极简主义、还原主义运动的历史和艺术家

极简主义或极简艺术是 20 世纪 60 年代中期艺术界最重要的经历之一。我们可以将这一潮流视为美国雕塑的首次表态，它由静默的物体组成，以中立的意识形态展现自己。极简艺术家的非个人性与波普画家的非个人性如出一辙，后者会选择身边文明中的任何一个刻板印象作为自己的创作对象。事实上，极简主义与波普艺术是 20 世纪 60 年代美国艺术界的主要潮流，1966 年的 "原始结构"（Primary Structures）展览将其推向了顶峰。

在这十年的早期，主要的艺术大师是：唐纳德-贾德 （Donald Judd ，1928 年，埃克塞西奥斯普林斯；1994 年，曼哈顿）、罗伯特-莫里斯（RobertMorris，1931 年，堪萨斯城；2018 年，金斯顿）、卡尔-安德烈（Carl Andre ，1935 年，昆西；2024 年，曼哈顿）、丹-弗拉文（Dan Flavin，1933 年，牙买加；1996 年，里弗黑德）和索尔-勒维特（Sol LeWitt，1928 年，哈特福德；2007 年，纽约）。在绘画领域，弗兰克-斯特拉（Frank Stella，1936 年出生于马尔登，2024 年出生于纽约）脱颖而出，他对自己绘画创作的意义做了这样的阐述：“我的绘画基于这样一个事实，即只有能看到的东西才是存在的。它实际上是一个物体。[......]我希望别人从我的画作中得到的，也是我从画作中得到的，就是你可以看到整个构图思想，而不会混淆[......]你所看到的就是你所看到的”（摘自布鲁斯-格拉塞的访谈，《艺术新闻》中对斯特拉和贾德的提问，1966 年 9 月）。

极简主义艺术史

极简主义（Minimalism）这一标签定义了那些以还原本质为特征的艺术倾向。它们是一种激进的体验，旨在确定纯粹的初级物理性以及结构、表面和色彩干预的基础性。极简艺术家群体大约形成于 20 世纪 60 年代，并于 1966 年在纽约犹太博物馆举办的展览 "原始结构"中得到认可。该团体成员的共同特点是对客观性、基本结构、可塑性和三维结构感兴趣。这些艺术家追求强烈的形式简化，追求一种艺术语言的坚实、非个人化的理性，这种理性的功能还包括防止任何对作者情感领域的侵入。

极简主义作品可以是几何实体，也可以是由半成品或预制工业材料制成的金属结构；它们是具有强烈空间内涵的作品，与包含它们的地方有着特定的关系。这些作品通常以系列或模块的形式重复出现，并使用材料本身的颜色，或严格限制在黑白范围内。

英国评论家 理查德-沃尔海姆（ Richard Wolheim，《极简艺术》，“艺术杂志”，1965 年 1 月）首次对 "极简艺术"进行了定义，他以 20 世纪的作品为参照，谈到了艺术内容的最小化，其特点是越来越坚决地放弃传统的手工劳动，例如杜尚的现成品。由于极简主义首先是一种美国经验，这位哲学家对安迪-沃霍尔（Andy Warhol）和罗伊-利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）的作品提出了质疑，同时也对法国象征主义诗人斯特凡-马拉美（Stephane Mallarmé）的白纸黑字提出了质疑。在可以确定的典范和大师中，当然有艺术家马塞尔-杜尚的教训，但也有阿德-莱因哈特的教训，他的隐形黑蓝作品是极简主义研究艺术家的启蒙者之一。早在 1915 年，卡齐米尔-马勒维奇（Kazimir Malevic）的作品《白底黑字方块》就已成为极简主义的重要先驱。

