科雷乔未完成的寓言。观察、假设、扩展

Finestre sull’Arte》一如既往地致力于唤起人们对我们形象文明中许多非凡作品的关注，这些作品由于孤陋寡闻或各种原因，通常没有被人们发现其真正的价值，也没有得到应有的高度赞誉。因此，我们从这一角度出发，提议对科雷焦可能于 1521 年为伊莎贝拉-德-埃斯特-贡扎加创作的未完成的《美德寓言》进行一次奇特而有趣的研究，该作品一直被搁置。我们知道，根据阿尔多布兰迪尼（Aldobrandini）的清单记录，这幅画在 1603 年就已经在罗马了。尽管作品尚未完成，但这一极好的鉴赏证明以及从艾米利亚到教皇城市的快速转移都非常重要。阿尔多布兰迪尼的藏品正是在位教皇克莱门特八世的藏品，而寻找科雷焦稀世作品的热潮则来自于卡拉奇浪潮，这股浪潮曾与汉尼拔和他的作品一起照亮了罗马。这就是后来变得遥远的直接认可。在漫长的批评史中，这幅寓言式的证明缺乏应有的关注。这幅画现在保存在罗马的多利亚-帕姆菲尔伊画廊，该画廊的馆长安德烈亚-G-德马奇教授果断地重新评价了这幅画，称其为 “极好的亲笔签名”。我们面对的是一座长长的拱门，它位于两根塔柱上，相距数百年之遥，在我们看来，这件作品值得特别研究。

我们曾写过一篇关于《伊莎贝拉的寓言》的文章，回顾了它的五百周年纪念（1522-2022 年），其中的许多观点我们都可以参考：见Finestre sull’Arte 今年 1 月刊。我们在此重申，曼图亚侯爵夫人要求安东尼奥-阿莱格里提供两幅油画，以完成她在 Corte Vecchia 新建的 Studiolo，并于 1522 年支付了款项。这两幅画是对前几幅画中已经存在的顽强的绘画理论的印证，也是对恶（邪恶）的严重影响和善（美德）的崇高胜利的最后展示。我们还记得，戴着皇冠的胜利者形象应该就是伊莎贝拉本人。最后两幅油画现藏于巴黎卢浮宫画廊。

科雷乔极有可能在 1521 年春天路过曼图亚，在这里他与侯爵夫人有了不可或缺的接触，侯爵夫人以她对画家的严格要求和神话象征性的唤醒而闻名，她想要的每幅作品都会有神话象征性的唤醒。如果能将两人之间的口舌之争拍成电影，那将是非常有趣的事情；如果有的话，还可以配上这位 30 岁大师的素描，在帕尔马圣乔凡尼教堂的冲天炉壁画中，他的素描已经熠熠生辉，但命运不允许我们进行这样的技术检索。为了了解这幅作品的起源，让我们来看看最初的图形证据，即一幅令人惊讶的中心人物双描图，在直面图上，我们可以立即瞥见加冕仪式的场面，并能抓住重要的细节。在这幅构图中，科雷乔所钟爱的裸体画明显处于主导地位。

想象一下侯爵夫人对画作的浓厚兴趣并不是不可能的，因为这些画作是她的文化，尤其是她在 Studiolo 最高处的个性的象征。相反，很难说伊莎贝拉是如何反复用舌头和手指去影响安东尼奥的创作进程的。她将蛋彩画技法强加给了脾气暴躁的阿莱格里，阿莱格里没有拒绝，并进行了 “in corpore vili”（俗话说）的首次尝试：也就是说，他在尺寸精确的画布上进行了尝试，应用了蛋彩画技法，完成了一篇已经非常有说服力的文章。

