra i suoi libri si ricordano: Edgar Degas. La vita e l'opera (1998), Le valigie di Ingres (2003), I cerchi delle betulle (2007). Tra i suoi libri recenti: Pedinamenti. Esercizi di critica d'arte (2018), Fuori servizio. Note per la manutenzione di Marcel Duchamp (2019) e Gli anni di Fancello. Una meteora nell'arte italiana tra le due guerre (2023).

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