丹尼尔-布伦（Boulogne-Billancourt，1938 年）以一种超越历史认知的权威出现在当代艺术舞台上，他的艺术实践经过五十多年的研究仍在不断更新其艺术语言 。自 20 世纪 60 年代以来，他一直是观念艺术的关键人物，从一开始，他就将自己的艺术实践设定为一个持续的空间重组过程，通过一种语言，将严格的逻辑和视觉连贯性与建筑和沉浸式维度中取之不尽、用之不竭的生成潜力结合起来。他的创作方法以对城市、建筑和自然空间组成元素的敏锐触觉为指导，通过对几何图形的干预，对这些元素进行解密、重新诠释和再创作。对称与对立、色度交替、外部与内部的相互作用、自然光与人工光的关系、透明与反射是艺术家构建其作品的主要概念材料。因此，投射或叠加在室内或室外墙壁上的几何元素被转化为想象中的门或窗，打开了建筑空间的新视野，或转化为隔膜，以幻觉的方式分割同一空间，覆盖它，以至于扭曲其内涵。20 世纪 70 年代初，水和镜子的使用被引入他的表达词汇中，它们在放大这种转换维度方面也发挥了重要作用，产生了进一步的多重视角，根据不同的视角，提出了作为可塑物质的空间的不同面貌，从而破坏了凝视的稳定性。
六十年来，布伦巩固了他的视觉剧目，这些剧目看似有限，但却具有非凡的多样性，他的实践根植于一种感知装置的使用，这种装置已成为他的风格标志：白色和彩色交替的垂直条纹图案，宽度始终精确为 8.7 厘米，这种图案来自布伦 1965 年在巴黎市场偶然发现的一种工业织物。对这位艺术家来说，这是一次名副其实的 “顿悟”（1967 年，他彻底放弃了工作室，转而从事环境干预活动，同时涉及绘画、雕塑和建筑），与其说它是一个独特的标志，不如说是一种方法论工具（用他的话说，是视觉工具），使他能够对艺术作品的可见性和存在条件提出质疑。这种严谨简洁的视觉手段，最初是作为绘画零度研究的极端落脚点，后来成为艺术家引导观察者从作品本身关注到作品所处的整个物理和社会环境的载体。布伦曾多次表示，“艺术总是高度政治化的，即使在你看不到的时候”。事实上，他对公共空间的干预并不是为了传达明确的信息，而是为了重构人们对场所的感知和体验，让观察者批判性地认识到自己与周围环境的关系。1986 年，在巴黎皇宫荣誉庭院安装的 "Les Deux Plateaux“引起了争议，这就是这种 ”干预 "艺术对现实的颠覆性潜力的一个典范证明。这件作品由 260 根黑白相间的八角形立柱组成，除了高度不同之外，其他部分完全相同，如今已成为法国首都最具标志性的纪念碑之一，在被公认为公共艺术杰作之前，曾因其异端性质有悖于既定的城市规划惯例而面临拆除的危险，但最终因市民的认可而得以恢复，市民们立即开始在这块之前被忽视的场地上居住。
从这些前提可以看出，布伦的研究重点一旦确定，他的兴趣就不再是创造独立的物体，而是创造体验。正是为了应对这一挑战，皮斯托亚博物馆基金会举办了丹尼尔-布伦展览。Fare, Disfare, Rifare。展览于1968-2025 年在皮斯托亚的布昂塔伦蒂宫（Palazzo Buontalenti）举办，由艺术家本人和基金会负责人莫妮卡-普雷蒂（Monica Preti）共同策划。展览路线在这座 16 世纪宫殿的房间、中央庭院和城市中的两个特定地点进行，通过历史作品和近期作品（其中许多作品是为此次展览创作或重新创作的）之间的密切对话，旨在追溯艺术家的职业生涯和项目。展览的目的是记录他从根本上改造地方而不推诿的能力，并研究他与托斯卡纳的特殊关系，托斯卡纳是他拥有大量永久作品的地区。
展览的标题确定了布伦的创作方法的本质，即制作、解除制作和重塑制作之间的交叉，这是他通过一个始终在进行的过程系统地质疑作品与空间不可分割的结合的结果，在这个过程中，艺术家的行为不断被观众的目光所更新，而观众也与环境共生。展出的作品，更笼统地说，艺术家的全部创作（根据他自己的定义）分为两类：一类是原地作品，即在街道、画廊、博物馆、风景区和建筑中创作的作品，以环境为基础，不能转移到其他地方；另一类则是有地点的作品，最好能转移到其他地方。然而，在这两种情况下，作品从来都不是自给自足的物品，而只是存在于它与外部世界的关系之中。在与汉斯-乌尔里希-奥布里斯特（Hans Ulrich Obrist）就 2021 年巴塞尔艺术博览会（Art Basel 2021）进行的一次有趣对话中，布伦详细阐述了第一个概念。基于类似的直觉，艺术家的现场作品的概念也是如此，这些作品并不想以专制的方式强占空间，而只是借用空间，将其融入到作品中，让人无法一目了然，其中每个不同的视觉角度都是更大构图的一部分。根据同样的建议，在布翁塔伦蒂宫举办的展览，在第一展厅展出了年代最久远的画作（这对于理解其绘画语言的起源是不可或缺的）之后，也可以被视为一种现场艺术作品，艺术家根据建筑特点对空间进行协调、伪装、重新解释或重新诠释的方向是显而易见的。
