Ein Dialog zwischen zwei Sammlungen, ein Raum, der heterogene Visionen, unerwartete Gegenüberstellungen und transversale Erzählungen willkommen heißt: Cabinet ist die neue Ausstellung im Haus-Museum Koelliker in Mailand, die vom 17. Oktober bis 19. Dezember 2025 zu sehen ist. Die von Giovanna Manzotti kuratierte Ausstellung basiert auf einer Idee von Edoardo Koelliker und ist das Ergebnis der Begegnung zwischen der Koelliker Collection und der Scarzella Collection, die 2011 mit dem Ziel ins Leben gerufen wurde, aufstrebende zeitgenössische Kunst zu unterstützen.
Der Titel des Projekts bezieht sich ausdrücklich auf die Wunderkammern, mobile Behältnisse mit seltenen und außergewöhnlichen Objekten, die ab dem 16. Jahrhundert ihren Platz in den sogenannten Wunderkammern, den Vorläufern der modernen Museen, fanden. Als private Räume des Staunens boten die Wunderkammern eine enzyklopädische und zugleich poetische Organisation des Wissens. Chronologische und stilistische Kategorien wurden zugunsten visionärer Gegenüberstellungen aufgehoben, um das Wesen einer Welt zu erfassen, die sich betrachten, beherrschen und besitzen lässt.
Im Fall des Kabinetts entfernt sich die Idee einer Sammlung von der einfachen Ausstellung und wird zu einem Interpretationsinstrument. Die Werke sind nicht nach didaktischen Pfaden oder zeitlichen Abläufen angeordnet, sondern so präsentiert, dass sie eine Lesart begünstigen, die Stile, Jahrhunderte und Materialien überschreitet. Das Ergebnis ist eine visuelle Landschaft, die die traditionellen Hierarchien zwischen alt und zeitgenössisch in Frage stellt, und zwar in einer Form der Präsentation, die den Kurzschluss zwischen Vergangenheit und Gegenwart begünstigt. “Was dabei herauskommt”, betont Giovanna Manzotti, Kuratorin der Ausstellung, “ist eine Mischung aus visuellen, historischen und kulturellen Kontaminationen, ein Spiel aus Symmetrien, Überschneidungen und Korrespondenzen”.
Eröffnet wird das Projekt mit Jack O’Briens Hearts on Ice (2024), Teil der Cherry-Serie, die 2021 begann. Ein mit Pastell- und Sprühfarbe überarbeiteter Fotodruck, auf den ein Stahlobjekt aufgepfropft ist, suggeriert eine vielschichtige Ästhetik zwischen Pop-Ikonen und konzeptuellen Überlagerungen. Die Kirsche, ein wiederkehrendes Element in der Serie, evoziert eine Symbolik, die mit Erotik und Sinnlichkeit verbunden ist, und bewegt sich zwischen Andeutungen, die von der griechischen Mythologie bis zu den Bildern von Sexshops und zeitgenössischer Werbung reichen. Das Werk fungiert als Schlüssel für den Zugang zur gesamten Ausstellung und unterstreicht die Vielschichtigkeit der Objekte und die Möglichkeit verschiedener Lesarten.
An der Hauptwand des Raums entfaltet sich eine Komposition von Werken, die Malerei, Fotografie, Skulptur und dekorative Objekte miteinander verbindet. Kelsey Isaacs ’ Öl auf Leinwand ClearhistoricXL (2024) offenbart einen Prozess, der mit in einem Studio aufgebauten fotografischen Sets beginnt. Die Bildoberfläche wird als Mosaik von Details aufgebaut, die das Ergebnis von Manipulation, Demontage und Rekonstruktion sind. Daneben sind einige skulpturale Objekte und antike Artefakte aus der Sammlung Koelliker auf Regalen angeordnet, die keine Systematik aufweisen und neue Möglichkeiten der Beziehungen zwischen den Elementen suggerieren.
Darunter Tarek Lakhrissis Tenebrae (2023), eine Skulptur aus mundgeblasenem Glas, die von einer eigenwilligen Neuinterpretation der Göttlichen Komödie durch die Schriftstellerin Monique Wittig inspiriert wurde, und ein venezianischer Krug aus vergoldetem Messing aus dem 17. Jahrhundert, der mit dem Wappen der Pisaner verziert ist. Etwas weiter unten ist der Rooster Racer (2023) von Sharif Farrag zu sehen, eine glasierte Keramik mit karikaturhaften Formen, die Elemente der syrischen und ägyptischen Tradition in einer persönlichen Ästhetik verarbeitet.
Die Erkundung wird mit Heidi Laus Werk Dew Drops on Crescent Cave (2023) fortgesetzt, in dem glasierte Keramik und geschmolzenes Glas zu einer vieldeutigen, zoomorphen, kreaturenartigen Figur verschmelzen. Die Figur hält eine vegetationsbedeckte Ruine in den Händen, während ein echter Korallenzweig, ein typisches symbolisches Objekt der Wunderkammer, in einiger Entfernung platziert ist. Seit der Antike mit magischen und schützenden Kräften assoziiert, wird die Koralle hier zu einem Element der Kontinuität zwischen dem Natürlichen und dem Symbolischen.
