Es gibt Figuren, die mehr als andere als ambivalente Erscheinungen durch die Kunstgeschichte gehen, irgendwo zwischen der Großzügigkeit desMäzens und der Strenge des Bankiers. Figuren, die nicht schaffen, nicht malen, nicht formen, ohne die es aber viel Kunst nie gegeben hätte und vieles andere im Schatten verloren gegangen wäre. Diese Figuren sind die Sammler.
Der Sammler ist Retter und Gefängniswärter zugleich. Retter, weil er kauft, wenn niemand sonst kauft, weil er Risiken eingeht, wenn der Markt noch keinen Wert festgelegt hat, weil er sieht, wo andere nicht sehen. Gefängniswärter, weil er in dem Moment, in dem er ein Werk kauft, es der Welt entzieht: Es ist kein kollektives Erbe mehr, sondern ein privates Gut. Die Spannung zwischen diesen beiden Polen - Rettung und Entzug - zieht sich durch die gesamte Geschichte des Sammelns, von den Galerien der Renaissance bis zu den zeitgenössischen Stiftungen. Und heute müssen wir uns mehr denn je fragen: Ist es richtig, dass die Kunst einigen wenigen gehört? Ist es gerecht, dass ein Werk, das geschaffen wurde, um zur Welt zu sprechen, in einem Tresor eingeschlossen wird, unsichtbar für diejenigen, die es sich nicht leisten können, die Schwelle eines Privathauses zu überschreiten?
In der Geschichte gibt es viele Beispiele, bei denen der Sammler eine wichtige Rolle spielte. Lorenzo de’ Medici war nicht nur ein kluger Politiker: Er war es, der in dem jungen Michelangelo ein zu förderndes Talent erkannte und ihm Raum zur Entfaltung gab. Isabella d’Este schuf mit ihrer Sammlung in Mantua ein Modell des “studiolo”, das uns noch heute fasziniert. Peggy Guggenheim rettete im 20. Jahrhundert ganze Generationen amerikanischer und europäischer Künstler, indem sie Werke kaufte, die kein Museum haben wollte, und sie im Laufe der Zeit zu unverzichtbaren Meisterwerken machte. Der Sammler war in diesen Fällen derjenige, der an das Werk glaubte, bevor es berühmt wurde, derjenige, der es bewahrte, als die öffentliche Institution nicht die Mittel dazu hatte, derjenige, der es weitergab, als andere es vergessen hätten. Ohne die Sammler hätten wahrscheinlich ganze künstlerische Bewegungen keine Spuren hinterlassen.
Aber es gibt auch eine andere, dunklere Seite. Jedes Mal, wenn ein Werk in eine Privatsammlung gelangt, verlässt es, zumindest teilweise, das öffentliche Leben. Es ist nicht mehr frei sichtbar, es kann nicht mehr leicht studiert werden, es gehört nicht mehr zum gemeinsamen Erbe. Viele Werke des italienischen Futurismus wurden zum Beispiel in den 1920er und 1930er Jahren ins Ausland verkauft, als der Futurismus noch keine starke institutionelle Anerkennung genoss. Viele Gemälde von Boccioni und Severini gelangten in ausländische Privatsammlungen, und einige sind sogar verloren gegangen. Das gleiche Schicksal ereilte in den 1950er und 1960er Jahren Werke von Burri, Fontana und Manzoni, die von weitsichtigen Privatpersonen erworben wurden und dann hinter verschlossenen Türen verschwanden.