因此，本次展览的主题是20 世纪 60 年代中期的绘画研究，以一系列棉布大画和拼贴画为代表，在这些作品中，艺术家完全摒弃了他之前所从事的具象艺术，而是寻求日益重要的形式组合。有些作品是用床单制作的，上面的条纹图案是用胶带粘贴在背景上的，这是对不久之后出现的带有垂直条纹的工业织物的预言。这些早期作品令人兴奋，揭示了艺术家对几何纯粹性的追求（已占主导地位）与绘画的有机传统之间的紧张关系，可从因滴落和表面不规则而变得不完美的面纱、有机基质的色调以及占主导地位的曲线形式中看出。在下一个房间中，这种关系发生了逆转：他那清晰无误的条纹图案开始占据主导地位，时而被流体形式覆盖或打断，与图案的严格正交性形成和谐的对位。
房间的墙壁沐浴在柔和的灯光下，两块条纹织物在背后灯光的照射下变得半透明，一块是中性色调，另一块是橙色主调。这件装置作品完美地诠释了布伦是如何利用光这种雕塑材料来创造环境，让观众获得全方位的感官体验。随后，我们来到布翁塔伦蒂宫的内院，两个门廊日廊系统与直径递减的双阶圆柱为这里增添了活力。展览中最重要的作品之一《Découpé / Étiré (1985-2025)》就是在这里完成的，它是对为 Tucci Russo 画廊完成的一件作品的重新思考。它是一个在空间中呈手风琴状扩展的结构，就像一个透视游戏，由一系列门廊组成，一个接一个，从大到小，其中一些剖面覆盖着镜面。该装置象征着一种以模块化和重新组合为操作原则的艺术方法：一旦被切割成碎片，由一系列门廊构成的理论上的单一平面就可以展开并延伸出无数变化，进行潜在的无限重组。接下来的行程中，有一个房间专门展示艺术家为意大利（其中许多在托斯卡纳）公共工程绘制的大量设计图，如位于 Fattoria di Celle 公园的La Cabane èclatée aux quatre salles (2005)、皮斯托亚医院的血液透析馆、Concave / Convexe：deaux places en une avec fontaine（2011 年），以及 Quarrata La Magia 医疗别墅的Muri Fontane a tre colori per un esagono。随后，我们来到展览中最壮观的装置之一--"Harlequin at Infinity"（2003-2025 年），这是一个身临其境的环境，由木柱和不同颜色的方形天花板组成。在这个由垂直结构组成的有序迷宫中，由于插入了镜子，光线从上方过滤，扩展到下方空间，产生了令人回味和迷失的万花筒效果。
在这种由几何布局标准化的静态形式与由光线引发的动态之间的辩证关系中，我们可以称之为艺术家的感知颠覆策略得以实现，在这种情况下，看似简单的装置却能催化复杂的凝视重组。参观结束时，我们来到了一个房间，这里专门展示了三幅高浮雕作品，它们来自《棱镜与米罗尔》（2022 年）系列，由棱角分明的板块组成，从镜面背景中突兀而出，有节奏地点缀着黑色、粉色和蓝色条纹，与经典的白色交替出现。整体效果是一个似乎可以弯曲和伸展的动态空间，吸引观众在房间里走动，体验不同的视角以及色彩、形状和镜面反射之间不断变化的关系。
这种艺术作品的关系概念在博物馆外部的干预中得到了最完美的体现，例如Facciata ai venti(2025)，这是一件在大教堂广场 Antico Palazzo dei Vescovi 外墙上完成的现场作品，窗纱上印制的垂直黑白条纹与相邻大教堂和洗礼堂的横向罗马式双色大理石条纹相呼应。作品《Dalla terrazza alla strada: livello》（1979-2025 年）的极简主义同样重要，这是一条黑白纸带，贴在 Palazzo de’ Rossi 和 Sdrucciolo del Castellare 之间的墙壁上，与城市几何图形形成互动，让人联想起艺术家 20 世纪 60 年代末在巴黎街头创作的《Affichages sauvages》。这件作品让人想起布伦早期对艺术机构的激进批判，当时放弃工作室而直接介入公共空间代表了一种政治和美学立场。就像在那些表演行为中一样，这里的条纹装置也不仅仅是方案的重复，而是一种能够适应任何环境并与之对话的生成机制：因此不是强加在空间上的标志，而是揭示其内在特征的元素，并将其纳入艺术视野。
从整个展览中可以强烈感受到的是艺术家工作方式的连贯性，这种连贯性具体体现在一个不断发展和适应性强的系统中，尽管这种方法具有严格的连贯性，但总是能够根据环境的特殊性进行自我修改。他的作品不以专制的强加于人的形式出现，而是以重新诠释空间的提案的形式出现，邀请参观者积极参与重新标识的过程。因此，永恒的垂直条带在视觉上的同一性构成了揭示环境异质性的先决条件，在这一过程中，人们可以发现原本看不见的东西。有鉴于此，皮斯托亚的展览与其说是一次传统的回顾展，不如说是一次通过当下的视角重新审视这位法国艺术家整个职业生涯的机会 。在一个抽象的可居住世界中，历史作品与近期作品、现场作品与原地作品、博物馆内部与外部作品之间的成功相遇，引发了一场超越时间顺序的交叉引用游戏，对一位艺术家的创作实践提出了同步解读，他的研究仍然是反思艺术、建筑和公共空间之间关系的重要参考点。
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