古驰与艺术卖淫

我们的一位读者 Ornella Spada 给我们发来了对Tomaso Montanari4 月 5 日在其博客 Articolo 9 上发表的社论的回复：主题是 “Primavera di Boboli ”项目，该项目是由 Gucci 时装屋捐赠的花园修复项目，Gucci 时装屋将于 5 月 29 日在皮蒂宫举办一场时装秀。作为《Finestre sull’Arte》的编辑人员，我们想明确指出，我们并不同意这篇文章的内容，也与之无关：然而，我们的网站秉承欢迎和促进多元化的传统，对任何希望参与讨论我国文化遗产状况的人的所有投稿都持开放态度。以下文章的作者奥内拉-斯帕达（Ornella Spada）毕业于哥伦比亚大学，曾在纽约古根海姆美术馆和高古轩画廊工作。

波波利之春项目

“佛罗伦萨妓女 ”是艺术史学家、那不勒斯费德里科二世大学现代艺术史教授兼专栏作家托马索-蒙塔纳里（Tomaso Montanari）在《共和国报》的Articolo 9博客上就古驰、佛罗伦萨市政府和乌菲兹美术馆之间的协议发表的评论。著名时装品牌的首席执行官马可-比扎里（Marco Bizzarri）与乌菲兹美术馆馆长埃克-斯密特（Eike Smidt）、市长达里奥-纳德拉（Dario Nardella）和部长达里奥-弗朗切斯基尼（Dario Franceschini）共同宣布，他们向美术馆捐赠 200 万欧元，用于修复和改善波波利花园。作为捐赠的交换条件，Gucci 获得了皮蒂宫 Palatine 画廊的特许权，用于 5 月 29 日举行的时装秀。

托马索-蒙塔纳里（Tomaso Montanari）严厉批评了意大利机构的公开态度，并为希腊在面对古驰要求使用帕台农神庙举办同一活动时所持的态度进行了辩护。希腊中央考古委员会断然拒绝了古驰使用雅典卫城的要求。

艺术史学家也用 “操蛋 ”这个形容词来形容皮蒂宫，将其定义为 “意大利最操蛋的博物馆，百万富翁的单身派对，政治强加的贷款，设计师的展览，这不是一个文化项目，而是卖淫，”在这里，我们面对的是大型跨国公司，他们利用普通物品作为地点，以更好地销售他们的产品。

这位教授的立场相当浪漫而激进，他没有认识到艺术世界中一些更为现实的方面，而这些方面一直属于艺术世界，也一直见证着他走近经济和金融世界。我将尝试从历史学家的论述中最突出的几个方面进行拆解。

蒙塔纳里称其为 “扒粪”，但帕拉丁美术馆正在发生的一切，正是从巴黎卢浮宫到纽约大都会博物馆等世界上所有文化场所都在遵循的方向。博物馆正在变成一个流动的实体，在这里，艺术与多种多样的文化和商业活动交织在一起。这有几个原因，其中之一是经济原因：其他国家的博物馆没有公共资金（不像美国那样完全没有，或者像一些欧洲国家那样很少），多年来它们一直在发明自筹资金系统，以避免赤字预算，促进创新和文化。因此，博物馆大力推行商品销售、品牌推广和公共关系政策，租用特殊空间举办晚会和筹款活动。博物馆的资产负债表是正数且有利润空间，这意味着可以进行投资：例如，这意味 着对年轻艺术家的提拔，对技术的投资，以便更好地欣赏艺术作品，从而为从儿童到成 人的所有年龄段的参观者带来教育益处，最重要的是为年轻人提供更多的就业机会。如果这一切的代价是一场 Gucci 时装秀，我认为问题在于没有事先考虑到这一点，也在于没有在很早以前就努力促进与意大利时装公司的合作，以获得这一切，而希腊却天真地拒绝了那 5600 万美元[编者注：Gucci 后来否认了这一数字]。