在与雕塑相关的资料来源中，俄罗斯建构主义的贡献非常精辟：建构主义的作品是由根据其特殊品质选择的材料组成，并置于日常现实空间中，如弗拉基米尔-塔特林的《浮雕》，后来极简艺术家丹-弗拉文向其致敬。美国画家弗兰克-斯特拉（Frank Stella）的 "巴尔克绘画"（Balck Paintings）被认为是极简主义潮流的开创者。"巴尔克绘画 "是一种完全黑色的绘画，通过极细的线条镌刻其物理性，使其表面充满活力，并根据几何运动消除任何情感悸动。

20 世纪 60 年代，极简主义反对抽象表现主义的主观性，它以冷酷的振动和严格的本质态度取代了抽象表现主义的推动力。表现主义艺术家将创作行为理解为冲动和情感的自由宣泄，而极简主义则致力于作品的非个人性和干巴巴的内在实体性。尽管如此，极简主义艺术家仍认为杰克逊-波洛克及其同事的作品和创新是有价值的。大型作品被视为极具视觉冲击力的组合，仍然是美国艺术理念中公认的基础元素，与更传统的欧洲艺术理念形成鲜明对比。

极简艺术的主要艺术家

极简主义艺术家在 20 世纪 60 年代中期以一种紧凑的方式开展活动。他们在 1963 年至 1964 年间开始研究，遵循每位艺术家身上共同的、可识别的元素。总的来说，所有极简主义者都坚持几何体积和基本形式，试图尽可能减少人工干预的价值，将其降到最低。通常情况下，材料的选择对于作品构图的组织和发展都至关重要。在雕塑作品中，颜色是所用材料的自然原色。物体是与周围空间互动的元素。有些物品和装置必须在特定地点组装：当作品是为特定空间而创作时，就会使用一种至今仍然有效的公式，即特定地点公式。在这种模式下，作品与其说是作品本身，不如说是与环境的对话。

唐纳德-贾德（Donald Judd）毕业于哲学系，20 世纪中期以画家身份出道，1959-1965 年间作为艺术评论家与《艺术新闻》和《艺术杂志》等多家杂志合作。他的作品由"堆叠"的几何结构组成。它们是规则、尖锐的物体，与空间（可以是画廊，也可以是博物馆）紧密相连。与其他极简主义者相比，贾德是最冷酷、最严谨的一位。他使用不锈钢、阳极氧化铝和有机玻璃等工业型材料。他选择的是三维和基本结构的材料，这些材料与作品的特殊身份有关：颜色、形式和表面的设计将所有焦点集中在客观性上。

由于极简主义理念认为应该消除手工劳动，贾德采用了工业技术和机械，以保证在执行过程中最大限度地精确和非个人化。

1963 年，在纽约格林画廊举办的展览上，他展出了一系列用木材或其他材料制作的浮雕和结构，全部用镉红着色。在《无题》（1963 年）中，淡淡的镉红油彩覆盖在一个木制平行六面体上，这个平行六面体是根据艺术家的设计加工、测量而成的。它的一个面被一个管状开口穿透，构成了一种通道，形成了一个通道；在成为雕塑之前，贾德将其视为一件物品。从色彩的运用到木头上干净利落的切口，这件作品绝对没有人工痕迹，保证了它与艺术家没有身体上的接触。

晚年，艺术家开始使用金属，用铁或铝制作盒子，将它们作为单个元素或堆叠在一起，形成一个整体系列。1968 年的《Untitled (Stack)》就是这样一件作品，它具有冷酷的技术执行力，固体和空隙的扩展严谨而清晰，但却构成了一个统一的整体。贾德放弃了升华客观、物理和具体特征的想法：这仍然是他作品的真正美学本质和唯一内容。

