Der kürzlich erschienene Artikel von Luca Rossi über das Abdriften der “Superstar-Kuratoren” wirft ein sehr interessantes Thema auf. Luca Rossi zufolge “sind Kuratoren zu Stars geworden und haben die Werke und Künstler verdrängt. Die großen Ausstellungen, wie die Biennalen und die Documenta, werden wegen der Kuratoren und nicht wegen der Künstler in Erinnerung behalten. Ein surreales System, das die Kunst zu töten droht, indem es sie auf ein Medienspektakel reduziert”, und die Passivität “hunderter homologisierter, schwacher Künstler, die nicht in der Lage sind, sich vom System zu emanzipieren”, sind für dieses Abdriften verantwortlich.
Als Medienwissenschaftler kann ich den meisten seiner Argumente nur zustimmen. Die zeitgenössische Kunst ist zu einer großen Bühne geworden, und vieles von ihr existiert als solche, d.h. in dem Maße, in dem es ihr gelingt, mediale Aufmerksamkeit zu erlangen. Damit gehorcht sie letztlich den Regeln der Medienindustrie, die so weit entfernt sind von der Freiheit und Authentizität, die wir in der Arbeit eines Künstlers suchen. Ich habe jedoch einige Bedenken, wenn ich es als Folge dieses Mechanismus als “groteskes Paradoxon” betrachte, dass Kuratoren im Laufe der Zeit eine vorteilhafte Position und größere Sichtbarkeit gegenüber Künstlern erlangt haben. Für die Medienindustrie, insbesondere für die Kulturseiten der Zeitungen, ist die Vorrangstellung des Kurators überhaupt kein Problem, im Gegenteil. Aus ihrer Sicht ist die Wiederherstellung einer Geografie der Macht, zu der die Vergabe eines Kuratorenpostens einen Schlüssel darstellt, berichtenswerter als die Botschaft eines Kunstwerkes.
Und das wäre noch nicht einmal der giftigste Aspekt des Mechanismus. Seit etwa fünfzig Jahren, also lange vor dem Aufkommen des Internets, werden die Medien, von wenigen Ausnahmen abgesehen, nicht für die Qualität ihrer Inhalte (und damit nicht einmal für die Qualität ihrer Nachrichten) bezahlt, sondern für das Publikum, das sie in einem bestimmten Raum konzentrieren können. Der Unterschied zwischen konkurrierenden Medien liegt in der Fähigkeit, Aufmerksamkeit zu gewinnen, der letzten knappen Ressource der Branche. Anstatt sich auf ihre Kernkompetenzen (z. B. journalistische Fähigkeiten) zu konzentrieren, kamen die meisten Medien auf die glorreiche Idee, in der gleichen Liga zu spielen, nämlich der Anhäufung von Zuschauerzahlen, bei der sie zunächst gegen das Fernsehen und später gegen Online-Plattformen verlieren würden.
Dieses Spiel hat offensichtlich nie Pluralismus und Vielfalt belohnt, sondern “Stars”, Blockbuster-Inhalte und die daraus resultierende kulturelle Homologisierung, die Rossi zu Recht beklagt. Das Problem für die Künstler besteht also nicht darin, sich von den Kuratoren zu emanzipieren, sondern sich von der Notwendigkeit zu befreien, “durch die Medien” zu erscheinen, für die der Kurator zum Protagonisten wird, wenn die Nachricht vom Kurator gebracht wird.
Auf diese Weise kann es übrigens sogar passieren, dass der Kurator die wirklichen Nachrichten, über die die Medien nicht berichten, in den öffentlichen Diskurs einbringt und zum Protagonisten einer totalen Umkehrung des herrschenden Blicks wird. Auf der Documenta 14 war es Adam Szymczyk, der uns die Augen für die Schäden eines Europas öffnete, das nur noch ein finanzielles Gebilde ist und Griechenland nur noch als zahlungsunfähigen Schuldner sieht, ohne die Tiefe der sozialen Fragen zu berücksichtigen, die die Kunst aufgreifen kann und muss. Auf der Documenta 15 war es das Ruangrupa-Kollektiv, das uns gezeigt hat, was passieren kann, wenn der kuratorische Vorschlag keine realen Zugangsbarrieren in Betracht zieht, auch nicht die der Tolerierbarkeit von Grammatiken.
Es ist gar nicht so weit hergeholt, daran zu erinnern, dass selbst für Deleuze der Künstler in dem Moment, in dem er sich mit der Kommunikation - und damit mit der Eroberung der Medien - beschäftigt, aufhört, ein völlig freier Künstler zu sein. Es sei denn, er schafft es, sich über sie lustig zu machen, wie es einigen Künstlern immer noch manchmal, aber immer seltener, gelingt.
Abschließend möchte ich sagen, dass ich nicht glaube, dass das Endergebnis, wie Rossi vorschlägt, der endgültige Tod der zeitgenössischen Kunst sein wird. In der internationalen Szene mangelt es nicht an Talenten, die in der Lage sind, unsere Aufmerksamkeit zu erregen, ohne sich den Regeln der Bühne und der Macht derer, die sie ausstatten können, zu beugen. Darüber hinaus können wir die Statistik nicht ignorieren, die zeigt, dass immer mehr Räume selbst radikalen Vorschlägen gewidmet sind, die oft noch eine große Anzahl von Besuchern anziehen. In einer Zeit, in der die Homologierung unaufhaltsam voranschreitet, wächst auch die Nachfrage nach Radikalität in bestimmten Teilen des Publikums, insbesondere bei den jüngeren Generationen. Und das ist gut für die Kunst und für die Hebel des sozialen Bewusstseins, die sie immer zu aktivieren vermochte.
Ein weiterer Grund, optimistisch zu sein, besteht darin, dass wir heute aus dem einen oder anderen Grund ein Museum, eine Ausstellung oder sogar eine große Biennale mit viel mehr Neuigkeiten in der Tasche verlassen, als wir nach der Lektüre einer Zeitung oder dem Ansehen einer Nachrichtensendung mit uns tragen.
Zeitgenössische Künstler haben die von den Medien verlassene Prärie besetzt, gerade weil viele von ihnen sich noch immer nicht mit den Regeln des Showbusiness abfinden. Und gerade wenn wir uns in dieser Wüste aufhalten und nicht in den überfüllten Arenen der Marktschreier, werden wir ihre Stimmen wieder hören können. Und die Superstar-Kuratoren? Überlassen wir sie ihrem Schicksal: Auch sie leben von der Vielfalt, und die Vereinheitlichung könnte sie auf Dauer aushungern.
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