Emilio Vedova: Leben und Werk des informellen Künstlers

Emilio Vedova (Venedig, 1919 - 2006) war einer der repräsentativsten Künstler derinformellen Bewegung (eine künstlerische Strömung, die eine Bildsprache anstrebt, die weit von der Figuration entfernt ist und auf Gesten, Materie und Zeichen basiert). Vedovas Werke sind Explosionen von kontrastreichen Pinselstrichen, die nicht so sehr ein individuelles als vielmehr ein kollektives Unwohlsein anprangern wollen. Dieses starke politische Engagement des Künstlers kam nicht nur in seinen Gemälden zum Ausdruck, die Kunst und Politik durch gestische Malerei zu verbinden wussten, sondern manifestierte sich auch schon in jungen Jahren, als er sich dem italienischen Widerstand anschloss und mehrmals an verschiedenen politischen und sozialen Kämpfen teilnahm.

Der rebellische, dynamische und politische Geist des Künstlers kam meisterhaft in seinen Werken zum Ausdruck, die in große Gemäldezyklen mit ebenso aussagekräftigen Titeln mündeten. Vedova, der oft als "italienischer Bruder von Jackson Pollock" bezeichnet wird, schaffte es, bestimmte sprachliche Aspekte vorwegzunehmen, die im Mittelpunkt des Interesses der neuen Künstlergenerationen standen. Seine lebhafte Neugier auf die Ausdrucksmöglichkeiten von Materialien veranlasste ihn, verschiedene künstlerische Sprachen wie den Siebdruck und die Lithografie zu verwenden. Im Laufe seines Lebens reiste Vedova viel: Tokio, die Vereinigten Staaten, Mexiko und Lateinamerika. Dank seiner charakteristischen Freiheit hatte Vedova nie Angst, neue Wege zu beschreiten und zu experimentieren, und fügte so der Geschichte der italienischen Kunst etwas Neues hinzu.

Emilio Vedova

Das Leben von Emilio Vedova

Emilio Vedova wurde am 9. August 1919 in Venedig als Sohn einer Handwerkerfamilie geboren. Im Alter von nur elf Jahren begann er als Lehrling in einer Fabrik zu arbeiten, um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten und Material zum Zeichnen und Malen zu kaufen. Im Jahr 1936, als er noch ein Teenager war, nahm ihn ein Onkel in Rom auf: Hier malte und zeichnete der Junge extravagante Architekturperspektiven, zahlreiche Selbstporträts und Figurenkonstellationen. Nach seiner Rückkehr nach Venedig beschließt er, zusammen mit seinem Freund Hermann Pircher nach Florenz zu gehen und dort eine Aktschule zu besuchen, obwohl sie am Ende viel Zeit “auf der Straße” verbringen. 1940 stellte die Opera Bevilacqua La Masa(heute Fondazione Bevilacqua La Masa) Vedova ein Atelier im Palazzo Carminati zur Verfügung, wo der Maler sich besser seiner Kunst widmen konnte. Diese ersten Jahre von Vedovas künstlerischer Tätigkeit waren sehr wichtig, da sie die Voraussetzungen für sein zukünftiges Schaffen aufzeigten. In den Zeichnungen, in denen er die venezianische Architektur darstellte, lässt sich bereits die Spannung der rhythmisch wiederholten Zeichen erkennen. 1940 stellte er seine Werke zum ersten Mal in der Galleria Ongania in Venedig aus und begann auch, sich an einigen Avantgarde-Initiativen zu beteiligen.

Im Jahr 1942 zieht er nach Mailand, wo er im folgenden Jahr zwei Ausstellungen in der Galerie Corrente - La Spiga veranstaltet und auch an der 4. Quadriennale d’Arte Nazionale in Rom im Palazzo delle Esposizioni teilnimmt. In dieser frühen Mailänder Zeit verkehrte Vedova mit den Künstlern der Corrente-Bewegung , die zwischen den 1930er und 1940er Jahren eine entscheidende Rolle bei der Vorbereitung der Künstler auf die künstlerische Erneuerung Italiens spielte, die in der Fronte Nuovo delle Arti , der Vedova angehörte, sehr deutlich wurde. Während des Zweiten Weltkriegs schloss sich Vedova den italienischen Widerstandsgruppen an, zunächst in Rom und dann in Belluno. Nach Kriegsende kehrte er nach Venedig zurück, wo er sein Atelier in die Fondamenta Bragadin verlegte und begann, das Restaurant L’Angelo zu besuchen, das bald zu einem regelmäßigen Treffpunkt von Intellektuellen und Malern wurde. In diesem künstlerisch-intellektuellen Umfeld lernte der Künstler die Kunstsammlerin Peggy Guggenheim kennen, die Jahre später einige seiner Werke kaufte.

