Mimmo Jodice, 1934 in Neapel geboren, ist eine der repräsentativsten Persönlichkeiten der italienischen und internationalen Fotografie. Sein Werk steht nun im Mittelpunkt der Ausstellung Mimmo Jodice. L’enigma della luce im Schloss von Udine (vom 5. April bis 4. November 2025, kuratiert von Silvia Bianco) steht, umfasst mehr als fünfzig Jahre visueller Erkundungen, die von technischen Experimenten bis hin zu poetischen Erzählungen von Orten und Erinnerungen reichen. Seine Schwarz-Weiß-Bilder, die von einer metaphysischen Stille und einem suggestiven Licht durchdrungen sind, verwandeln die Realität in eine Vision, den Raum in einen Schwebezustand und die Zeit in eine Reflexion.
Die Kunstfotografie von Jodice zeichnet sich durch ihre Ausgewogenheit zwischen Form und Intuition aus, durch ihre Fähigkeit, durch die scheinbare Einfachheit des Hell-Dunkel-Kontrasts tiefe Emotionen hervorzurufen. Neapel, seine Heimatstadt, ist der Protagonist vieler seiner Werke: nicht nur ein Schauplatz, sondern auch ein Objektiv, durch das man die Komplexität des Lebens beobachten kann, das aus volkstümlichen Traditionen, kollektivem Schmerz und historischen Schichtungen besteht. Jodice ist ein Fotograf, der die Camera obscura zu seinem inneren Labor gemacht hat, der die Abwesenheit fotografiert hat, um von der Anwesenheit zu sprechen, und der uns weiterhin lehrt, “gut” zu sehen, wie er selbst sagt, nur wenn das Licht die Formen richtig streichelt. Hier, in 10 Punkten, erfahren Sie, wie Sie in die rätselhafte und visionäre Welt von Mimmo Jodice eintreten können.
Für Mimmo Jodice ist das Licht nicht nur ein Mittel, um sichtbar zu machen, was sich vor der Linse befindet, sondern eine poetische und spirituelle Substanz. Durch das Licht formt der Künstler das Bild, enthüllt seine verborgene Seele, aber vor allem konstruiert er ein Universum, das die Realität übersteigt. Das Licht, insbesondere das Licht, das die Oberflächen sanft umschmeichelt, ist das Element, das die Formen zeichnet, ihre Details hervorhebt und paradoxerweise das Unsichtbare andeutet.
In den Werken von Mimmo Jodice wird das Hell-Dunkel zur ausdrucksstarken Sprache: Der Schatten ist nicht Abwesenheit, sondern beredte Präsenz; das Licht ist nicht Entblößung, sondern Offenbarung. Es ist ein geistiges, inneres Licht, das mehr erzählt als es zeigt. Jodice ist es gelungen, die Einfachheit des natürlichen Lichts in ein mächtiges künstlerisches Werkzeug zu verwandeln, das in der Lage ist, metaphysische Reflexionen zu erzeugen. Seine Aufnahmen “dokumentieren” nicht, sondern evozieren Atmosphären voller Stille und Bedeutung. Genau in diesem Rätsel, in diesem Spiel zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, liegt der Kern seiner Poetik. “Gut sehen. Man kann nur dann ein ausgezeichnetes Ergebnis erzielen, wenn das Licht die Modellierung der Formen richtig streichelt”, sagt der Künstler selbst.
Die Karriere von Mimmo Jodice ist von einer unerschöpflichen Experimentierfreudigkeit geprägt. Seit den 1960er Jahren stellt er nicht nur das zu fotografierende Objekt in Frage, sondern auch das Medium selbst: die Fotografie. Die Dunkelkammer wird zu seiner Werkstatt der visuellen Alchemie, dem Ort, an dem die Realität zerlegt und nach einer persönlichen, poetischen Logik neu zusammengesetzt wird. Jodice manipuliert Negative, überlagert Bilder, sucht in Schwarz-Weiß nicht nach einer getreuen Wiedergabe der Realität, sondern nach ihrer Neuerfindung.
Für ihn ist jedes Bild das Ergebnis eines langen Prozesses der Beobachtung, des Wartens und der Interpretation. Der Moment der Aufnahme ist nur eine Phase. Die Arbeit in der Dunkelkammer ist die Seele seines Schaffens: die Umwandlung des Bildes in eine Vision findet dort statt. Seine Methode verbindet technische Strenge mit expressiver Freiheit. Durch seine Recherchen zeigt uns Jodice, wie die Fotografie Meditation, Introspektion und visuelle Philosophie sein kann.