这位教授接着说："这是一种现在的自我美化，攀附在过去的肩膀上：通过伪造的历史进行廉价的自我宣传。如果我们在 Pitti（皮蒂）博物馆看到的衣服，与我们为参观博物馆而走过的街道橱窗里的衣服一模一样，那我们又做了什么呢？关键不在于艺术的尊严，而在于我们改变世界的能力。文化遗产是一扇窗，通过它我们可以了解不同的过去，因此也可以了解不同的未来。但是，如果我们把它变成另一面镜子，用来反映我们的现在，而把它简化为一个单一的维度，即经济维度，那么我们就会药到病除，毒害解药。Gucci 的服装与 Andrea del Sarto 的祭坛画或拉斐尔的圣母像之间还能有什么’对话’呢？

在教授眼中，“时尚与博物馆 ”的结合听起来如此离谱，但在世界最伟大的博物馆中却是司空见惯的。每一季都会在巴黎和纽约之间重演，2016 年 2 月普罗恩萨-舒勒（Proenza Schouler）在惠特尼博物馆的时装秀和去年 3 月路易威登（Louis Vuitton）在巴黎卢浮宫的时装秀就是两个例子。在法国首都，由于香奈儿女士的大力支持，加里埃拉宫（Palais Galliera）将于 2019 年成为法国第一座永久性时装博物馆。自古以来，时尚不仅是文化机构最有利可图的资金来源之一（最著名的设计师都是收藏家和慈善家：想想 Miuccia Prada、Yves Saint Laurent 和 Dries Van Noten 就知道了），而且也是当代艺术中一些最著名的策展项目的主题，如 “Azzedine Alaïa：罗马博尔盖塞美术馆（Galleria Borghese）举办的 ”Azzedine Alaïa：Couture/Sculpture“，以及为纪念时装设计师亚历山大-麦昆（Alexander McQueen）而举办的 ”Savage Beauty“。在英国首都，这场展览售出了超过 48 万张门票，是博物馆历史上最受欢迎的展览之一，博物馆 ”被迫 "夜以继日地工作，以满足公众的大量需求。

这种被蒙塔纳里称为 “扒粪”（muckraking）的污染行为得到了最杰出的现代主义和当代策展论文的支持和推动。亚历山大-多纳（Alexander Dorner）、汉斯-乌尔里希-奥布里斯特（Hans Ulrich Obrist）和奥奎-恩韦佐（Okwui Enwezor）等众多策展人都支持这样一种理论，即技术和全球化抹去了不同知识领域之间的距离，艺术无法与设计、时尚、建筑和电影等其他创意表现形式区分开来，而视频艺术则是对这一理论的印证。教授认为博物馆是一个尘封的地方，在那里艺术被奉为绝对真理，以理解不同的过去和未来，这种想法是非常不准确的。首先，如果艺术不能反映我们是谁，那它就不是艺术：事实上，艺术表现的崇高价值就在于表现人的本质（包括低级和高级）。其次，艺术始终具有经济层面。如果没有赞助来促进艺术人才的发展和资助艺术作品的创作，最伟大的艺术作品也不会出现。米开朗基罗和教会对其作品的赞助和审查就是一个很好的例子。本文不足以列举艺术与商界和金融界人士、富婆和时尚缪斯搭配的例子。例如，如果没有佩吉-古根海姆（Peggy Guggenheim），抽象表现主义会变成什么样？当今的全球经济只改变了事物的形式，而没有改变其本质：巨额资金影响着艺术品的价值，并使艺术家成为百万富翁明星。事实上，艺术品被金融专家认为是最安全的资产之一，其价值会随着时间的推移而增加。 最大的艺术品收藏家是像史蒂夫-科恩这样的商人并非巧合，他是拉里-高古轩的忠实客户和朋友。

否认这一点正是这位教授所犯的历史谬误：将艺术定格为不动的、固定的实体，就等于否认艺术反映人性的内在能力。这有点像否认市中心商店的橱窗不仅展示服装，还展示艺术品的证据。 承认这些历史、文化和经济现实，对于看到 Gucci 的服装与安德烈亚-德尔-萨尔托的祭坛画或拉斐尔的圣母像之间的联系至关重要。

奥内拉-斯帕达

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