Im Oktober 1946 wurde die Neue Front der Künste gegründet, der Vedova selbst zusammen mit den Künstlern Renato Birolli, Ennio Morlotti, Armando Pizzinato und einigen Kritikern, darunter Giuseppe Marchiori , beitrat. Ziel der Bewegung war es, die neuesten europäischen Erfahrungen in die italienische Kunst einzubringen, die damals von der Novecento-Bewegung dominiert wurde (der Künstler wie Achille Funi, Mario Sironi, Emilio Malerba usw. angehörten). Zwischen 1946 und 1947 nahm Vedova an internationalen Ausstellungen teil. Im Jahr 1950 stellt er auf der Biennale von Venedig aus und lernt bei dieser Gelegenheit Annabianca Manni kennen, die er im Mai 1951 heiratet. Seine erste Einzelausstellung im Ausland (1951) fand in der Viviano Gallery in New York statt, wo er ausschließlich “schwarze Geometrien” ausstellte.

Nach der Spaltung der Fronte Nuovo delle Arti schließt sich Vedova der“Gruppe der Acht” an, einer Bewegung, die aus dem Wunsch des KritikersLionello Venturi entstand, die abstraktesten Künstler aufzunehmen, zu denen neben dem venezianischen Maler auch Renato Birolli, Giulio Turcato, Ennio Morlotti und Giuseppe Santomaso gehören.

Im Jahr 1952 gewinnt der Künstler den Dufy-Preis, der ihm einen Aufenthalt in Paris ermöglicht. In dieser Phase entstehen die großformatigen Gemälde Zyklus des Protestes ’ 53 und Zyklus der Natur ’53, in denen er seine Annäherung an den Informalismus manifestiert. Der Anlass für seine erste Reise nach Deutschland war die Einladung zur Teilnahme an der ersten Ausgabe der Documenta in Kassel 1955, die von Arnold Bode kuratiert wurde. 1957 zog er in seine neue Wohnung in Venedig, Dorsoduro 46, um, wo er bis zu seinem Lebensende lebte. Der Kunstkritiker Giulio Carlo Argan präsentierte 1963 seine erste Einzelausstellung in der Galerie Marlborough in Rom, die eine Reihe von Polemiken seitens anderer Kritiker nach sich zog. Von April bis Mai 1965 reist er erstmals in die Vereinigten Staaten, wo er bis Juli bleibt und eine Ausstellung mit Zeichnungen veranstaltet, aber auch die Internationale Sommerakademie in Salzburg renoviert, an der er fünf Jahre lang unterrichtet, bis 1969, dem Jahr, in dem die Zahl der Studenten, die seinen Kurs besuchen, auf zweihundert steigt.

1968 war der Höhepunkt der Studentenbewegung, und Vedova nahm nicht nur aktiv an den Demonstrationen teil, sondern wurde auch von den Studenten aufgefordert, “Gegenkurse” an der Accademia di Belle Arti in Venedig abzuhalten. Vedovas soziales und politisches Engagement wurde 1974 deutlich, als er eine Sensibilisierungskampagne zur Rettung der Magazzini del Sale aus dem 15. Nach monatelangen Kämpfen und Protesten, auch dank der Intervention des Künstlers, blieben die Hallen unangetastet. 1975 nimmt er einen Lehrauftrag an der Accademia di Belle Arti in Venedig an, wo er bis 1986 bleibt. 1980 wird er von der Universität Unam zu einer anthologischen Ausstellung nach Mexiko-Stadt eingeladen und nutzt die Gelegenheit zu einer Reise/Studie, deren Einfluss sich in dem Zyklus Plurimi binari manifestiert. In den 1980er Jahren folgten große Ausstellungen in Italien und im Ausland, die dem venezianischen Künstler gewidmet waren und es ihm ermöglichten, seinen Ruf als großer Künstler zu festigen. 1993 verlieh ihm die Accademia dei Lincei den Feltrinelli-Preis für die Klasse der Malerei, und 1997 erhielt er den Goldenen Löwen für sein Werk auf der XLVII. Biennale von Venedig, die gleichzeitig das Jahr der großen Retrospektive im Castello di Rivoli war. Emilio Vedova starb am 25. Oktober 2006, einen Monat später folgte ihm seine Frau.

