神经网络、人工智能、物种间合作、跨学科和基因操纵是当代最具代表性的术语。它们几乎应用于所有的研究和生产领域，如今也开始进入私人领域，从而以指数级的速度加速了 我们正在消亡的人类中心主义的解体。如果说以前我们倾向于把未来想象成一个乌托邦式的坍塌，在这个坍塌中，人类将冒着灭顶之灾的危险，因为它对与它共同生活在这个星球上的其他生命形式拥有过度的权力，那么现在，在我们的想象中，人类的最终消失更多的是在其他实体的手中逐渐丧失权力，有时这些实体甚至属于我们无法感知的新维度。人类世是一个以人类在改变地球环境中的决定性作用为特征的地质时代，它从语言根源上保持了人类的中心地位，人类仍然是理解现在和代表未来的主要方向参数，尽管是负面的。现在，这个时期即将结束，那么下一个世界时代的词源是什么呢？我们的时代是一个过渡阶段，在这一阶段中，我们的文化传统仍然是人本主义的，我们被一种事物秩序的警告所迷惑和吸引，在这种秩序中，人的成分可能只是偶然的，我们通过捍卫人与非人之间对立的本体论效力，极端地试图代谢他者。
即使在近年来以这些主题为重点的艺术创作中，与应用于人工系统的神经信息学所产生的难以捉摸的存在形式的对抗，在很大程度上也是由一种蛇形的（尽管是低调的）竞争性所驱动的，这种竞争性隐含在一种好奇心之中，那就是测试它们与人类模式相比的极限和潜力。皮埃尔-于伊热（Pierre Huyghe，1962 年出生于巴黎）是国际当代舞台上最著名的艺术家之一，他的成名作包括装置艺术、电影、集体项目和表演，这些作品从 20 世纪 90 年代初开始实现，通过系统地拆解假定的紧凑性，对我们的集体想象力提出质疑。艺术家将自己的作品视为 推理小说，在其创作生涯的第一阶段主要是 录像作品，旨在研究故事形成机制中固有的叙事结构以及每种叙事的内在多义性。
他一直对人类和非人类之间的关系感兴趣，从 2000 年代初开始，他将对视频蒙太奇语义线性的摒弃转化为环境作品的创作，这些作品呈现为持续不断演变的复杂系统，其特点是不同生命形式、无生命物体和技术之间的互动。在这个意义上，2001 年为威尼斯双年展法国馆创作的装置作品《图灵城堡》（Le château de Turing）具有象征意义，在这个稀有的环境中，各种事件层出不穷，试图通过在负责计算过程的 HAL 计算机的追溯控制下，将人类、动物和机器这三种不同的信息处理方式交织在一起，从而消除人类、动物和机器认知特性之间的界限。这种混合创造出的不确定性环境，是其他形式的可能世界出现的理想孵化器，这或许是他的作品最与众不同的风格特征，即使在他后来的发展中也是如此，正如他自己喜欢重复的那样，从那时起，他就致力于创造 “通向可能或不可能--通向可能或不可能 ”的感官入口。
这个开创性的项目为他赢得了评审团特别奖，而当时他的研究还处于开创阶段。20 多年后，艺术家再次回到威尼斯，在第 60 届国际艺术展期间，在Punta della Dogana（皮诺收藏馆自 2009 年以来的展览场地）举办了一个新的大型回顾展。此次展览得到了艺术家过去十年的亲密合作者、策展人安妮-斯滕娜（Anne Stenne）的大力支持，艺术家被授权管理由日本建筑师安藤忠雄（Tadao Ando）修复作为博物馆的建筑群的广阔空间。展览汇集了由大收藏家弗朗索瓦-皮诺特（François Pinault）长期收藏的历史作品和他最新研究成果的新作品，以这样一种精心策划的方式实现了他的双重意图：既对他多年来的创作之路进行了详尽的回顾，又让参观者沉浸在一个空间和时间限制似乎都消失了的综合环境中。
