这篇文章讲述的是艺术与技术之间的联系。我指的是真正能够促进艺术创作的技术。技术是当代艺术家创作过程中的主角、伴侣，同时也是不可或缺的工具。有些艺术作品诞生于代码和像素之中，对观察者提出了挑战。
这就是我去年 9 月在韩国首尔Futura Seoul 美术馆演讲时谈到的内容。20 世纪 60 年代，瑞典策展人和远见卓识者比利-克吕弗（Billy Klüver，1927 年出生于慕尼黑，2004 年出生于新泽西州）创建了 "艺术与技术实验"（Experiments in Art and Technology，简称 EAT），这是一个将艺术家、科学家和技术专家聚集在一起的革命性项目。新泽西的贝尔实验室是革命性发现和发明的前沿阵地，通过与贝尔实验室的合作，艺术家们得以尝试以前无法接触到的技术。这让他们的创造力得以拓展。
我在学习期间遇到了克吕弗，并受到了他作品的影响。他的理念很明确：如果工程师能够成功创造出 EAT，那么我们今天也可以开发出类似的产品。在这种思考的基础上，NEAT 项目诞生了。实际上，这个想法是在参加了一次受 EAT 启发的会议之后产生的，尽管我的兴趣源于社会学家马歇尔-麦克卢汉（Marshall McLuhan，1911 年出生于埃德蒙顿，1980 年出生于多伦多）的著作。我特别引用了麦克卢汉 1964 年发表的《理解媒体》一书，他在书中强调了艺术预见社会和技术变革的能力。这位社会学家认为，艺术就像一个预警系统，让我们为未来的变革做好准备。艺术不仅仅是美学，它还是一种基本的感知训练。同样在 1964 年，艺术家白南准（Nam June Paik，1932 年，首尔；2006 年，迈阿密）制造了机器人 K-456，挑战了电视作为被动媒体的传统观念。白南准把电视变成了艺术，并利用卫星传输创作出了连接世界各地人们的作品。20 世纪 90 年代末和 21 世纪初，我遇到了白南准，他的话影响了我的思想：白南准认为，技术不应仅限于娱乐，而应成为释放诗意潜能和促进文化间对话的工具。考虑到互联网、区块链、人工智能和增强现实所提供的新视角，这一愿景在今天依然具有现实意义。此外，白南準经常强调技术在更深层次上连接人与人之间的潜力，他认为这一目标尚未完全实现。
我认为，技术的不断发展也表明，未来往往源于从过去继承下来的元素。2000 年，受白英奇的启发，我在首尔策划了自己的第一个展览。在首尔，我被这座城市巨大的电子屏幕所吸引，这在当时的欧洲大都市是非常罕见的。我与白南準以及克里斯蒂安-波尔坦斯基、皮皮罗蒂-里斯特和亚瑟-贾法等其他艺术家合作，构思了一个利用大型、不拘一格的广告牌来吸引大量休闲观众的展览。结果如何？突破了传统画廊的局限。那几年也是我与科学家海因茨-冯-福尔斯特（Heinz von Foerster，1911 年出生于维也纳，2002 年出生于澎湖）会面的关键时期。作为控制论的领军人物，冯-福尔斯特是二阶控制论运动的设计师之一。他的职业生涯始于 20 世纪 40 年代，在 20 世纪 60 年代达到顶峰，提出了 “自动应用的第二力量”。他的理论的一个重要方面是将观察者视为系统的基本要素，将其置于每一个创造性和科学过程的中心。根据这位科学家的观点，人类不仅仅是系统的外部实体。
我曾在许多展览中探讨过这一主题，但在 2006 年，我决定将重点更多地放在一个机构上。此前，我主要在巴黎现代艺术博物馆担任巡回策展人。自 2006 年起，我担任蛇形画廊的联合馆长和艺术总监。从那时起，我开始思考如何将技术更深入地融入艺术机构。后来，我在马拉喀什举办了一场关于技术在博物馆中的作用的 TEDx 演讲。活动结束后，我与技术专家约翰-纳什（John Nash）进行了交流，他对文化机构缺乏对技术和博物馆的关注表示担忧。这次讨论凸显了一个清晰而令人担忧的现实：许多博物馆缺乏首席技术官（CTO）。但为什么会这样呢？首席技术官在一个组织中究竟扮演什么角色？
首席技术官的职责是确定、分析并向董事会提交要整合到公司中的技术，目的是优化业务和生产流程。为什么每家公司都有首席技术官，而大型博物馆却没有？
当时，约翰是伦敦一群艺术家、评论家和策展人中的一员：其中有一位富有远见的技术专家本-维克斯（Ben Vickers），还有其他一些艺术家、作家和杰出人士。维克斯拥有扎实的专业背景，并希望将技术引入机构，因此他是担任首席技术官的不二人选。最初，我邀请他担任技术策展人，后来他被任命为首席技术官，负责创建一个专门的部门。
我们设定了两个目标：第一个目标是设立首席技术官。第二个目标是建立一个拥有自己权力的部门。如今，该部门有六名成员，包括五名数字策展人，以及一个组织展览和活动的机构。我的愿景是实现技术与艺术的和谐融合，避免各自为政。我与人工智能专家、艺术家雷菲克-阿纳多（Refik Anadol，伊斯坦布尔，1985 年）长达十年的合作就证明了这一点。如今，各种概念艺术家的作品将画廊变成了身临其境的生态系统。图像来自于受邀想象特定场景的人们的大脑活动，并通过与参观者的互动不断重塑。在这种情况下，与物体静止于空间、缺乏活力的传统展览不同，艺术作品成为了能够响应和适应当代系统的活有机体。自2012年起，我们在蛇形画廊成立了艺术与科技部，目前拥有五名策展人。这使我们能够与人工智能合作并进行展示，开发视频游戏。最近的例子包括 塔玛-克拉克-布朗（Tamar Clark Brown）策展的加布里埃尔-马桑（Gabriel Massan），以及伊娃-雅格（Eva Jager）策展的霍莉-赫恩顿（Holly Herndon）和马特-德赖赫斯特（Matt Dryhurst）的《召唤》（The Call）。
本文作者 : Hans-Ulrich Obrist
Hans Ulrich Obrist (Weinfelden, 1968) è uno dei più influenti teorici, curatori e critici d'arte al mondo. Dal 2006 è direttore artistico delle Serpentine Galleries di Londra. Autore di The Interview Project, un ampio progetto di interviste, tuttora in corso, alle principali personalità dell'arte internazionale, è anche co-redattore della rivista Cahiers d'Art. È curatore di oltre 350 mostre: tra queste, il padiglione della Svizzera per la 14esima Biennale di Architettura di Venezia (2014), la serie Cities on the move (1996-2000), la serie The 11, 12, 13, 14, 15 Rooms (2011–2015). I suoi studi più recenti riguardano i rapporti tra arte e tecnologia. Dal 2013, sul suo account Instagram (@hansulrichobrist) porta avanti il The Handwriting Project, protesta contro la scomparsa della scrittura a mano nell'epoca digitale. È presidente della giuria internazionale della Biennale Architettura di Venezia 2025. Vive e lavora a Londra. Foto: Jurgen Teller免责声明：本篇意大利语原文的中文翻译由自动工具生成。 我们承诺会对所有文章进行审核，但无法保证完全避免因软件造成的翻译误差。 您可以点击 ITA 按钮查看原文。如发现任何错误，请联系我们。
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