Emilio Vedova, Selbstporträt (1938-1939; Öl auf Leinwand, 70 x 40 cm; Venedig, Fondazione Emilio e Annabianca Vedova)

Emilio Vedova, Caffeuccio veneziano (1942; Öl auf Leinwand, 43,2 x 55 cm; Sammlung Giuseppe Iannaccone)

Emilio Vedova, Hurricane (1948; Öl auf Leinwand, 90 x 130 cm; Privatsammlung)

Emilio Vedova, Konzentrationslager (1950; Öl auf Leinwand, 124 x 128 cm; Brescia, Sammlung Cavellini)

Die Hauptwerke von Emilio Vedova

Vedovas gestische Malerei ist von den Erfahrungen des Futurismus und der amerikanischenAktionsmalerei inspiriert. Von Anfang an lehnte er realistisch-didaktische Ausdrucksformen ab und fand in der gestischen Abstraktion die am besten geeignete Ausdrucksform, um politische und soziale Themen zu behandeln. Von Beginn seiner künstlerischen Laufbahn an war die Geste sehr präsent, wie man bereits im Selbstporträt (1938-1939) sehen kann, einem Werk, in dem Materie und Geste sehr deutlich sind, oder auch im Caffeuccio veneziano (1942), in dem die an einem Tisch sitzenden Figuren durch das Nebeneinander von großen, farbenprächtigen Pinselstrichen wiedergegeben werden, die von einer schwarzen Linie begrenzt werden. In den 1940er Jahren begleiten und antizipieren die Themen seiner Gemälde die politischen Veränderungen, wie die Titel seiner Werke zeigen: Angriff auf die Gefängnisse (1945), das bereits völlig abstrakt ist, aber auch Combat (1942) und Hurricane (1948). Letzteres markiert einen wichtigen Moment in der Kunst des venezianischen Malers, da es den nun endgültigen Übergang zurabstrakten Kunst und die Verwendung eines immer energischeren Zeichens bezeugt. Das Werk ist auch deshalb wichtig, weil der Künstler in metaphorischen Titeln die als Spannung und Konflikt empfundene historische und existenzielle Situation zusammenfasst.

In diesen Jahren der Forschung schuf Vedova ganz besondere Werke wie Konzentrationslager (1950), Explosion und Kampf , beide von 1949, deren Entwicklung die kubistischen Lehren widerspiegelt, insbesondere Picassos Guernica (1937), das zu dieser Zeit im Mittelpunkt vieler Diskussionen stand. Vedovas künstlerische Sprache tendiert eindeutig zum Informellen, wie in den beiden großen Zyklen des Protests und der Natur (1952-1953) zu sehen ist, in denen es dem Künstler gelingt, sein ethisch-politisches Engagement und seine Kritikfähigkeit gegenüber den Widersprüchen der zeitgenössischen Gesellschaft zum Ausdruck zu bringen. In diesen beiden großen Bildzyklen löste sich Vedova von der rationalen und geometrischen Tendenz, die die Werke der späten 1940er Jahre kennzeichnete, und wandte sich einer nervösen, spannungsgeladenen und lebendigen gestischen Ausdruckskraft zu, die zum charakteristischen Stil des Künstlers werden sollte. Die 1960er Jahre sind durch eine große Anzahl von Gemälden gekennzeichnet, wie z.B. die Zyklen Per la Spagna (1962), aber es sind auch Jahre, in denen sich die künstlerische Forschung auf eine stärkere Interaktion mit dem Betrachter konzentriert, der, so Vedova, nicht mehr vor dem Gemälde stehen bleiben kann, um das Werk zu genießen. So entstanden die ersten Plurimi (1961): in den Raum eingefügte materielle Werke, die mit Hilfe verschiedener Kompositionstechniken wie Collagen, Decollagen, Graffiti und Verbrennungen zweiseitige Gemälde auf Holz schaffen. Die ersten Plurimi entstanden 1963 in Venedig und wurden im selben Jahr in der Galerie Marlborough in Rom erstmals ausgestellt.

