将公众和作品联系在一起，拉近艺术与艺术爱好者之间的距离，这种顽固的需求促使艺术家们从 2000 年起开始以明显的三维姿态放弃创作。从本质上讲，他们主要创作雕塑、录像和装置作品。这种方法，即使不使用隐喻和文化阐释，实际上也有助于使作品更接近和更具体，甚至以牺牲通常更容易理解和习惯的语言为代价。最重要的是，绘画在过去五年中才重新回到与年轻艺术家最相关的展示舞台（画廊和博览会）上。雕塑和装置艺术重新占据主导地位，但这也体现了时代精神，至少是更加开放和实验性的精神，致力于寻找新的形式和解决方案。尤其是装置艺术，很好地表达了当代人不可抗拒的其他欲望：壮观、混合、多变。因此，尽管公众中较为保守的那部分人持怀疑态度，但这种艺术形式完全符合其所处的时代。
但是，如果说我们经常赞扬世界演变的周期性（这导致了最坚韧不拔的艺术媒介--上述绘画--的回归），那么同样引人注目的是它的不可预测性。因此，刺激装置艺术兴起的同样的渐进流动性，也导致了一种几乎处于对立面的另类艺术：录像艺术。随着技术的传播几乎占据了我们生存的所有领域，意大利艺术也加深了与数字媒体的关系。在这些媒体中，最直观、最容易探索的--或者因为它与电影的关系，或者因为从静态图像（绘画）到动态图像的线性过渡--立即变成了视频。法布里齐奥-普莱西（Fabrizio Plessi，1940 年出生于雷焦艾米利亚）无疑是这两种体验之间的完美衔接，他将上述两种表现形式与他著名的录像装置艺术相结合。2000 年，他为汉诺威世博会意大利馆创作了一个 44 米高的不朽装置，名为 "垂直海"（Mare verticale）。多年来，普莱西经常重新提出物质和色彩流动的解决方案，甚至在米兰王宫（普莱西 Mariverticali）和布雷西亚圣朱利亚教堂（普莱西 Sposa Brixia）举办的最新展览上也是如此。
Marinella Pirelli（维罗纳，1925 年 - 瓦雷泽，2009 年）和Studio Azzurro 的作品更早，但同样杰出。前者是意大利视觉语言的敏锐实验者，在实验电影领域取得了开创性的成果，其影片注重色彩与抽象形式之间的平衡，以对发光现象和光的折射（Doppio autoritratto）的沉思为开端。1982 年成立的 Studio Azzurro 集体工作室，通过创造视频环境（《两座金字塔》）、敏感环境、博物馆路线、戏剧表演和电影，更广泛、更系统地展示了将技术媒介，特别是视频，融入艺术世界的可能方式。
具体到我们的分析阶段，最成功地专注于此类语言的作者无疑是MASBEDO，这是由 Nicolò Massazza（米兰，1973 年）和 Iacopo Bedogni（萨尔扎纳，1970 年）组成的艺术双人组。二人自 1999 年起开始合作，并抢先掌握了新媒体的巨大潜力：将不同的艺术语言（录像、装置、电影、表演、前卫戏剧和声音设计）融为一体。在内容方面，他们的主要技巧是仔细观察社会人类学元素与人类经验中更亲密、更诗意的元素的共存。这显然是与我们之前详细谈到的 “关系艺术 ”相联系的元素。Teorema di incompletezza》是马斯贝多冰岛之行（2008 年）的开场作品，以北极风光为背景，通过破坏易碎的水晶和玻璃制品，再现了一对男女之间艰难的关系，隐喻了这对恋人之间神圣和亲密关系的解体。从更广阔的视角来看，这段视频暗示了作为当代渴望--神经症--所有西方资本主义社会唯一驱动力的欲望，是如何使存在感萎缩的。罗莎-巴尔巴（Rosa Barba，阿格里琴托，1972 年）也将录像作为表达不同语言和来源的容器，从档案研究到旅行，从阅读到写作。作品《从源到诗》（From Source to Poem，2016 年）几乎具有这种说教意味，这部在美国拍摄的影片从世界上最大的多媒体档案馆--位于弗吉尼亚州库尔佩珀的美国国会图书馆帕卡德视听保护中心（Packard Campus for Audio-Visual Conservation of the Library of Congress）--收集图像，并将它们组合成一个层次密集的视听叙事，其中，如同白噪声一样，每个元素都被叠加并逐渐浓缩。简而言之，这件作品邀请人们思考历史和文化生产的传承空间。
