卢西奥-阿雷塞（卢修斯-阿雷塞，意大利库尼奥，1981 年）是设计、音乐、视觉艺术和电影制作领域的专业人士，自 2008 年以来一直从事视觉艺术和电影业的工作。在他的职业生涯中，他曾与知名艺术家、品牌合作他的作品曾在多个国际场合展出，如 onedotzero Adventures in Motion、Ars Electronica、Cyclope、ArtFutura、SIGGRAPH、Interfilm Berlin、SICAF、FICUVAQ、The Lovie Awards、MTV、Bayerischer Rundfunk、IAMAG、Fubiz、Vimeo Staff Picks、IdN Magazine、Stash、The Webby Awards 和第 23 届 Saatchi New Directors Showcase。2021 年，他的实验短片《Les Dieux Changeants》在电影节上获得广泛认可，100 多部影片入选，40 多个奖项，其中包括两个洛维奖和 2022 年威比奖提名。阿雷斯还在东京千代田艺术中心 3331、库内奥艺术学院和博洛尼亚美术学院等著名场所举办过工作坊和讲座。在这次访谈中，他向我们讲述了他的艺术创作，并就艺术与人工智能之间的关系这一热门话题发表了自己的见解。
NC.您的建筑师、音乐家和作曲家出身如何影响了您的视觉艺术创作？您是如何掌握这种艺术技巧的？
洛杉矶。这个问题问得好。这一切都始于我的建筑学学习，我开始使用 3D 作为建筑设计的工具。我们现在谈论的是 2000 年代初，当时这项技术仍在发展之中。即使在当时，我也能看到许多可能性，并为之着迷。三维图形、虚拟空间设计和数字技术的应用尤其令我印象深刻。从那时起，我的好奇心与日俱增，并转化成了我作为一名自学成才的艺术家的热情。课余时间，我会花几个小时在网上搜索资料，自学分析各种可能的资源。完成建筑学学业后，我没有选择建筑师的职业。相反，我投身于视频和 3D 图形创作，并在几年内将我的热情转化为一份真正的工作。在我的人生道路上，我同时学习了音乐和建筑，这些学科并不能直接转化为传统的专业职业。尽管如此，我还是找到了一种中庸之道，将两者的创造力融合到一种单一的视觉和声音语言中。我的作品一直以图像和音乐的结合为基础，这种结合是我过去 15 年里所有作品的支柱。自 2008 年以来，我一直在这条专业道路上不断追求，如今，我可以说在这一领域已经拥有了约 15 年的经验。
让我们来谈谈《 Les Dieux Changeants》，这是 2021 年的一个项目，获得了国际认可。是什么影响了这部短片的制作？
迄今为止，这部短片是我最著名的作品。它诞生于 2020 年下半年与 Covid 大流行相关的封锁期间，我对那段冬季记忆犹新：对每个人来说，那都是一段沉重的时期，以痛苦和孤独为特征。我被迫在室内呆了几个月，决定专注于这个项目，起初这只是一个与破坏三维物体有关的技术实验。我着迷于如何在三维环境中最好地表现破碎和解构。一天，我在网上寻找灵感时，看到了哥本哈根国家艺术博物馆和丹麦国家博物馆的三维模型。这两家博物馆都将其收藏的古代雕像铸件数字化，并免费提供，我立即萌生了使用这些作品的想法。“我想，”为什么不毁掉一座雕像呢？于是我开始了这个项目。我选择了五个古希腊罗马雕像模型（古代雕塑杰作），并开始对它们进行修改。我非常注重纹理，使用 Substance 3D Painter 等软件来达到视觉上有趣的效果。这项工作极具挑战性，耗时五个月才完成。在短片出版之前，我将它寄给了哥本哈根博物馆，出乎意料的是，他们对短片赞不绝口。因此，我有机会见到了馆长 Merete Sanderhoff，她后来在许多国际会议上介绍了这个项目。这部短片获得了公众和电影节的高度评价。它赢得了无数奖项和评选，成为 2021 年获奖最多的意大利短片之一。最让我感动的是，我的作品深深打动了这么多人。每个人都找到了自己的意义：有些人重温了生活中的艰难时刻，有些人反思了我们文化遗产的脆弱性或美的重要性。知道我唤起了这些情感，对我来说是最大的满足。
Les Dieux Changeants 最初是对三维物体的破碎和破坏进行技术测试。是什么启发您将古典雕像的静态和美感赋予生命并付诸行动？