旅程从黑暗中开始，这是一个羊膜状的无差别矩阵，当我们的眼睛适应了黑暗之后，我们就会看到一个巨大的人形漂浮在空中，一心一意地做着手势，这些手势唤起了一种神秘的仪式感，就像蚯蚓在地下无意识地扭动一样。这是投影在多孔帆布膜上的实时模拟作品《极限》（2024 年），在作品中，一个男女交替的躯体在盲目地缓慢移动，将其有知觉的重心定位在取代其面部的黑洞中。这个无意识的实体在黑暗中体验着自己，支撑其视觉的隔膜后面的几个光点勉强照亮了它。在它面前，我们弥漫着一种古老的崇高感，这种崇高感源于我们与它之间不可逾越 的距离，同时又夹杂着一种无法解释的怀旧情绪，那就是对其原始存在的认同。
继续前行，当我们遇到 "门户“（2024 年）时，幻觉的面纱被撕开了。”门户"是一个图腾雕塑，配备了环境传感器、摄像头和麦克风，是人类可感知和不可感知信息的发射器，能够从通过它的脉冲中学习。这个结构是另一个分散的混合体的神经中枢，由戴着金色面具的表演者组成，他们在大厅里徘徊，以我们试图探究其奥秘时同样的恒星强度观察我们。有时，当我们进入他们的视线范围时，我们也会被他们对话的神秘片段所吸引，对话是用一种我们不知道的语言--成语（2024 年）--进行的，这是一种不断酝酿的语言，其声音发射是由人工智能即时复制的。这些人物代表了皮埃尔-于盖的多语义方法，是展览所处不同环境之间的连接组织，增强了它们的时空共存性。在他最著名的作品之一《人的面具》（Human Mask，2014 年）中，脸的问题再次出现，它被理解为身份的或然催化剂或否定催化剂。影片的背景是 2011 年核灾难后福岛地区的一座不知名的荒废城市，一只身穿连衣裙、戴着女性面具的猴子在一家废弃的餐馆里徘徊，时而忙着为看不见的顾客端酒，时而沉浸在自己的野性思维中。在她的行为中，本能和训练在无休止的重复中碰撞，目的性被抽空，使得演员、角色和人物的概念无法区分，这揭示了人类面具的所有模糊性，在这里，它就像一个陷阱，我们的移情能力在其中被激活，以捕捉原本无法表达的他者。
随着我们继续踏上未知的旅程，人类的成分变得越来越脆弱和残留，正如在水族馆中看到的那样，空间被一系列玻璃下的生态系统所点缀，这些生态系统突然被屏幕外遥不可及的幻象所遮蔽或照亮。在每个玻璃橱窗中，动物、植物、岩石和自然化的文化遗存共存，例如寄居蟹就生活在《Zoodram 6》（2013 年）中康斯坦丁-布朗库伊（Constantin Brâncu?i）《休眠的缪斯》（Dormant Muse）的复制品中。在这些作品中，每个物种共同的本能行为战胜了单个实体的个性，创造出一种永远无法预测的叙事，尽管这种叙事作为一种普遍模式，从注定不会重复的偶然事件中反复出现。在这些灰色的环境中，暗指失去了原有的统一性，动物们成为一出无情节剧的主角，其发展完全不受观众反应的影响。
卡马塔》（Camata，2024 年）是一部由人工智能实时剪辑的自制影片，在这部影片中，我们看到一些机器正在对智利阿塔卡马沙漠发现的一具未埋葬的人类骸骨进行葬礼或治疗仪式。自然景观的抽象广袤，在镜面屏幕上似乎与天文学家为研究太阳系外的行星而从远处扫描的天空的镜面广袤重合，似乎将存在的复杂性溶解在一个整体的清澈视野中，在这个整体中，不同的系统体验着它们可能交汇的多重性。
正如 Huyghe 本人在伦敦蛇形画廊举办UUmwelt展览之际与汉斯-乌尔里希-奥布里斯特（Hans Ulrich Obrist）的对话中所说，他的目的不是 “向某人展示什么，而是让某人接触什么”。从这个意义上说，“极限 ”完全可以作为一种变革性的体验，吸引我们进入其不可抗拒的磁场，引导我们对他者进行彻底的反思。
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