第一次试验是在画布上打磨一层薄薄的油画颜料，是否因为技术原因而放弃，还有待推测；事实上，在两幅确定的样本中，科雷乔分几层对织物进行了打磨处理，并果断地改用了油画颜料。但技术原因似乎并不是决定性的。出于强烈的好奇心，我们可能会认为《未完成的》是在曼图亚，在侯爵夫人附近绘制的，而侯爵夫人的语义洞察力当时非常清晰地指导了《美德》的最终版本。现藏于卢浮宫的两幅《寓言》后来很可能是在帕尔马绘制的。

我们将尝试在我们称之为 “未完成 ”的多利亚-帕姆菲尔的 “绝妙手稿 ”和卢浮宫中的最终版本之间进行思想交替。这就像是伊莎贝拉和安东尼奥之间的开脱性对话：她一心想着一系列的定义，而他则是一位非凡的作曲家。

让我们从现在的罗马证明中的技术观察和直接具象开始。科雷焦涂抹了石膏和胶水，抹得很平整；但过白的背景会迫使他使用过多的色阶；这里是第二种更中性的橙色涂抹，不失为《巴尔达奇诺圣母》中拉斐尔的程序。这种暖色调的背景对色调和色彩的融合大有帮助；对我们来说，在其他情况下，它有助于确定某些阿勒格尼亚作品的归属和年代。

我们在《Incompiuta》中发现的裸体人物形象几乎是对雕塑的一种亏欠；让我们不要忘记科雷焦对艺术的全球兴趣以及他对人体的直接热爱：在这里，安东尼奥确定了比例和动作，注重平面和深度；《美德》或《智慧》是裸体的，用非常精致的明暗关系进行的造型表明，最初是在寻找一个象征性人物的主角，而这个人物肯定是裸体的：例如，发现一切并战胜一切的真理。同样有助于这一假设的还有非常轻薄的面纱，仅仅沿着身体伸展，例如右臂上的圣保罗密室密涅瓦像，因此胸前的美杜莎直接置于不可触及的面纱上；此外，头发被拢起，就像梳理整齐的发型，这是伊莎贝拉的独特发明。这幅 “nuda veritas ”并非毫无缘由地启发了吉安-洛伦佐-贝尔尼尼（Gian Lorenzo Bernini）创作博尔盖塞美术馆中的"真理"。但这位孜孜不倦的曼图亚女军官却选择了一个不同的、衣着更得体的版本。还请注意主人公的目光，他直接而得意地注视着加冕的天才，然后转过身来与观察者建立一种有意的、理想的关系。

然后，我们可以继续进行比较分析。

构图方案。将这幅未完成的画作与卢浮宫收藏的完整画作进行比较，我们会发现，第一幅画中的智慧中心人物占据了更直立、更主要的位置；如果我们回想一下去年一月发表的图表，我们就会发现，通过标出两条大对角线，就可以精确地确定画幅的中心，这两条对角线的交点处不仅是焦点，而且还是两个明显的等边三角形，作为下画幅和上画幅的中心。在《Incompiuta》中，这个中心没有得到强调。然而，在卢浮宫的最终版本中，中心点恰好落在智慧之口上，从而散发出一系列思想和心灵的含义。与之前的草稿相比，这个人物形象的位置有所降低，这是因为有必要将智慧作为理想的主角，并与周围人物的语义组合更加和谐。这样，它就可以将目光转向外侧，将自己与观察者的空间连接起来，总体而言，该方案为三个宏伟的神学美德形象提供了更多的呼吸空间，它们以多向的方式从上方迸发，完成了伊莎贝拉式的韵律。月桂花环变得更加华丽，支撑它的天才有了更温和的面孔，而 “大美德 ”的 “Paludamenti ”则为科雷焦提供了真正杰作的色谱复调。因此，我们可以看到两个版本之间艰苦的改进过程。

