Erté (Roman Petrovič Tyrtov; St. Petersburg, 1892 - Paris, 1990) ist eine bedeutende Figur desArt déco: Mit diesen wenigen Worten könnte man das Profil des gebürtigen Russen, aber auch des Franzosen Erté zusammenfassen, einer facettenreichen Persönlichkeit, die Mode, Theater, Kino und Grafik mit beispielloser stilistischer Strenge beeinflusst hat. Vom 28. März bis zum 28. Juni 2026 widmet das Labirinto della Masone in Fontanellato diesem Meister eine außergewöhnliche Ausstellung mit dem Titel Erté. Stil ist alles, kuratiert von Valerio Terraroli. Die Ausstellung hebt die Modernität eines Künstlers hervor, der es verstand, Epochen zu überwinden und dabei eine beeindruckende Ausdruckskohärenz zu bewahren. Anhand von mehr als 150 Werken werden die goldenen Jahre des Künstlers zwischen den beiden Weltkriegen beleuchtet, eine Zeit, in der seine dekorative Synthese zum Symbol des Art déco wurde. Erté war nicht nur ein Zeichner, sondern auch ein Architekt des Ephemeren, der es verstand, Luxus und Exotik in essentielle und prägnante grafische Formen zu übersetzen. Die Ausstellung in Parma, die durch internationale Leihgaben wie die aus dem Victoria and Albert Museum in London bereichert wird, lässt uns ein Universum wiederentdecken, das von mondänen Frauen und mythologischen Wesen bevölkert ist.
Zu einer Zeit, als Europa versuchte, die Schrecken des Ersten Weltkriegs zu vergessen, bot Erté einen Zufluchtsort aus Eleganz, Perlen und Federn, eine Welt, die “losgelöst und unverantwortlich”, aber zutiefst kultiviert war. Seine Kunst verband hohe Handwerkskunst mit Massenkultur und machte seine Figuren zu zeitlosen Ikonen. Heute lebt sein Vermächtnis weiter, nicht nur in Museumssammlungen, sondern auch im Dialog mit zeitgenössischen Künstlern wie Caterina Crepax, deren Papierkleider eine Hommage an die Geschmeidigkeit der von dem russischen Meister entworfenen Körper sind. Wer sich mit Ertés Karriere beschäftigt, taucht ein in eine Ära des radikalen Wandels, in der die Kleidung aufhört, ein einfaches Kleidungsstück zu sein, und zum “Bewusstsein” wird. Hier sind zehn Dinge, die man über ihn wissen sollte.
Der 1892 in St. Petersburg als Roman Petrovič Tyrtov geborene Künstler entstammt einer adligen Militärfamilie. Sein Vater, Admiral Pjotr Ivanovič Tyrtov, träumte davon, dass er einer jahrhundertealten Tradition folgend eine Karriere in der kaiserlichen russischen Marine einschlagen würde. Der junge Roman zeigte jedoch schon früh eine unwiderstehliche Vorliebe für das Zeichnen und Malen und flüchtete sich vor dem Druck seines Vaters in die Welt der Kreativität. Als er 1912 beschloss, nach Paris zu ziehen, um seinen künstlerischen Ambitionen nachzugehen, nahm er ein Pseudonym an, um das Prestige seines Familiennamens nicht zu gefährden. So entstand Erté, abgeleitet von der französischen Aussprache seiner Initialen “R.T.”.
Dieser Name sollte innerhalb weniger Jahre zu einer weltweiten Marke werden, die als Synonym für aristokratische und zugleich hochmoderne Eleganz steht. Trotz seines Erfolges in Paris blieb Erté (der auch seinen Namen an die französische Aussprache anpasste: Romain de Tirtoff) visuell immer mit seinen Wurzeln verbunden, indem er seine Werke mit den leuchtenden Farben und zweidimensionalen Formen der orthodoxen Ikonen, die er in seiner Jugend bewundert hatte, durchsetzte. Seine im hohen Alter verfasste Biografie neigt oft dazu, diese Anfänge zu mythologisieren, indem sie ihn als letzten Spross eines tatarischen Geschlechts darstellt, das die Kunst den Waffen vorgezogen hatte. Diese Dualität zwischen russischem Adel und französischer Weltläufigkeit prägte seinen Stil zutiefst und machte ihn fähig, Luxus mit einer einzigartigen Sensibilität zu interpretieren. Das Pseudonym Erté ist somit sein Pass für ein neues Leben, eine Identität, die er geschaffen hat, um die Höhen des internationalen Kunst- und Modesystems zu erobern.