Eine weitere Entwicklung dieser Arbeiten fand in Berlin statt, wo Vedova von 1963 bis 1965 lebte: Hier entstanden die sieben Plurimi von Absurdes Berliner Tagebuch ’64, die auf der Documenta III in Kassel ausgestellt wurden. Diese großformatigen Werke scheinen Hybride zwischen Malerei und Skulptur zu sein, aber die starken Gesten zeugen von ihrem malerischen Charakter. Um das Werk besser betrachten zu können, wird der Betrachter geradezu gezwungen und gedrängt, näher heranzutreten, herumzugehen und zu interagieren. Wenn Jackson Pollock mit den traditionellen Schemata der Staffelei-Malerei brach, indem er die Leinwand auf den Boden stellte und physisch mit ihr interagierte, während er im konventionellen Raum blieb, ging Vedova mit den Plurimi einen weiteren Schritt nach vorn, indem er eine physische Beziehung nicht nur zwischen Werk und Künstler, sondern auch mit dem Betrachter herstellte. In den 1970er Jahren erlebt der venezianische Künstler eine Periode der Reflexion: In dieser Phase zeichnen sich seine Werke durch eine andere Art von Technik aus. Es beginnt eine neue Zeit der Malerei, wie die plurimi-binari (1977-1978) zeigen: Diese Werke bestehen aus großen Strukturen, die unregelmäßig geformte und beidseitig bemalte Holztafeln einrahmen. Die binären Stahlstrukturen scheinen an die Geometrie zu erinnern, die die Werke der späten 1940er Jahre kennzeichnete. Parallel zu diesen großformatigen Werken experimentierte der Künstler mit verschiedenen Formen der Grafik und schuf verschiedene Siebdrucke, Lithografien und Radierungen. Eine weitere relevante Werkreihe aus diesen für den Maler fruchtbaren Jahren sind die sogenannten Carnevali, die er zwischen 1977 und 1983 entwickelt und die sich stark von den bis dahin entstandenen Werken unterscheiden. In den gewohnten Kontext von Zeichen und Geste führte der Maler ein sehr explizites narratives Element ein: Die Masken wurden auf die bemalten Flächen aufgetragen und waren trotz der Verformungen und Farbspuren klar erkennbar. Bis dahin signalisierten die Titel eindeutig den Inhalt des Werks, was aber nicht bedeutete, dass das Zeichen/die Geste des Malers ebenso “lesbar”, also nicht narrativ war. Vielmehr machte das Element der Maske das Thema der Leinwand unmittelbar nachvollziehbar.

1981 reiste Vedova nach Lateinamerika und begann, beeindruckt von den mexikanischen Wandmalern, in seinen großen Leinwänden wieder Farbe zu verwenden, aber interessanterweise änderte er auch das Format seiner Werke: nicht mehr quadratische oder rechteckige Formate, sondern Kreise , die mit starken Schwarz-Weiß-Kontrasten gemalt wurden. Das Werk Not Where ’87 II ist eine Scheibe mit einem Durchmesser von 280 cm. Abgesehen von Schwarz und Weiß gibt es keine Farben. Auf der einen Seite des Kreises stehen sich dunkle Farbmassen gegenüber und stoßen sich ab, während auf der anderen Seite einige schwarze Streifen die zentripetale Bewegung blockieren; es gibt kein bestimmtes Wo . Es war genau diese Entflechtung von Schwarz und Weiß, die verhinderte, dass die Scheiben auf Sphären anspielten. Vedovas letzter großer Gemäldezyklus war ...Continuum : Hier wurden die großen Leinwände nicht isoliert voneinander konzipiert, sondern bildeten in ihrer Gesamtheit eine Szenografie unterschiedlicher Schichtungen, eine Durchdringung von Leinwand zu Leinwand, die, wie der Titel andeutet, den Eindruck von Kontinuität vermittelte, denn für den Künstler ist die Malerei ein unendliches Band, von dem wir Fragmente erahnen können.

Emilio Vedova, Zyklus der Natur Nr. 7 (1953; Tempera auf Leinwand, 145 x 190 cm; Araraquara, Museum für Moderne Kunst)

Emilio Vedova, Für Spanien Nr. 8 (1962; Öl auf Leinwand, 145 x 145 cm; Privatsammlung)

Emilio Vedova, Nicht wo ’87 II (1987; Öl auf Platte; Privatsammlung)

Wo man die Werke von Emilio Vedova sehen kann

Wenn Sie das künstlerische Schaffen von Emilio Vedova kennen lernen möchten, müssen Sie die Fondazione Emilio e Annabianca Vedova in Venedig besuchen, deren Hauptziel es ist, die Werke des Künstlers zu fördern. Die Stiftung verfügt über zwei Ausstellungsräume: das Magazzino del Sale, das nach den Plänen des berühmten italienischen Architekten Renzo Piano errichtet wurde, und das 2010 restaurierte Spazio Vedova, das nicht nur verschiedene Ausstellungen beherbergt, sondern auch ein multifunktionaler Raum ist, in dem Veranstaltungen unterschiedlicher Art stattfinden können.

In der Lagune beherbergt die Internationale Galerie für Moderne und Zeitgenössische Kunst wichtige Werke des Künstlers, darunter einige Tafeln aus dem Protestzyklus und Werke aus der abstrakten Phase. Weitere wichtige Museen, die Sie besuchen sollten, wenn Sie die Werke von Vedova bewundern möchten, sind: Mart (Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Trient und Rovereto), die Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Rom, die Stiftung Museion in Bozen, die Galleria Civica d’arte Moderna e Contemporanea in Turin und MAG (Kunstmuseum Gallarate). Das MoMa (Museum of Modern Art) und das Solomon R. Guggenheim in New York besitzen ebenfalls einige Werke des Malers.

Emilio Vedova: Leben und Werk des informellen Künstlers