圣像的呼应。Incompiuta Doria-Pamphilj 的绘画造型具有强烈的纪念碑特征，人物周围有怨恨的悬挑和空间漩涡：这就是为什么罗马画布具有我们称之为独立的价值。卢浮宫画布所实现的描述性转换过渡到了一种温和的、而且是高度结构化的饱满交响乐。圣像的回声几乎都是基于《圣保罗照相机》，也就是说，是基于早期宏伟的诗歌展示，也记录在《寓言》中--就像《寓言》一样--基于神话与圣经的符号混合。在这种混合中，科雷焦无疑是一位崇高而非凡的大师。如果我们看一下对美德-智慧形象的赞美，我们首先会发现在未完成的作品中，她被赋予了金色的 “capigliara”，一种带有光芒的真正皇冠。另一方面，在最终版本中，主角的头上出现了一个中心镶有珍珠的小贝壳：在《圣保罗照相机》中，我们可以在戴安娜的额头上方看到这种授予，这是童贞母亲的崇高象征，而在同一房间中，我们还可以在月形图案中看到三个极具象征意义的女性形象。请大家仔细观察。我们在卢浮宫的智慧之腿上发现了圣保罗厅的密涅瓦的上衣和手杖，以及箭筒上的斑点毛皮。

值得我们注意的是，从伊莎贝拉名单中涌出的符号学骚动。在《未完成》中，坐在智慧右侧（对我们来说是左侧）的红衣主教美德的传承者已经具备了几乎所有的属性，并将被忠实地描绘出来。而在这幅画的第一版中，龙的头部和龙爪在强有力的双腿之间显得模糊不清，但在完成版中，我们可以准确地看到盾牌上的高竿、怪物的犬鼻、扭曲的尾巴和不正常的身体，以及龙爪和羊蹄。爪子和山羊蹄子（τερας）。科雷焦准确地描绘了雅典娜的盾牌，盾牌外侧描绘的是戈尔贡，盾牌内侧描绘的是怪兽，让人联想到大蛇埃里索尼乌斯（Erythonius）。对伊莎贝拉-德-埃斯特（Isabella d’Este）来说，邪恶确实是多种形式的：尤其是山羊，在所有民族中都具有负面价值，无论如何都要驱除它；在这里，美德用脚踩扁山羊，显然让人想起《启示录》中炼化龙的女人的角色。在罗马画布上，女性摘下威严头盔以示胜利的姿态非常优美；在这里，圣母左侧（对我们来说是右侧）的象征性群体再次得到了清晰的界定：坐着的女人已经是一个 “cingana”，而非常活泼的孩子正在处理一个球体，这个球体肯定是陆地上的，因为它停在地面上；他赤身裸体，因为他是一个 “新人”，标志着刚刚发现的新世界。在最终版本中，女人用罗盘测量--注意--地球仪，用另一只手指示遥远的空间。

还是有必要看一看这两幅画的背景。在多利亚-帕姆菲尔画廊的画布上，前景匆忙而阴暗；在人物后面，科雷乔大范围地铺开了似乎正在等待完成的第二次准备工作，在这宽阔的色调背景中很难辨认出建筑壁柱，就像有人写的那样。在赭橙色背景的上方，我们将称之为 “信仰 ”的展翅飞翔的人物形象显得格外突出；在它的旁边，一些细心的迹象显示出已经思考过的延续的痕迹。风景虽然是草图，但在山峦之间绵延着一条河流，具有抒情的风景效果；天空是清澈的极光，而上半部分也许已经注定是植物的再现。这就是罗马蛋彩画的巨大价值所在，出于好奇，它在古代目录中被称为 “妇女音乐会”。

带着这幅画，安东尼奥-阿莱格里离开了曼图亚，带着埃斯特侯爵夫人给他的所有语义定义调查，继续完成了他职业生涯中最铿锵有力、最精心制作的作品之一，但却愉快地结束了。在《罪恶的寓言》中，他和谐地找到了一个异常广阔的自然主义背景，而在《美德的寓言》中，他则高扬了伊莎贝拉的性格，极好地设置了索洛蒙智慧柱（与圣保罗植被的另一个美丽联系），规范了水域，但最重要的是，赋予了意大利文艺复兴时期艺术意义的主权烙印。

最后，让我们来做一个令人振奋的对比。

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