Als Neunzehnjähriger kommt Erté in die Ville Lumière und arbeitet ab 1913 bei Paul Poiret, dem Schneider, der die Mode durch die Abschaffung des Korsetts und die Befreiung des weiblichen Körpers revolutioniert. In diesem Atelier hatte der junge Künstler die Möglichkeit, sich mit einer exotischen Ästhetik voller orientalischer Einflüsse auseinanderzusetzen, die Poiret kühn propagierte. Zu seinen ersten großen Aufträgen gehörte die Kreation von Kostümen für die Oper Le Minaret, in der Erté die berühmte Spionin und Tänzerin Mata Hari einkleiden musste. Die für diese Inszenierung entworfenen Kleider, die sich durch Hosenröcke und transparente Tuniken auszeichnen, hatten eine solche Wirkung, dass sie die gesamte Pariser Mode des Jahres 1913 beeinflussten. Poiret betraute seinen Mitarbeiter auch mit dem Entwurf von Accessoires, Frisuren und Dekostoffen, da er dessen Talent für die Manipulation von Farben und Formen erkannte.
In dieser Zeit lernt Erté die Bedeutung des Theaters als Bühne für die Mode kennen, ein Konzept, das er im Laufe seiner Karriere weiterentwickelt. Der Einfluss von Poiret war grundlegend, aber Erté war in der Lage, weiter zu gehen, die Linien weiter zu vereinfachen und sich einer fast geometrischen Stilisierung zu nähern. Die Schließung des Ateliers von Poiret aufgrund des Ausbruchs des Ersten Weltkriegs zwingt den Künstler, neue Wege zu gehen, die ihn zu einer Karriere als Illustrator führen. Die Zeit mit dem “Sultan der Mode” bleibt jedoch die Grundlage, auf der Erté seine Vision der modernen Frau aufbaut: ein freies, geschmeidiges und unglaublich raffiniertes Wesen.
1915 begann für Erté eine der wichtigsten Kooperationen in der Geschichte des Verlagswesens, als er sein erstes Titelbild für die amerikanische Zeitschrift Harper’s Bazaar signierte. Zwischen diesem Jahr und 1937 schuf der Künstler über zweihundert Titelbilder für die Zeitschrift und prägte damit den ästhetischen Geschmack von Generationen von Lesern. Seine Bilder waren nicht einfach nur Modeillustrationen, sondern traumhafte Visionen , bevölkert von orientalischen Prinzessinnen, mythologischen Göttern und Blumenwesen. Dank eines Exklusivvertrags, der ihn jahrzehntelang an die Zeitschrift band, wurde Erté in den Vereinigten Staaten zu einer absoluten Berühmtheit, einem Land, das die “Zivilisation des Geistes” durch die der “Zeichen und Dinge” ersetzte. Jeden Monat brachten seine Werke ein Stück Pariser Glamour in die amerikanischen Häuser, gefiltert durch eine raffinierte geschwungene Linie und flache, perfekte Farbfelder.
Diese kreative Symbiose ermöglichte es dem Künstler, nicht nur die Mode zu beeinflussen, sondern auch den aufblühenden Markt für Konfektionskleidung in den Kaufhäusern. Harper’s Bazaar war das Sprungbrett, das es Erté ermöglichte, seine Arbeit auf das Broadway-Theater und das Hollywood-Kino auszuweiten. Seine Illustrationen für die Zeitschrift gelten heute als wahre Meisterwerke der Art-déco-Grafik und werden in den großen Museen der Welt aufbewahrt. Die Trennung von der Zeitschrift im Jahr 1938 bedeutete das Ende einer Ära, doch die Arbeiten aus diesen Jahren bleiben das visuelle Zeugnis einer Ära von unvergleichlichem Glanz.
