2023 年 4 月 22 日至 10 月 4 日，米兰 王宫将在欧洲首次举办国际艺术界领军人物之一莱安德罗-埃利希的大型专题展览。展览名为 "超越阈限"（Beyond the Threshold），由米兰市文化局（City of Milan-Cultura）主办，Palazzo Reale 和 Arthemisia 协办，埃利希工作室（Studio Erlich）协办，弗朗切斯科-斯托奇（Francesco Stocchi）担任策展人。
莱安德罗-埃利希（Leandro Erlich）是阿根廷艺术家，1973 年出生于布宜诺斯艾利斯，他创作的大型装置作品与公众产生联系和互动，成为艺术作品本身。人们几乎可以攀爬进入的建筑物、被连根拔起悬在空中的房屋、不知通向何处的电梯、像线团一样纠缠在一起的自动扶梯、令人迷失方向的超现实雕塑、颠覆常规的视频。所有这些元素都 在非同寻常的背景下讲述着 平凡的事物，在这里，一切都与想象中不同，我们失去了现实感和对空间的感知。
埃利希的作品是深刻的概念性艺术研究的成果，它流淌在矛盾之中，已经赢得了全球数百万游客的青睐：在东京有 600,000 人，在布宜诺斯艾利斯有 300,000 人。在世界各地，公众对他的展览趋之若鹜，这些展览的特点是现场特定装置，其创作非常复杂，因此也非常罕见。
因此，在 Reale 宫举办的展览将使公众有机会通过埃利希最著名、最具代表性的作品来了解他的作品，这些作品首次在 同一地点展出，目的是使艺术家的创作系统化。埃利希将参观者带入一个神奇的世界，在那里，可能变成了不可能。他的作品探索了现实的感知基础，以及我们通过视觉框架审视这些基础的能力。日常建筑是埃利希艺术中反复出现的主题，其目的是在我们所相信的和我们所看到的之间建立一种对话，并试图弥合博物馆空间和日常经验之间的差距。
艺术家本人是这样描述自己的：’我喜欢把自己描述成一个在现实和感知领域工作的概念艺术家。我的主题是现实、符号和潜在的意义。我努力创造一套作品--尤其是在公共领域--开放想象力，颠覆常态，重新思考表象，并提出构建和解构情境的行动，以扰乱现实。泛泛而谈"。
埃利希的每件作品都可以被解读为一扇窗口，让人们通过这扇窗口来观察世界，而不是误导人们，揭示每个人内心深处的风景。作为第一反应，埃利希的作品唤起人们对日常事物的熟悉感，进而暗示某种怀疑。仔细观察作品，观众的目光开始怀疑自己的感知，发现自己面对的是一种无法解释的现象。埃利希的主要想法是，在与他的作品互动的公众中激起疑问、怀疑和情绪，而正是观众的参与使作品变得完整。
展览由 Generali Valore Cultura、交通合作伙伴 Frecciarossa Treno Ufficiale 和媒体合作伙伴 Urban Vision 赞助。图录由托卢卡工作室出版。
图录由 Toluca Éditions 出版，并由 Galleria Continua 协办。
"正如展览策展人弗朗切斯科-斯托奇（Francesco Stocchi）所解释的，“埃利希的作品是作为光学机器的建筑结构，对世界的感性数据提出了质疑。通过在米兰王宫举办展览，埃利希选择了意大利作为展示其雄心勃勃的项目的地点，通过新感知空间的舞台，激发人们的思考和沉思。埃利希的作品之所以能吸引众多观众，而不局限于业内人士，是因为他需要直接面对观众，向他们提出问题，让他们积极地参与进来，从而达到普遍暴露的目的”。
展览中的 19 件作品表明，通过从经验中获得的观念中解脱出来，我们每个人都能体验到自己的维度，一种全新的、不受遮蔽的视野：一种新世界的到来。每件作品都是一个关于观察微小、平庸现象的事件，这些现象被转移到博物馆空间后，获得了一种新的状态。作品激发了新的集体行为，并将自动习惯转化为启示、不适和重组的时刻。在社会行为方面，埃利希成为一个真正的破坏者。每件作品都要求观众做出承诺，并参与到揭幕行动中，这就有意引起了观众的第一反应，即对日常事物的熟悉感，随后不确定感也悄然而至：公众的注意力是莱安德罗-埃利希的原材料，只有公众才能完成作品。