卡尔-安德烈（Carl Andre）也朝着完全唯物主义的方向发展：他的作品的形式特征与所使用的工业和预制元素、普通材料的形式特征相吻合。安德烈以一种基本的方式将这些形式结合在一起，从而消除了艺术作品与普通干预之间的任何距离。他的创作旨在创造条件，重新认识初级建筑元素，利用它们的物理存在和环境位置。在此过程中，他重新定义了雕塑的含义，对垂直和水平、重量和空间等基本要素进行了反思。Hour Rose是一种涂漆木料，通过机器严格塑形和加工，远离了人为干预和手工艺的自发性。从 1968 年起，安德烈开始用他的 “雕塑地板 ”尝试形式的最大本质。次年，他创作了144 块铅方，这是一件针对特定场地的作品。该雕塑使用方形石板，其特点是没有地板 ，是一个纯粹的空间场所，观众可以在此漫步，享受前所未有的直接感官体验。

丹-弗拉文从20 世纪 60 年代起就从事极简主义领域的工作。他的作品以对光的兴趣和极简主义中对光的高度重视而著称：最初是 1963 年的作品《粉红的角落》（Pink out of a corner），一个简单的物体，一根粉红色的霓虹灯管被放置在房间的角落，成为他所有荧光作品的基本模块。通过打开光管，弗拉文赋予了空间新的意义，他最初从作品的光辐射中看到了精神层面。渐渐地，弗拉文接触到了弗拉基米尔-塔特林、贾斯珀-约翰斯和弗兰克-斯特拉等艺术家的作品，开始构思并认同物体作为真正物理现象所具有的价值。正是为了塔特林和他的 "第三国际计划纪念碑"，弗拉温专门创作了一系列作品，即《塔特林纪念碑》（1964-1982 年），其中包括由不同大小的霓虹灯标量组合而成的装置，在空间中扩展出冷白色、黄色和红色的光度。

罗伯特-莫里斯是极简主义雕塑的绝对领袖。这位艺术家对极简主义问题的推理主要集中在物体、空间和观赏者之间的关系上，但杜尚的概念成分和贾斯珀-约翰斯的影响对他也很重要。在 "原始结构“展览上，他展出了大型 L 型胶合板结构 ”L -Beams"（1965 年），所有这些结构都是一样的，但放置在不同的位置，从而产生了多样化的效果；因此，每个元素都作为不同的作品强加给公众。

在极简主义艺术家中，索尔-勒威特（Sol LeWitt）是将理念置于物质之上的艺术家。他对观念艺术理论化的贡献众所周知。勒威特的作品同时游走于极简主义和概念领域之间，因为他能够通过精神和具体的视觉结构来表达自己。虽然认识到实现瞬间的重要性，但勒威特在概念行为中发现了更优越的创作瞬间。1966 年，他实现了 "三个正方形"，这些元素与墙壁和地板之间的边缘线保持着完美的距离。其结果是取消了立体感，转而追求一种扩张的效果。通过他的作品，勒威特将概念元素升华为具体的空间基准，即改变空间的动作。

在极简主义绘画领域，我们发现了弗兰克-斯特拉（Frank Stella）。这位美国画家的任务是发展一种与抽象表现主义相对立的激进绘画。他试图将绘画行为的意义重置为零，取消绘画的所有关系本能和珍贵性，肯定艺术对象的同义反复价值：“你所看到的就是你所看到的”，他在谈到 1959 至 1960 年间创作的黑色条纹绘画时如是说。这种模块化的重复配置旨在强化画面对象的实体性。

画家罗伯特-雷曼（Robert Ryman，1930 年出生于纳什维尔，2019 年出生于纽约）将艺术创作的最小化过程发挥到了极致。他提出将画布作为具体的支撑物，并以其精辟的物理性进行绘画。然而，与弗兰克-斯特拉不同的是，他没有使用几何构图，而是专注于绘画的物质本质，将绘画的过程、颜料的铺设赋予了无限的重要性。在《无题》（1962 年）中，饱满的白色笔触在画面上飞快地划过，由于颜色的特性，这些笔触相互抵消，在笔触的曲线中变得微不可查，呈现出一种微小的浮雕效果。对于雷曼来说，画家的行动必须在精神上得到加强，表现力和身体的参与必须减少到最低限度，这就是减少和集中的理念。

极简主义、还原主义运动的历史和艺术家

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