Ertés Stil ist eine perfekte Synthese heterogener Einflüsse, die von persischen und indischen Miniaturen bis zu archaischen griechischen Skulpturen reichen. Der Künstler gab oft an, dass die Reproduktionen griechischer Vasen, die er in der Eremitage in St. Petersburg bewunderte, grundlegend für die Entwicklung seiner stilisierten, zweidimensionalen Linie waren. Hinzu kommt seine Faszination für die Ballets Russes von Sergej Djagilev, die mit ihren kräftigen Farben und leuchtenden Kostümen das Paris der Jahrhundertwende erschüttert hatten. Erté verstand es, diese Anregungen zu verstoffwechseln und in eine zeitgenössische Sprache zu verwandeln, die sich durch ein schwungvolles, geometrisches grafisches Zeichen auszeichnet. Der Begriff “Glamour”, verstanden als Glamour in Verbindung mit Luxus und Privilegien, beschreibt perfekt das Wesen seiner Kreationen, die darauf abzielen, den Betrachter in Welten zu entführen, die weit von der Banalität des Alltags entfernt sind.
In seinen Werken ist die Kleidung nie nur funktional, sondern wird zu einem Zeichen, das das Bewusstsein des Trägers prägt.Eleganz war für Erté eine angeborene Eigenschaft, die durch eine Bewegung oder ein kostbares Detail, wie eine an ein Spinnennetz erinnernde Stickerei oder ein Diamantkorsett, noch verstärkt werden konnte. Diese obsessive Suche nach Schönheit führte dazu, dass er mit den größten Modehäusern und Zeitschriften zusammenarbeitete, was ihn zum ursprünglichen Interpreten des internationalen Art déco machte. Sein Stil strebte nie nach Realismus, sondern zielte immer auf eine “poetische Oberfläche” ab, bei der jedes Element erfunden und durch das Zeichen ersetzt wird.
Das Theater war für Erté ein unbegrenzter Ort des Ausdrucks, an dem sich seine Fantasie in aufwändigen Inszenierungen und außergewöhnlichen Kostümen verwirklichen konnte. Ab 1919 arbeitet er mit den Folies Bergère in Paris zusammen und kreiert Shows, die auf dem Prunk und der Fantasie der Bühnenbilder basieren. Zur gleichen Zeit wird er in New York zum Star von George White’s Scandals, einer Reihe von Musicals, die von den Ziegfeld Follies inspiriert sind und die berühmtesten Namen des amerikanischen Unterhaltungs-Theaters hervorbringen. Erté entwarf jedes Detail: von den monumentalen Treppen bis zu den Kostümen der Tänzer, die die Bühne in ein lebendiges Bild verwandelten.
Seine Inszenierungen zeichneten sich durch ein Feuerwerk an Farben und Licht aus, mit ständigen Kostümwechseln, die einen unermüdlichen Einfallsreichtum erforderten. Er arbeitete auch mit der Chicago Opera Company zusammen und brachte seine raffinierte Note in die Welt der Oper ein. Ein emblematisches Beispiel für seine theatralische Meisterschaft ist die Gouache für Salome von 1926, die seine Vorliebe für geheimnisvolle Exotik und grafische Stilisierung perfekt zusammenfasst. Erté war in der Lage, Hunderte von Figuren gleichzeitig zu kleiden, wobei er für jede einzelne ein außerordentliches Maß an Detailtreue und Luxus beibehielt. Seine Arbeit am Theater beeinflusste die Mode der damaligen Zeit nachhaltig, da die Diven den Stil, den der Künstler für sie erdacht hatte, auch auf der Bühne annahmen. In diesem Universum gingen Theater und Leben nahtlos ineinander über, vor allem bei den prachtvollen Maskenfesten, die Erté oft ausrichtete und gestaltete.