埃利希在世界各地博物馆的装置作品揭示了多层次的复杂解释。互动语言与社交媒体的影响力相结合，使他的艺术作品远远超越了机构的围墙。埃利希展示了当前状况的清晰图像，从而促使参观者认识到自身的不平衡、排斥和自我迷恋。展览在王宫的庭院中拉开帷幕，2004 年为巴黎 Nuit Blanche 创作的纪念性 现场装置作品《 Bâtiment》在这里展出。从那时起，它就根据当地建筑的特点在世界各地展出。不过，展览机制始终如一：水平放置在地面上的是一个建筑外墙的复制品，上面有阳台、壁龛、楣板和顶篷。参观者实际上是 “悬挂 ”在这些装饰物上，一面倾斜 45 度的大镜子将地面上的影像反射到垂直面上，给人一种真实外墙的错觉，感觉重力定律已不复存在。
这些装置在王宫底层的房间中继续展出。Elevator Pitch》（2011 年）唤起了豪尔赫-路易斯-博尔赫斯（Jorge Luis Borges）故事中主人公可能面临的梦幻场景。无名的电梯门建在墙壁上，看似毫不起眼，直到伴随着重复而独特的鸣叫声打开，这才真正寓意着生命的循环往复。电梯门打开后，我们会看到一个充满各种乘客的机舱，他们在不同的环境中工作，对我们的存在不感兴趣，让我们的目光无所遁形；没有人下楼，也没有人上楼，与他人生活的关系只是表面上的密切。由于每件作品在展厅中都有自己的空间，它们与建筑直接对话，作为形而上学参照的空间扭曲发挥了最佳效果。
Window Captive Reflection》（2013 年）表现了工作室内的常规和静态氛围，与外面的植被景色相叠加。双重倒影的并置，使室内空间的细节与花园中摇曳的树木一起被感知，令人回想起玻璃所包含的记忆。所见之物与所感之物一起，让观者面对一个 “另一个 ”空间，它不仅将图像，也将时间囚禁在倒影中。将相反的二元对立联系起来，如反思状态与行动状态，是埃利希语言的特点。但这些只是表面条件。
云》（2018 年）：人类的一种倾向是试图给不存在的东西添加秩序和形式，就像星星随机排列成星座一样。迷失方向和知觉困惑是埃利希作品的一贯特点，他通过创作图像来 “自娱自乐”，引发观察者的虚幻感受。埃利希几乎是在捕捉不可捉摸的事物，他将各种云朵漂浮在气势恢宏的陈列柜中，就像在 奇珍异宝柜中一样。同样，自古以来，我们就想象着云朵中的各种形状，它们不断变化，在不断的变异中展开梦幻般的旅程。艺术家认为，天空的光影、形状和色彩决定了每个人对城市的感知。
雨》（1999 年）最初是为 2000 年纽约惠特尼双年展创作的，它巧妙地挑战了 “只有在户外才能下暴雨 ”这一公认的惯例。该作品由砖墙和窗户组成的假外墙，工程设计的雨滴在砖墙和窗户的映衬下强行散落，闪电则照亮了天空。除了埃利希作品中特有的从室内看到室外空间的迷失感之外，这件作品还让人产生一种源于无休止暴雨的忧郁和恐惧的奇怪而不安的感觉。
在《反射之港》（2014 年）中，三艘船似乎漂浮在水面上。实际上，这件装置作品利用计算机计算出小船在水面上摇晃的方式，然后精确地再现了小船的外观和动作。我们之所以以这种方式感知这件作品，是因为我们相信船就是漂浮在水面上的东西。通过这种方式，该作品帮助我们理解我们是如何通过先入为主的观念和刻板印象来看待事物的。标题中的 “倒影 ”超越了其感官层面，引发了对图像与现实之间关系的思考：正如《地铁》、《全球快车》、《El Avion》等作品一样，《倒影港》提醒我们，我们总是在移动，我们总是在一艘船上中转，这寓意着人生的旅程，就像尤利西斯返回伊萨卡一样。任何乘坐过跨越多个时区的夜间航班的人，可能都对一觉醒来所产生的停滞感和迷失感深有体会。
夜航》（2015 年）以及《El Avión》（2011 年）通过再现从客机窗口俯瞰地球表面的夜景，诱发了这种梦幻感。这种令人信服的博物馆内模拟场景唤起了人们对长途飞行所带来的惊奇和烦躁不安，让人一时怀疑自己是否看到了来自地球表面数英里高空的真实景象。
埃利希经常出现的一个主题是，在常见的、有时是平淡无奇的常态表象背后，隐藏着一个持续存在的世界。风景》（1997-2005 年）乍看之下并没有什么特别之处，只是厨房旁边有一对窗户，百叶窗半开着。走近一看，透过百叶窗，邻近公寓楼后墙的影像浮现在眼前。这是一个不详的傍晚时分，十几个邻居都在进行着各自的仪式：穿衣、洗衣、做饭、吃饭或看电视。窥视癖如此明显，以至于造成了一种持续监视的错觉。然而，这种错觉又是如此 难以抗拒，它点燃了一种被禁止的快感体验，那就是观察邻居的一举一动，而不必担心被抓个正着。