Sie wurden nicht zerstört: Sie sind lebendig, bewacht, versichert. Aber unsichtbar. Und ein unsichtbares Werk ist in gewisser Weise ein verstümmeltes Werk. Denn Kunst lebt nur im Blick des Betrachters, nur in der Gemeinschaft, die sie interpretiert. Wenn ein Gemälde in einem unzugänglichen Wohnzimmer hängt, verstummt seine Stimme, oder besser gesagt: sie schrumpft auf ein winziges Publikum. Und hier zeigt sich der Widerspruch: Kunst ist Objekt und Sprache zugleich. Sie ist Materie, die gekauft, verkauft, besessen wird. Aber sie ist auch eine kollektive Stimme, das Zeugnis einer Zeit, eine universelle Erzählung. Sie wie jedes andere Gut zu behandeln, wie ein Grundstück, eine Villa, ein Schmuckstück, hieße, sie auf eine Ware zu reduzieren. Aber gleichzeitig die Möglichkeit zu leugnen, dass es sich um Privateigentum handelt, hieße die Tatsache zu ignorieren, dass ohne die wirtschaftliche Unterstützung von Privatpersonen ein Großteil der Kunst nicht existieren würde.
Das zeitgenössische Sammeln oszilliert zwischen diesen Polen. Auf der einen Seite stehen die großen, der Öffentlichkeit zugänglichen Sammlungen wie die von Pinault in Venedig, Prada in Mailand oder Rubell in Miami, die aus Privatbesitz einen Ort des kollektiven Genusses gemacht haben. Auf der anderen Seite stehen Tausende von Werken, die in Tresoren eingeschlossen sind und wie Finanzanlagen behandelt werden, die auf Auktionen wie Wertpapiere an der Börse gehandelt werden. Es sind dieselben Werke, die je nach ihrem Schicksal “gerettet” oder “beschlagnahmt” werden können.
Die Frage wird dann zu einer ethischen: Gehört ein Kunstwerk wirklich demjenigen, der es kauft? Oder gehört es in dem Moment, in dem es geschaffen wird, auch der Gemeinschaft, die es als ein Zeugnis anerkennt? Ein Caravaggio in einem öffentlichen Museum ist Teil unserer nationalen Identität. Ein Burri in einer Privatsammlung sollte auf die gleiche Weise wahrgenommen werden. Der Burri in einer Privatsammlung sollte genauso wahrgenommen werden, doch der Burri in der Privatsammlung ist den Augen der Öffentlichkeit entzogen, er ist nur noch eine Investition, ein Statussymbol. Ist das legitim? Ja, rechtlich gesehen. Aber ist es auch kulturell richtig?
Wir dürfen den Sammler jedoch nicht verteufeln, sondern müssen seine Rolle neu definieren. Er ist nicht länger ein einsamer Kerkermeister, sondern ein teilhabender Hüter. Er ist nicht mehr der absolute Herr, sondern Teil eines sozialen Paktes, der die Kunst als Gemeingut anerkennt, auch wenn sie sich in Privatbesitz befindet. Einige Instrumente gibt es bereits: langfristige Leihgaben an Museen, steuerliche Anreize für diejenigen, die ihre Sammlungen der Öffentlichkeit zugänglich machen, zugängliche digitale Archive, die Werke dokumentieren, auch wenn sie nicht physisch sichtbar sind. Aber es muss noch mehr getan werden. Es bedarf eines Mentalitätswandels: Die Erkenntnis, dass der wahre Wert eines Werks nicht in seinem Preis liegt, sondern in seiner Fähigkeit, zu vielen Menschen zu sprechen.
Ein Werk, das in einem Tresor eingeschlossen und unsichtbar ist, ist wie ein Buch, das niemand liest, wie Musik, die niemand hört. Es lebt, ja, aber auf welche Weise? Vielleicht sind die Sammler wirklich die großen Protagonisten derzeitgenössischen Kunst, aber das Urteil über ihre Arbeit hängt davon ab, wie bereit sie sind, die von ihnen gehüteten Werke weiterleben zu lassen, sie in Umlauf zu bringen, sie zu sehen. Denn die Frage, die wir uns stellen müssen, lautet nicht mehr nur, wem die Kunst gehört, sondern wer sie sehen kann. Und von dieser Antwort hängt nicht nur das Schicksal der Privatsammlungen ab, sondern auch die Vitalität unserer Kultur selbst.
Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.