1925 landet Erté dank eines Vertrags mit Metro-Goldwyn-Mayer, damals bereits eine der wichtigsten Filmproduktionsgesellschaften, in Hollywood. Während seines Aufenthalts in Kalifornien entwirft er die Kostüme und Kulissen für mehrere Filme und bringt die Strenge des Pariser Geschmacks in amerikanische Produktionen ein. Zu seinen berühmtesten Kreationen aus dieser Zeit gehört das “Peacock”-Kleid, das er für die Schauspielerin Carmel Myers in dem kolossalen Ben-Hur entwarf. Dieses Kostüm mit seinem majestätischen Federrad und der von der russischen Tradition inspirierten Frisur wurde zu einem der ikonischsten Symbole des Stummfilms. Trotz seines Erfolges nimmt der Künstler nicht an der Internationalen Ausstellung für dekorative Kunst 1925 in Paris teil, da er in den Vereinigten Staaten engagiert ist, obwohl er der ideale Protagonist ist.
Das Kino ermöglichte es Erté, seine Entwürfe einem Massenpublikum zu vermitteln und Millionen von Menschen zum Träumen zu bringen, die in den Schauspielerinnen die neuen Stilikonen sahen. Hollywood hielt die Anziehungskraft des Art déco noch einige Jahre aufrecht, selbst als sich das politische Klima in Europa zu verschlechtern begann. Das Filmerlebnis festigte den Mythos von Erté als Schöpfer von Träumen, der eine Schauspielerin durch den geschickten Einsatz von Perlen, Diamanten und kostbaren Stoffen in eine hieratische Gottheit verwandeln konnte. Auch nach seiner Rückkehr nach Frankreich hallte der Einfluss seiner Arbeit in Hollywood in den Kulissen der großen Musicals der folgenden Jahre weiter nach.
Eines der ehrgeizigsten und berühmtesten Projekte von Erté ist zweifellos die 1927 begonnene und erst vierzig Jahre später vollendeteAlphabet-Serie. In dieser Sammlung von sechsundzwanzig Tafeln wird der menschliche Körper benutzt, um die Buchstaben in einem Spiel von Posen zu komponieren, das an eine Tanzaufführung erinnert. Jeder Buchstabe ist ein Kunstwerk für sich: So wird das “L” von einer langgliedrigen Figur dargestellt, die an die Marquise Luisa Casati mit ihrem Geparden erinnert. Die Serie Numeri, die 1968 veröffentlicht wurde, folgt demselben Prinzip der extremen Stilisierung, bei der die Silhouetten ihre physische Konsistenz verlieren und zu reinen grafischen Arabesken werden. Diese Werke zeigen Ertés Fähigkeit, über die Mode hinaus zu einem lyrischen Purismus zu gelangen, der an Abstraktion grenzt.
Die Platten wurden später in sehr erfolgreiche Siebdrucke umgesetzt, die einen riesigen Markt von Sammlern und Kunstliebhabern anregten. DasAlphabet ist die “Generalprobe” einer Choreographie von Körpern, die einen Raum und einen Namen definieren, wie in der Gouache, die dem Tänzer Theodore Kosloff gewidmet ist. Diese grafischen Serien haben Erté zu einer definitiven Ikone des “Stils von 1925” gemacht, der durch Einzelausstellungen in den renommiertesten Museen, wie dem Metropolitan in New York, gefeiert wurde. Mit diesen Werken schuf der Künstler einen universellen visuellen Code, in dem die weibliche Schönheit in unendlichen alphabetischen und numerischen Varianten dekliniert wird.
Die von Erté imaginierte Frauengestalt ist keine gewöhnliche Frau, sondern eine körperlose Silhouette, eine “reine Figur”, die Träume aus kostbaren Stoffen und geometrischem Schmuck trägt. Laut dem Kritiker Roland Barthes, der 1970 einen bahnbrechenden Essay über den Künstler schrieb, ist bei Erté nicht der Körper bekleidet, sondern das Kleid, das sich in den Körper hinein erstreckt. Die “Frau von Erté” überträgt ihre Gefühle und Moralvorstellungen direkt in das Kostüm: Die Bescheidenheit steckt im Schleier, die Sinnlichkeit in den Perlen und der Sex in den Federn. Diese Figuren sind gleichgültig gegenüber dem, was unter der Oberfläche liegt; alles wird erfunden und poetisch als grafisches Zeichen entwickelt.