尤里-安卡拉尼（Yuri Ancarani，拉文纳，1972 年）也成功地融入了这一背景，他的录像作品带有明显的纪录片倾向。自 2000 年开始活跃（2009 年，Ricordi per moderni）以来，这位艺术家多年来创作了许多重要作品（2010-12 年，Lamalattia del ferro；2014 年，Le radici della violenza），并成功拍摄了故事片《Atlantide》（2021 年），该片荣获 2022 年大卫-多纳泰罗最佳纪录片奖（并成为威尼斯电影节 Orizzonti 单元的候选影片）。另一方面，文森佐-马西利亚（Vincenzo Marsiglia，1972 年出生于贝维德雷马里蒂莫）坚持对有形现实与虚拟现实之间的关系进行反思。 他从绘画出身，在整个职业生涯中尝试了各种数字解决方案。特别是，这位艺术家的创作之路与一个独特的代码--四角星、EU--Marsiglia Unit--的形成息息相关，这个代码成为了他图示作品中反复出现的符号。他通过织物、陶瓷、石头、玻璃、纸张来表达对这一符号的执着重复，并通过节奏和形式的不断变化来表达自己。随后，他又转向了各种数字媒体：液晶显示器、led 墙、面罩、人工智能，尤其是视频（Holo Private Immersion）。从美学角度来看，他的作品可以与几何抽象、极简主义和光学艺术相媲美。
雕塑-装置以同样特殊的方式非物质化为视频，视频同时也为艺术表现形式提供了材料--或至少是见证，而艺术表现形式的卓越之处在于其短暂的品味：表演。不可否认，录像为表演打开了另一扇（永久的）实现之窗，从而抵消了表演的消逝。如果没有录像，我们就无法了解茜茜（丹妮拉-奥利维耶里，博洛尼亚，1977 年）的表演经历。从她早年的活动开始，艺术家就用手工编织、塑料和其他材料制作巢穴或蚕茧，这些巢穴或蚕茧往往具有服装的功能。例如，在Daniela ha perso il treno（1999 年）中，茜茜穿着一条轮胎制成的裙子，使她无法登上火车；在La di piano（2002 年）中，珐琅陶瓷元素描绘了一顶皇冠和一双乳白色的木屐，塑造了一个既真实又混杂的形象。在他的诗学中，服装不是出现的方式，而是与世界保持持续接触的载体。因此，他的制作方法和美学让我们能够以既精确又令人回味的方式进行交流。
尼科-瓦斯切拉里（Nico Vascellari，维托里奥-维内托，1976 年）的表演同样具有冲击力，他将音乐（尤其是他的声音）作为一种表达方式。这些作品在城市或博物馆环境中进行创作，以结构化的符号装置为傲，旨在唤起一种层层叠叠的意象，传达一种原始的能量。在这个意义上，《我听到一个影子》（2009-2010 年）就是一个典范，在这件作品中，瓦斯切拉里利用一块巨大的青铜岩石铸件作为他仪式性行为的传声筒。仪式和与之相关的重复在直播流《DOU》（2020 年）中爆发，艺术家在大流行病禁闭期间进行了直播，在 24 小时内重复 “我相信你 ”这句话，以推出他的 CODALUNGA YouTube 频道。这次行动涉及许多问题：政治、社会、艺术、叙事、技术、广告等等。路易吉-普雷西切（Luigi Presicce，1976 年出生于切萨雷奥港）的表演也涉及仪式性问题。 他善于将异教的apotropaic仪式与14 世纪中世纪壁画的图标参考相结合，或回忆法西斯集会和共济会会议，并将其与古代和遥远文化的参考相融合。这些美学闪光往往凝结成形而上学和超现实性质的鲜活表象，充满了对神秘主义、宗教和他的故乡萨兰托传统的寓言和象征性影射。这方面的例子不胜枚举：《毕达哥拉斯向相声演员报喜》（2010 年）、《尘世天空下的世界之王》（2014 年）、《双棘地狱中画家工作室的抽象寓言》（2014 年）。
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