Neapel ist nicht nur die Stadt, in der Jodice geboren wurde und in der er gelebt hat, sondern sie ist auch der Stoff, aus dem seine gesamte Poetik schöpft. “Die Fotografie von Jodice”, schreibt Silvia Bianco, "ist das Ergebnis eines raffinierten Forschungs- und Schaffensprozesses, der durch seine persönlichen Erfahrungen bereichert wird, durch ein Leben in Neapel, einer Stadt, die er im Laufe der Jahre neu interpretiert hat und die ihn zu vielen seiner Visionen inspiriert hat. Seit seiner ersten fotografischen Serie ist die neapolitanische Stadt der Protagonist seiner Aufnahmen. Mit Chi è devoto dokumentiert Jodice die volksreligiösen Traditionen der 1970er Jahre und gibt ein Neapel wieder, das von Spiritualität und kollektiven Ritualen durchdrungen ist. Diese Bilder sind lebendig, voller emotionaler Beteiligung. Neapel ist aber auch Schmerz: In dem Projekt I volti del cholera (1972) erzählt Jodice von einer Epidemie, die das Gesicht der Stadt tiefgreifend prägt, und hält das menschliche Drama mit einem teilnehmenden und intensiven Blick fest.
In den folgenden Jahren ändert sich jedoch seine Sichtweise. Mit der Serie Vedute di Napoli (Ansichten von Neapel ) (1980) verlässt der Künstler die dokumentarische Dimension und betritt die symbolische. Die Stadt erscheint leer, zeitlos, in eine dünne Stille getaucht. Die Menschen verschwinden, und an ihrer Stelle entstehen schwebende Räume, gespenstische Architekturen, metaphysische Atmosphären. Jodice zeigt uns ein Neapel, das nicht mehr in der realen Zeit existiert, sondern in einer inneren Dimension lebt. Es ist die visuelle Erzählung einer rätselhaften Stadt, weit entfernt von Stereotypen, wiederhergestellt in ihrer kulturellen und existentiellen Tiefe.
Eines der faszinierendsten Merkmale von Jodice’ Werk ist die zentrale Bedeutung der Abwesenheit. Wo viele Fotografen die menschliche Präsenz, die Aktion, das Leben in Bewegung suchen, macht Jodice die entgegengesetzte Geste: Er eliminiert den Menschen fast vollständig aus der Szene, hinterlässt aber Spuren von ihm im Raum. Seine Stadtbilder, Landschaften, leeren Innenräume sind nicht menschenleer, sondern voll von Stille und Erinnerung. Die Abwesenheit in seinen Bildern ist nicht Leere, sondern Echo, sie ist das, was nach dem Vergehen bleibt. Es ist eine dichte Abwesenheit, die zum Nachdenken anregen will, die Zeit und Geschichte hinterfragt.
In vielen Serien ist der Protagonist nicht das, was man sieht, sondern das, was man wahrnimmt: die Schwebe, die Erwartung, das Unausgesprochene. Es ist eine Bildsprache, die an die metaphysische Malerei erinnert, aber auch an das Theater der Abwesenheit, das im 20. Jodice konstruiert Räume, in denen der Betrachter aufgefordert ist, die Leerstellen mit seiner eigenen Erfahrung zu füllen. Seine Fotografien sind offene Schwellen zum Denken. In diesem Sinne wird die Fotografie zur Meditation. Die Abwesenheit ist keine Negation, sondern eine Bedingung für wirkliches Sehen.
Im Rahmen des Projekts Trouver Trieste (1985-86) wurde Jodice mit einer Stadt konfrontiert, die dicht an historischen Schichten ist: Triest. Mit dem Auftrag, sie mit seinem Blick zu interpretieren, wählte er zwei symbolische Orte: das Winckelmann-Museum und die Risiera di San Sabba. Im Museum, zwischen klassischen Statuen und antiken Überresten, inszeniert Jodice eine visuelle Wiederbelebung der Vergangenheit mit poetischen Visionen der Vergangenheit.
In der Risiera hingegen ist der Ansatz strenger, dramatischer. Die Risiera, ein ehemaliges Konzentrationslager, ist ein Ort des Schmerzes. Jodice begegnet ihm mit Respekt und Intensität, fotografiert die kahle Architektur, die scharfen Linien, die geschlossenen Räume. Das Licht ist hier hart, vertikal und bildet eine zeitlose Dimension, die zum Erinnern einlädt. In beiden Fällen ist die Erinnerung nicht nur ein Objekt, sondern eine Erfahrung. Jodice stellt eine emotionale Verbindung zur Geschichte her, indem sie Orte durch Komposition, Licht und Stille zum Sprechen bringt.
Das Mittelmeer ist für Mimmo Jodice eher ein Ort der Seele als ein geografischer Raum. Seine neapolitanischen Wurzeln verbinden ihn untrennbar mit diesem “mare nostrum”, das er als Wiege der Zivilisation, als Schauplatz kollektiver Erinnerungen und als ewige Kulisse versteht. Seine dem Mittelmeerraum gewidmeten Fotoserien - insbesondere Das Polyptychon der Papyrusvilla und Die Gesichter der Erinnerung - erkunden dieses Universum mit visionären Augen. Die antiken Statuen, in Marmor gemeißelt und von der Kamera verewigt, scheinen mit einem eigenen Leben zu vibrieren.