我想，至少在一定程度上，我是被内心的颓废所打动。我可能觉得有必要（甚至是无意识地）打破束缚我的个人处境。这种心理状态反映在项目中，象征性地表现为破坏和打破行为。然而，作品并没有以这种姿态结束。从一开始，我就希望它能接受哲学解释，为观察者的个人视角留下空间。毕竟，破坏行为也可以是一种创造行为。为了强调这一理念，我在短片结尾引用了尼采在《查拉图斯特拉如是说》中的一段话。奇怪的是，我是在完成这部作品后才发现这句话的，但事实证明，它非常适合我想要传达的信息。这句话告诫我们要有勇气摧毁那些看似不可触碰的东西，从而向新的可能性敞开大门，走上新的道路，追寻新的足迹。这种开放性的诠释让每个人都能在短片中找到个人的意义。许多人将这种破坏性的姿态视为变革或重生的隐喻，而另一些人则关注艺术遗产的脆弱性或哲学思考。有趣的是，大家的反应极为不同：我没有提供......我们姑且称之为 “使用说明 ”或解释作品的指南，正是因为我希望这是一种自由和主观的体验。显然，并非所有人都欣赏这部作品。有些人对它提出了严厉的批评。有些人甚至将我与塔利班相提并论，说我毁坏甚至无形中毁坏了古典艺术作品。必须指出的是，我没有破坏任何真实的作品：这些都是数字模型，正是为了创造性地使用而提供的。不过，我知道这种姿态可能具有挑衅性，而且并非所有人都愿意接受。尽管如此，大多数人的反应还是非常积极的。许多观众在作品中找到了个人反思或普遍意义，产生了深刻的情感和心理影响。批评虽然存在，但毕竟是少数，我对此表示欢迎。对我来说，作品的价值还在于它能够引发讨论和唤起情感，无论好坏。
让我们来谈谈项目中的 3D 元素。 Les Dieux Changeants》 展示了五座古典雕塑的虚拟版本，包括拉奥孔（Laocoon）和贝尔维迪尔阿波罗（Belvedere Apollo）。这些 3D 扫描图像由 Statens Museum for Kunst (SMK) 制作，可在 MyMiniFactory 上查看，它们来自博物馆的皇家铸模收藏，是通过自愿项目 “扫描世界”（Scan The World）制作的。这件作品是 SMK 开放计划的一部分，该计划旨在将整个博物馆的藏品数字化，以便向公众开放，并鼓励创作新的艺术作品。该项目如何体现共享和再创作数字文化遗产对于创造新艺术形式的重要性？
我认为这是博物馆的一项非同寻常的计划，尤其是因为它颠覆了公众的传统角色，将公众从单纯的被动使用者转变为艺术创作过程的积极参与者。通常，博物馆的参观者只是观察展出的作品，以个人的方式分析所看到的东西，而不会直接参与其中。而 Statens Museum for Kunst（国家艺术博物馆）项目则提供了一个独特的机会，让参观者可以自由参观博物馆藏品，并以此为起点创作新的艺术作品。这样的举措是非常文明的；它激发了当代文化的创造，同时也增强了我们的艺术遗产。就我而言，在这些雕像上的工作促使我重新诠释它们，研究它们的历史，发现我以前忽略的细节和意义。所有这些都表明，此类项目不失为提高认识和知识的有力工具。它的优点是让公众参与到与欧洲艺术遗产的积极对话中来，同时促进对我们文化根源的重新发现和重新诠释。这种方法鼓励反思和个人表达，并在公众和博物馆经营者之间架起了一座桥梁。我知道还有其他关于这些雕像的项目，我认为它们同样重要。我希望所有这些项目都能顺利进行，也希望能有更多类似的作品问世，虽然不一定与我的作品相似，但它们将鼓励公众、博物馆和新文化艺术创作之间的交流。
与您之前的作品（也更注重音乐与视频的结合）相比，您的艺术实践迄今有何发展？
是的，您说得没错：毫无疑问，随着时间的推移，在多个方面都有了发展变化。例如，短片《Les Dieux Changeants 》标志着我艺术创作的一个重要转折点。过去，我的作品明显更抽象，也许更理性，近乎技术性，我在其中寻求音乐与图像交织的多种方式，而不一定追求具体的意义。然而，随着时间的推移，我意识到自己在传达意义方面有一定的天赋，可以为不同的解释留出空间，创作出可以进行多重解读的作品。这一点在我的短片以及与 "潜意识图像"等项目相关的图像中表现得尤为明显。从这些想法中产生的作品似乎能刺激观众将个人的东西投射到作品中。我认为这是一个有趣的过程，反映了艺术的本质......诠释不可避免地意味着将自己的一些东西融入所观察的事物中。经过几年的实验，我意识到我的作品已经朝着创作具有层次和深刻含义的作品的方向发展了。我现在正在开展新的项目，包括计划在明年年中完成的另一部短片。这也将是一部旨在以不同方式诠释的作品，其中包含重要的哲学元素。近年来，我还在积极地重新创作音乐。音乐一直是我生活的基本组成部分：除了学习建筑之外，我还接受了深入的音乐教育，并始终认为自己首先是一名音乐家。很长一段时间，我从事音乐工作，但主要是创作别人的作品。但如今，我重新开始创作自己的音乐，这条路让我感到兴奋，我打算将它越来越多地融入我的工作中。我的目标是将我所有的爱好--图像、空间设计、音乐--和谐地结合在一起。迄今为止，我一直在努力寻找能使这一整体有机连贯的解决方案。我相信，将我们所热爱和热衷的事物结合在一起的过程是最有价值的体验之一，因为它能让我们保持好奇心、动力和对新发现的开放态度。