Ascensor》（1995 年）和《Lifted Lift》（2019 年）都是既不上行也不下行的电梯：它们的功能被剥夺，好奇心迫使我们窥视内部，从而带来双重惊喜。首先是向下俯瞰的景色，无边无际地延伸到地板之下，这引发了第二重惊喜，即意识到这个空间实际上并不存在。电梯》所创造的想象世界基于这样一种想法：当观众往里看时，会莫名其妙地期待瞥见博物馆地板下有一个秘密的电梯井：这件作品直接证明了自然法则被暂时搁置，让感知战胜了逻辑。每一个惊喜都以自己的方式体现了边缘空间的作用，纠正或破坏了当时的主流视角：从现实到幻想，或从幻觉到启示。
在《全球快车》（2011 年）中，城市景观从看似地下或高架火车的窗口流过。当我们观察这些图像时，我们可以感受到旅途中无情的节奏，看着一个标志性城市（东京）无缝地转变为另一个（纽约），然后又转变为另一个（巴黎）。全球特快 "揭示了我们所认同的每个城市的纪念碑和建筑标志。作为一个同步事件交织在一起，我们体验到了技术每天为我们提供的东西：在几毫秒内跨越不可能的距离的能力。莱安德罗-埃利希是一位不确定的建筑师，他创造的空间具有流动和不稳定的边界。这段视频让我们感觉经历了一次独特的旅行，在这次旅行中，多个大都市融合成一个单一的全球卷轴。
失落的花园》（ Lost Garden，2013 年）利用了空间的建筑结构，由一个三角形建筑组成，正面有两扇窗户，内部是一个花园。用艺术家的话说，《失落的花园》（2009 年）希望在日常空间的平凡体验中创造深度，暗示一种永久的怀旧状态。与埃利希的其他作品一样，观众被困在雕塑感知和错视的游戏中，即使作品的外部外观与我们对其内部的感知相矛盾。作品标题中提到的 “失去的东西 ”与花园中田园诗般的意境形成鲜明对比，使作品成为一种隐喻，表达了人们对恢复和不朽过去的渴望。
变化》（2008 年）。当观众进入布置典雅的更衣室时，会发现三面都安装了全身镜。但这些镜子并没有显示我们的倒影，而是向远处延伸，创造出空间。进入化妆间后，你会发现化妆间与后面的另一间化妆间相连，后者也许会通过其他镜子反射出你的影像。你甚至可能遇到一个陌生人，他突然出现在附近更衣室的镜子里。在这个充满幻想和空虚的日子里，更衣室就像一个界限不清的 迷宫，层出不穷。迷茫和对迷失的恐惧在邂逅的惊奇中消散。就像爱丽丝在镜子中迷失了自己，再也分不清镜子的这一面、自己和另一面，我们也在一个纠缠不清的迷宫中迷失了自己，这个迷宫不是一个，而是不下 30 个更衣室。
楼梯》（2005 年）看起来像一个真人大小的螺旋楼梯，包括楼梯间，然后旋转了 90 度。虽然观众是从地面垂直观看一件艺术品，但他们会产生一种窥视向下的楼梯井的错觉。可以看到楼梯上的其他人都是侧着看，而不是向上看，这进一步强化了令人不安的体验。这件作品取消了楼梯供人上下的作用，埃利希将建筑结构从其原有功能中解放出来，通过对其感知的颠覆，将其转化为一件独立的艺术作品。
埃利希的首批视频雕塑作品之一是《 地铁》（2009 年），其中移动图像引入了一个虚拟环境，将另一个空间搬进了画廊。与《El Avión》和《Global Express》（均为 2011 年作品）一样，这件装置作品唤起了旅行和中转的催眠节奏，但图像的功能并不是叙事性的，而是一种空间幻觉：视听序列通常是无声的，根据电影的真实性参数进行调节，因为这样才能让我们觉得它们是真实的。这是一种循环往复的时间性，在这种时间性中，人们对图像进程的兴趣开始消解，例如在《电梯间》（2011 年）中。
交通堵塞--重要性顺序》（2018 年）展示了沙土覆盖的汽车和卡车雕塑，其排列方式类似于交通堵塞，试图唤起人们对气候变化危机的关注。两排车辆被一个交通岛分割开来，大部分车辆被沙子部分掩埋，给人一种被淹没的感觉--这指的是全球变暖导致海平面上升。 "埃利希说：“气候变化及其后果不再是一个观点或意见问题。”气候危机已经成为一个需要立即解决的客观问题。这件作品就像当代庞贝古城的图像或未来的遗迹，也暗示了我们在巨大的宇宙平衡中的脆弱地位。