In den Bildern von Jodice wird Geschichte nicht nur dargestellt, sondern auch wahrgenommen. Klassische Formen tauchen in der Moderne als schwebende Präsenzen, als bedeutungsgeladene Relikte wieder auf. Seine Fotografien suchen nicht nach idealisierter Schönheit, sondern nach sedimentierter Erinnerung. Es gibt in ihnen eine Spannung zur Ewigkeit, eine Beschwörung der Beständigkeit bestimmter menschlicher Emotionen über die Jahrhunderte hinweg. Das Mittelmeer ist in diesem Sinne kein Hintergrund, sondern eine Figur: ein stummer Zeuge von Kriegen, Mythen, Kunst und Spiritualität. Jodice verwandelt es in einen Raum außerhalb der Zeit, in dem sich die Antike und die Moderne durch die universelle Sprache des Bildes begegnen.
In Jodices jüngsten Werken nimmt die Natur eine immer zentralere und symbolischere Rolle ein. Dabei handelt es sich jedoch nicht um eine idyllische, beruhigende Natur. Im Gegenteil, die natürliche Landschaft - vor allem wenn sie mit architektonischen Elementen oder Alltagsgegenständen vermischt ist - wird zu einem mehrdeutigen, fast beunruhigenden Raum. In der Serie “Eden” zum Beispiel stellen die Bilder unangenehme Fragen über unsere Beziehung zur Umwelt. Bäume verflechten sich mit künstlichen Strukturen, Alltagsgegenstände werden mit dunklen, fast bedrohlichen Bedeutungen aufgeladen.
Die Natur ist in diesen Arbeiten eine Bühne, auf der sich das Drama der zeitgenössischen Entfremdung abspielt. Der Fotograf beobachtet, wie die - oft unsichtbare, aber wahrgenommene - Präsenz des Menschen die Landschaft radikal verändert hat. Es herrscht eine ständige Desorientierung, ein Gefühl des Verlustes. Doch selbst in diesem Szenario gelingt es Jodice, eine ergreifende Schönheit einzufangen, eine Poesie, die aus den Rissen hervortritt. Die Natur wird so zu einem Ort der Reflexion über unsere Zeit, Einsamkeit und Identität.
Nach seiner Erzählung über Neapel hat Jodice seinen Blick auf andere Städte ausgeweitet : Rom, Venedig, Boston, Montreal, Triest. Wo auch immer er hinkommt, bleibt sein Ansatz konsequent: Er sucht keine touristische Repräsentation oder didaktische Erzählung, sondern eine Form der urbanen Introspektion. Seine Städte sind Räume, die vom stillen Blick des Autors durchquert werden. Die Architektur wird zu einer symbolischen Struktur; die Geometrien der Gebäude, die Linien der Straßen und Brücken, die Leerräume zwischen den Räumen erzählen von unsichtbaren Präsenzen.
Jodice interessiert sich vor allem für die Beziehung zwischen Licht und Architektur. Wie in einem umgekehrten bildhauerischen Prozess lässt er das Licht die Oberflächen formen und die tiefe Identität des Ortes offenbaren. Seine urbanen Fotografien sind nie überfüllt: Sie sind schwebend, metaphysisch, fast abstrakt. In ihnen spürt man die Melancholie der vergehenden Zeit, aber auch eine Spannung auf das Ewige. Die Städte werden zu Spiegeln der Innerlichkeit, zu stillen Theatern unausgesprochener Gefühle.
Die Fotografie von Jodice ist stark von der Sprache der Malerei beeinflusst, insbesondere von der metaphysischen Malerei Giorgio de Chiricos. Seine Kompositionen offenbaren eine fast wahnsinnige Aufmerksamkeit für Form, Gleichgewicht und Perspektive. Die architektonischen Fugen, die Symmetrien, die Leerstellen, die die Szene beherrschen, sind alles Elemente, die an eine klassische Vorstellung von Schönheit, aber auch an ein Gefühl des Geheimnisses erinnern. In vielen seiner Werke verliert sich das Auge in stillen Szenen, in denen sich der Raum ins Unendliche zu erstrecken scheint und Schwindel und Nachdenken hervorruft.
Selbst in den einfachsten Motiven - einer Statue, einer Fassade, einer Treppe - sucht Jodice nach einer ästhetischen Dimension, die über das Zufällige hinausgeht. Jedes Detail ist gewählt, jeder Schatten ist beabsichtigt. Das Ergebnis ist ein Bild, das die Sprache der bildenden Kunst spricht, das einen Dialog mit der Kunstgeschichte führt, aber mit einer neuen Stimme.
Der Beitrag von Mimmo Jodice zur italienischen und internationalen Fotografie ist nicht nur wegen der ästhetischen und poetischen Qualität seiner Bilder wichtig, sondern auch wegen der Art und Weise, wie er die Fotografie in ein Instrument der Erkenntnis, der Meditation und der Kunst verwandelt hat. Sein Weg lehrt, dass das Bild nicht nur zeigen, sondern zum Nachdenken anregen muss; dass jede Aufnahme eine ganze Philosophie enthalten kann.
Der Hauptgrund für die Originalität der Fotografie von Jodice ist vielleicht sein Blick, der die tiefe Bedeutung der Dinge einfängt, der die Materie in ein Symbol verwandelt, das Alltägliche in das Ewige. Für Silvia Bianco ist Jodice “eine Referenz für die neuen Generationen wegen seiner Fähigkeit, Innovation und klassische Raffinesse zu verbinden”.
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