您的最新项目《 来自潜意识的图像》已出版成册，该项目 涉及人工智能在生成艺术图像方面的潜力。该项目包括哪些内容？
该项目由过去几个月创作的一系列图像组成，是一项进行中的工作。一方面，它利用了新的、令人难以置信的强大工具，这些工具可以克服过去的技术难题，以直接、简单的方式将想法转化为图像。另一方面，这些工具的特殊性也显现出来，特别是那些基于人工智能的工具，它们带来了许多可能性，但也提出了一些问题。它们的使用引发了争论，特别是关于它们将来可能取代人类劳动的风险。就我个人而言，我认为人与机器之间的关系是一种融合，而不是取代。使用神经网络工作提供了一种独特的体验：感觉就像在预先包装好的视觉概念海洋中航行。任何可以想象的图像都可以实现，这改变了我们对待艺术创作的方式。然而，这些工具并不是真正的智能工具。它们依赖于 机器学习技术，这种技术能让它们从海量数据中识别并复制模式。就图像生成器而言，它们是视觉材料的巨大集合，经过重新加工后产生新的解决方案。这些结果看似是推理的结果，但实际上是根据信息的数量和质量进行改进的自动化过程。这种方法也对我的创作过程产生了影响，教导我不要对最初的想法过于感情用事。在使用这些工具的过程中，我们会发现每一次变化都会带来新的可能性，有时还会产生意想不到的结果，比最初的想法更有效。使用这类工具的经验告诉我，一切都是可以改进的。举例来说，过去我往往执着于自己的直觉，即使它们并不像我想象的那样有效。而现在，通过试验机器可以产生的无限变化，我学会了放手，寻找更简单或更合适的解决方案，即使它们与我最初的想法并不一致。在这里，这一切让我反思创作过程中所需的灵活性，以及探索那些我可能会忽略的可能性的重要性。
是什么促使您开展这个项目？您认为人工智能（AI）如何丰富艺术家的创作过程？
我不确定这将如何发展。我认为这在很大程度上取决于个人的感受力以及每个人选择如何使用这些工具。目前，从我对周围环境的观察来看，从图像生成器到视频生成器，人工智能似乎更容易创作出质量不高的作品，而不是好作品。我看到的大多数使用这些工具制作的作品都无法让我信服：它们缺乏真正的深度。当然，也有例外，但为数不多，而且往往来自那些拥有清晰愿景并将人工智能作为实现愿景的工具的艺术家，他们并没有被技术本身所迷惑。相反，许多人似乎被动地听从机器的建议，结果并不令人满意。我无法断言创造力与人工智能之间的关系在未来会如何发展。很显然，这些工具将继续得到完善，因为已经有大量的经济资本投入其中，而且它们的传播也不仅限于艺术领域。它们在医学或经济学等领域都有用武之地，提高了生产率，开辟了新的可能性。然而，在艺术领域，我担心作品数量的增长并不一定会带来质量的提高。其风险在于，使用的便捷性将导致策划不佳的内容激增。也许真正的问题并不在于担心机器会取代艺术家，而在于机器有可能被用来创作毫无价值的作品。
在你看来，我们是否可以说它可以成为艺术家与机器共同创作的工具？
当然可以。
您是否在探索视觉艺术的新方向？能给我们一些关于您下一个项目的提示吗？
现在我正处于探索和学习阶段。我正在大量尝试实时互动技术，你也可以从我在 Instagram 上分享的内容中看到这一点。我关注的领域之一是 TouchDesigner。我知道 TouchDesigner 已经很多年了，但直到最近我才开始认真使用它，沉浸在它的潜力之中。它是一个具有无限创意可能性的平台，我发现了一些令人惊叹的工具，比如基于机器学习的模块，它让动作跟踪变得更加容易。现在，只需一个简单的网络摄像头，就能实现与过去需要 Kinect 摄像头等技术才能实现的效果相媲美的效果，而且不需要复杂的设备。这样，我就可以开发能对肢体动作做出反应的互动体验，为新的表达形式铺平道路。我已经在考虑如何将这些技术整合到未来的项目中，比如互动装置。与此同时，我还开始研究 MIDI 吉他，这是另一个让我感到非常兴奋的领域。我的想法是制作一场表演音乐会，在音乐会上，吉他演奏的音乐与实时视觉效果同步进行。这个项目以一种动态的方式将音频和视觉结合在一起，正朝着我绝对想探索的方向发展，因为它有可能变成一场向公众展示的创新表演。
本文作者 : Noemi Capoccia
Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.免责声明：本篇意大利语原文的中文翻译由自动工具生成。 我们承诺会对所有文章进行审核，但无法保证完全避免因软件造成的翻译误差。 您可以点击 ITA 按钮查看原文。如发现任何错误，请联系我们。
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