教室》（2017 年）是一件互动装置，它将观众置于两个比例完全相同、被玻璃隔开的房间前。第一个房间没有任何装饰，主题中性，只有简单的深色长凳，邀请人们坐下，而窗户另一边的房间则精心模拟了一间破旧的教室，封闭而凝固。当观众走进去时，他们的身影就会被玻璃反射出来，像幽灵一样出现在另一侧的房间里。通过这种方式，他们就像来自过去的幽灵，邀请观众利用个人记忆和想象力，以成年人的身份回到童年的原型场景中。观众在享受这种幻觉所唤起的氛围的同时，也面临着由自己的童年记忆和故事所引发的对未来的憧憬，以及当今西方所面临的出生率下降和人口减少的问题。
美发沙龙》（2017 年）虽然看起来像是用镜子和整齐的椅子重建了一个美发沙龙，但也有一些惊喜。有些镜子并不像我们习惯的那样显示倒影：我们看到的不是自己，而是根本不在房间里的人，他们和我们一样茫然地看着我们。事实上，在我们所认为的镜子的另一面，是一个完全不同的空间。埃利希玩弄了我们的期望，即镜子照出了我们的脸，而实际上 “镜子 ”只是一个框架，隔开了另一个空的空间，这就是艺术家常见的满与空的感知游戏。
莱安德罗-埃利希是享誉世界的阿根廷当代艺术家，他的作品利用光学幻觉和声音效果来颠覆我们的常识概念。从大型装置到视频，公众乍一看似乎似曾相识，但仔细观察，就会发现作品中存在着令人惊讶和不安的偏差，例如，在没有水的情况下漂浮的小船，或者以各种姿势贴在墙上的人。
1973 年出生于阿根廷。在巴黎、布宜诺斯艾利斯和蒙得维的亚生活和工作。
他的展览最近打破了所有的入场记录，无论地域或机构类型：从吸引了 60 多万观众的 MORI 美术馆（东京，2017 年），到 HOW 美术馆（上海，2018 年），再到 MALBA（布宜诺斯艾利斯）的大型选集展览 “极限”（Liminal），参观人数超过 300.000人；在中国顶级美术馆CAFAM（中央美术学院，北京）举办的《大虚空的界限》展览上，埃利希成为第一位占据整个展览空间的非中国艺术家，直到目前正在巴西巡回展出的回顾展（CCBB贝洛奥里藏特、里约热内卢、圣保罗）。2022 年 12 月，新版《极限》（Liminal）在迈阿密 PAMM 美术馆开幕，这是美国的首个选集展，将一直展出到 2023 年 9 月。
埃利希 18 岁时在布宜诺斯艾利斯的雷科莱塔文化中心举办个展，从此开始了他的职业生涯。在获得多项奖学金（El Fondo Nacional de las Artes、Fundación Antorchas）后，他继续在休斯顿的艺术家驻地核心项目（格拉斯尔艺术学院，1998 年）学习，并在那里创作了著名的作品《游泳池》和《起居室》。2000 年，他以《雨》参加了惠特尼双年展；2001 年，他以《游泳池》代表阿根廷参加了第 49 届威尼斯双年展，该作品被日本金泽 21 世纪美术馆和荷兰沃尔林登博物馆永久收藏。
埃利希曾多次获得国际重要奖项，包括罗伊-纽伯格展览奖（纽约，2017 年）、马塞尔-杜尚奖提名（巴黎，2006 年）、联合国教科文组织奖（伊斯坦布尔，2001 年）、莱昂纳多奖（布宜诺斯艾利斯国家美术博物馆，2000 年）、国家艺术基金会奖（布宜诺斯艾利斯，1992 年）。
他的作品被许多私人和公共机构收藏，包括布宜诺斯艾利斯现代艺术博物馆、休斯顿美术馆、伦敦泰特现代美术馆、巴黎蓬皮杜中心国家现代艺术博物馆、日本金泽 21 世纪美术馆、罗马 MACRO 美术馆、耶路撒冷博物馆、法国 FNAC、法国巴黎市和 SCNF、荷兰 Voorlinden 博物馆、西班牙 MUSAC。
图片：莱安德罗-埃利希，《 教室》（2017 年）。两个大小相同的房间、木头、窗户、桌子、椅子、门、镜子、灯、黑板、学习用品和其他教室装饰品，以及黑盒子。尺寸可变。木国敬三，莫尔蒂美术馆
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| 米兰，与莱安德罗-埃利希一起在王宫将不可能变为可能 |
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