Tierische Elemente finden sich auch in der Wiener Sauciere aus dem 19. Jahrhundert wieder, die aus Silber und Bergkristall besteht, einem Material, das mit rituellen und mystischen Bedeutungen aufgeladen ist. Die Wand wird durch eine Tapete vervollständigt, auf der eine wahre visuelle Sammlung abgebildet ist: Gegenstände, Utensilien, Schmuck und Nippes drängen sich in einer Blumenkulisse, die zur Metapher für die historische Schichtung und den Wunsch nach Besitz wird.
In einem angrenzenden Raum befindet sich Urvasi und Gilgamesch, Öl und Blattgold auf einer Tafel von Gino De Dominicis. Das Werk, das zu einer 1979 begonnenen Serie gehört, zeigt die Begegnung zweier mythischer Figuren, des sumerischen Königs Gilgamesch und der hinduistischen Nymphe Urvasi. Ihre grafischen Profile, die sich stets gegenüberstehen, scheinen in der Zeit eingefroren zu sein, während der goldene Hintergrund die symbolische Aura des Bildes noch verstärkt. Ein weiteres Gemälde des Künstlers, Untitled (TV Spectator) (1996), stellt eine alltägliche Szene, einen Mann vor einem Bildschirm, in einen Raum, der kosmische Dimensionen heraufbeschwört und der Fernsehvision eine fast metaphysische Bedeutung verleiht.
Die Reflexion über die Erinnerung und den Akt des Sammelns setzt sich bei Fabrizio Cotognini fort. Seine Werke mischen antike Stiche, Freihandzeichnungen, akribische Anmerkungen und geheimnisvolle Symbolik. Tarocco 3 (2016), Olympus 2.0 Hercules (2019) und True story full of lies (2018) schöpfen aus einer Bilderwelt, die vom Barock bis zur Alchemie, über philosophische und botanische Gedanken reicht. Manuelle Eingriffe verwandeln historische Drucke in zeitgenössische Palimpseste, in denen sich die Zeit überschneidet und verschwimmt.
Die Praktiken von Bri Williams und Brianna Leatherbury, die auf der Rückgewinnung und Umarbeitung von Materialien beruhen, bieten weitere Interpretationsebenen. Williams verwendet Harz und Seife, um persönliche Gegenstände und Abfälle zu symbolischen Kompositionen zu formen, wie in Omen (Crow) (2024), während Leatherbury in Soon (2025) Kupferelemente und elektrische Komponenten verwendet, um komplexe Systeme zu schaffen, die über die Dynamik von Wirtschaft und Produktion nachdenken. Beide reflektieren über Formen der Erinnerung und Spuren von Erfahrungen.
Die Ausstellung zeigt auch ein Werk von Remo Bianco, Impronta (1958), einen Gummiguss, der eine Reihe von Alltagsgegenständen im Flachrelief fixiert. Als Ausdruck seines Manifests derImprint Art übersetzt das Werk die persönliche Erinnerung in ein Zeichen und macht eine intime Beziehung zu den Dingen greifbar.
Blindness, Blossom and Desertification IX (2024) ist eine Arbeit auf Rohbaumwolle, die von Monia Ben Hamouda, der Tochter eines islamischen Kalligraphen, signiert wurde. Das Werk gehört zu einer größeren Serie, die aus dem Wunsch der Künstlerin entstanden ist, die spirituellen und rituellen Wurzeln des künstlerischen Ausdrucks in Bezug auf die natürliche Umgebung zu untersuchen. Mit organischen Materialien wie Gewürzen, Hibiskuspulver, Asche, Holzkohle, rotem Ton, Paprika und Erde komponiert Ben Hamouda visuelle und textliche Spuren, die an Felsoberflächen erinnern, die zu den frühesten Ausdrucksformen des Menschen gehören. Seine Bilder entstehen aus schnellen Gesten, Staubwürfen und Zeichen, die an die arabische Schrift erinnern, die er von Kindheit an gelernt hat. Die technische Strenge, die diese Striche kennzeichnet, erinnert an die Disziplin der Kalligraphie, bei der es üblich ist, ein leeres Blatt Papier neben die Seite des Werks zu legen, um die Hand auf die Ausführung vorzubereiten.
Den Abschluss, oder vielleicht auch die Eröffnung der Ausstellung, bildet das Porträt eines Humanisten, ein Gemälde, das Lorenzo Lotto zugeschrieben wird. In einem Umfeld, das von Objekten und Werken mit schwieriger Datierung dominiert wird, scheint das Renaissance-Werk einen Fixpunkt darzustellen. Dennoch wirft seine Anwesenheit Fragen auf. Der dargestellte Mann, der in einen Kontext eingebettet ist, der sich den historischen Koordinaten entzieht, erscheint als rätselhafte Figur. Es ist nicht klar, ob er beobachtet oder beobachtet wird, ob er zu dieser Welt gehört oder von ihr losgelöst ist. In einer Umgebung, die sich der zeitlichen Linearität verweigert, bleibt seine Funktion zweideutig: Zeuge, Wächter oder Symbol für den Akt des Sammelns selbst.
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| Verschmutzung und Wunder: ein Dialog zwischen den Sammlungen Koelliker und Scarzella in Mailand |
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