Die dunkelroten, herzförmigen Lippen und die katzenhaften Blicke tragen dazu bei, eine Ikonographie der Femme fatale zu schaffen, die mit der Androgynität der modernen Frau koexistiert. Diese freie, aber oft von einer subtilen Melancholie geprägte Kreatur raucht, treibt Sport und bewohnt Paläste, die mit kostbaren Materialien wie Ebenholz und Perlmutt ausgestattet sind. Für Erté war Eleganz die einzige Eigenschaft, die zählte, eine angeborene Gabe, die selbst eine Frau von bescheidener Herkunft in eine “schicke” Ikone verwandelte. Mit ihren Zeichnungen modelliert die Künstlerin die Form der zeitgenössischen Frau, die aus den Kämpfen um die Emanzipation hervorgegangen ist, aber immer noch an eine Welt der Verzauberung und des Wunders gebunden ist.
Italien hat bei der Wiederentdeckung und Wertschätzung des Werks von Erté eine grundlegende Rolle gespielt, insbesondere seit den 1960er Jahren. In den Jahren 1965 und 1966 stellte der Künstler seine Werke in der Galleria Milano aus und weckte damit großes Interesse bei nationalen Sammlern. Die Begegnung mit dem Verleger Franco Maria Ricci markiert jedoch einen entscheidenden Wendepunkt: 1970 veröffentlicht Ricci in der renommierten Reihe I segni dell’uomo die erste große Monografie über Erté . Dieser Band mit dem berühmten Essay von Roland Barthes trug dazu bei, den Künstler auch für die neuen Generationen zu einem kulturellen Mythos zu machen. Ricci erwarb auch einen bedeutenden Kern von Werken, die heute in der ständigen Sammlung des Labirinto della Masone in Fontanellato aufbewahrt werden. Die Verbindung zwischen dem Verleger und dem Künstler beruhte auf einer gemeinsamen Leidenschaft für eine raffinierte Ästhetik und die Bedeutung von Zeichen in der Industriegesellschaft. Die Ausstellung 2026 im Labirinto feiert diese Verbindung und zeigt nicht nur die historischen Zeichnungen, sondern auch Neuerwerbungen, die das Erté gewidmete italienische Erbe bereichern. Italien war in der Lage, die revolutionäre Tragweite dieses Künstlers vor anderen zu erfassen, da es in seinem “Rausch der Modernität” ein ideales Gegengewicht zur klassischen Tradition sah. Dank Ricci ist der Name von Erté untrennbar mit der Geschichte des hochwertigen Designs und der Illustration in unserem Land verbunden geblieben.
Erté arbeitet mit unerschöpflicher Energie bis zu den letzten Tagen seines sehr langen Lebens weiter. In den 1970er- und 1980er-Jahren erstrahlt sein Stern dank des Art-déco-Revivals in neuem Glanz. So entwirft er Kostüme für die Soubrette Zizi Jeanmaire und Bühnenbilder für Broadway-Musicals wie Stardust (1988). In seinem späten Leben widmete er sich auch der Schaffung von Bronzeskulpturen und Schmuck, wobei er die Motive, die ihn Jahrzehnte zuvor berühmt gemacht hatten, in dreidimensionaler Form neu interpretierte. Er starb am 21. April 1990 im Alter von 97 Jahren in Paris, nachdem er ein Jahrhundert radikaler Veränderungen durchlebt hatte, ohne jemals sein Schönheitsideal aufzugeben.
Sein Vermächtnis ist heute lebendiger denn je, wie die Ausstellung im Labirinto della Masone zeigt, die Kreationen von Caterina Crepax zeigt, die von seinen Zeichnungen inspiriert sind. Crepax kreiert Papierskulpturen-Kleider, die der für den Erté-Stil typischen Leichtigkeit und Geschmeidigkeit huldigen und zeigen, dass ihre visuelle Grammatik auch heute noch aktuell ist. Die Künstlerin ist in der Lage, Mode in ein Gesamtkunstwerk zu verwandeln, bei dem jedes Detail, von der Bewegung des Körpers bis zur Wahl des Materials, dazu beiträgt, eine Welt der Verzauberung zu schaffen. Romain de Tirtoff, auch bekannt als Erté, ist nach wie vor der makellose Vertreter eines Stils, der, wie Franco Maria Ricci zu sagen pflegte, “die Zivilisation der Seele durch die der Dinge und Zeichen ersetzen konnte”.
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