Die zweite Ausgabe von Arte e Collezionismo a Roma, die von der Associazione Antiquari d’Italia organisiert wird, findet vom 20. bis 23. September 2025 im Palazzo Barberini, dem Sitz der Gallerie Nazionali di Arte Antica, statt. Unter den anwesenden Ständen ist einer der am meisten erwarteten der von Brun Fine Art, der im Saal 98, der dem Stand 36 gewidmet ist, Meisterwerke vom 17. bis zum 20. Jahrhundert präsentieren wird, wobei der Schwerpunkt auf seltenen Werken und einigen überraschenden Funden liegt.
Einer der Funde ist dieAllegorie des Neides von Giuseppe Mazzuoli (Volterra, 1644 - Rom, 1725), eine Skulptur aus Carrara-Marmor, die auf das Jahr 1701 datiert ist. Mazzuoli, der in Siena in einer Familie von Steinmetzen und Architekten aufwuchs, wurde in Rom bei Antonio Raggi ausgebildet und arbeitete mit Gian Lorenzo Bernini an wichtigen vatikanischen Bauwerken wie dem Grabmal von Papst Alexander VII. zusammen, für das er die Figur der Nächstenliebe schuf. Mazzuoli gilt als einziger Bildhauer, der die Sprache Berninis über die Schwelle des 18. Jahrhunderts hinaus zu tragen vermochte, und ist der Autor dieser dramatischen und kraftvollen senilen Figur, die sich in ihrer Verzweiflung die Haare rauft. Das Werk war Teil des Grabdenkmals für Carlo und Alessandro de Vecchi, das von ihren Verwandten aus Siena in Auftrag gegeben und zwischen März und April 1701 in der römischen Basilika Santi Apostoli aufgestellt wurde. Die Skulptur wurde nach nur sieben Monaten im Zuge von Renovierungsarbeiten am Gebäude abgebaut und blieb jahrhundertelang verschwunden, bis sie vor kurzem dank einer überraschenden Entdeckung wieder auftauchte.
Ein weiteres Highlight der Ausstellung ist ein großartiges, unveröffentlichtes Werk, die Personifikation des Wahnsinns, die zwischen 1650 und 1660 datiert wird und Orfeo Boselli (Rom, 1597 - 1677) zugeschrieben wird, einem römischen Bildhauer, der in der Blütezeit des 17. Jahrhunderts tätig war, als die Persönlichkeit von Gian Lorenzo Bernini dominierte. Obwohl Bosellis Name dem breiten Publikum nicht bekannt ist, spielt sein Werk eine wichtige Rolle als Ausdruck des künstlerischen Kontextes der Zeit.
Die Büste aus Carrara-Marmor stellt eine Frau dar, die durch einen einzigartigen Kopfschmuck gekennzeichnet ist, der aus einem Schleier und drei mächtigen Federn besteht, die sich wie Schlangen wölben. Die Figur wird durch das vom Wind zerzauste Haar und das leichte Gewand, das die linke Brust unbedeckt lässt, noch eindrucksvoller. Dieses sinnliche und dramatische Bild wurde von dem Kunsthistoriker Luca Annibali als eine außergewöhnliche Personifizierung des Wahnsinns anerkannt, die sich in die zwischen dem 16. und 17. In ikonografischen Handbüchern wird der Wahnsinn manchmal als Frau mit zerzaustem Haar, drei Federn auf dem Kopf und zerzauster Kleidung dargestellt. Die ursprüngliche Quelle dieser Darstellung geht auf die Fresken von Ludovico Carracci im ehemaligen Kloster San Michele in Bosco in Bologna zurück, wo die vom heiligen Benedikt geheilte Wahnsinnige dargestellt wurde. Das Bild wiederum stammt aus einem gedruckten Repertorium, der Vita et miracula sanctissimi patris Benedicti, das von Aliprando Caprioli nach Zeichnungen von Bernardino Passeri gestochen und 1579 in Rom veröffentlicht wurde. Es ist nicht bekannt, wer die Büste in Auftrag gegeben hat, die wahrscheinlich für eine adlige Umgebung bestimmt war und als moralische Mahnung über einem Konsolentisch aufgestellt wurde. Die Zuschreibung an Boselli sollte jedoch dank der stilistischen Analyse, die seine Handschrift erkennen lässt, keinen Raum für Unsicherheiten lassen.
Die dritte Neuigkeit betrifft Adolfo Wildt (Mailand, 1868 - 1931), dessen Maske von Cesare Sarfatti aus dem Jahr 1928 vorgestellt wird, ein gemeißeltes, patiniertes und poliertes Bronzerelief, das auf einen posthumen Marmorsockel montiert ist. Es handelt sich um ein Werk, das dank eines glücklichen Fundes mit der Bronze identifiziert werden kann, die zwischen November und Dezember 1928 auf der Ersten Regionalen Ausstellung für Lombardische Kunst der Gesellschaft für Schöne Künste und Dauerausstellung in Mailand ausgestellt wurde.
Eine Rezension, die am 30. November 1928 in der Zeitung Il Lavoro d’Italia erschien und von Alberto Neppi unterzeichnet ist, liefert wertvolle Details zur Rekonstruktion der Geschichte dieser Bronze. Bei dieser Gelegenheit wurde die Maske von Cesare Sarfatti zusammen mit einer “Santa Lucia” aus Marmor ausgestellt, die eine grüne Patina aufwies und besonderes Interesse erregte. Wildt war es nämlich nicht gewohnt, grüne Patinas zu verwenden, sondern bevorzugte einheitliche Brauntöne. Die Rezension beschreibt die Ausdruckskraft des Werks und hebt seine Fähigkeit hervor, Bezüge zur römischen kaiserlichen Porträtmalerei mit einer ganz modernen Unruhe zu verbinden, die mit dem Thema der Maske des zwanzigsten Jahrhunderts verbunden ist, das auch Pirandelli sehr am Herzen liegt.
Die bei Brun Fine Art ausgestellte Bronze gehörte Amedeo Sarfatti, dem Sohn von Cesare und Margherita Sarfatti, einem Kritiker und einer zentralen Figur in der Kulturdebatte der damaligen Zeit. Das Werk befand sich bis vor kurzem in Amedeos venezianischem Haus. In der Literatur ist auch ein Marmorexemplar derselben Maske bekannt, das auf das Jahr 1930 datiert werden kann und lange Zeit in Wildts Atelier verblieb, bevor es durch Vererbung in die Sammlung Calmarini in Mailand gelangte. Ein weiteres Exemplar aus Bronze, das 1927 hergestellt wurde und sich im Istituto Stomatologico di Milano befand, ging während des Zweiten Weltkriegs verloren.
Die Maske von Cesare Sarfatti ist ein emblematisches Werk in Wildtis Schaffen, das die Suche nach einer monumentalen Sprache mit einer modernen, psychologischen Spannung zu verbinden vermag. Die polierte Oberfläche der Bronze, die blaugrüne Patina, das teilweise abgeflachte Gesicht und die Intensität des Blicks tragen dazu bei, ein schwebendes Bild zu schaffen, das Fest und Beunruhigung, Römertum und Modernität vereint.
Der Stand von Brun Fine Art im Palazzo Barberini ist daher wie ein Streifzug durch die Jahrhunderte der Bildhauerei, vom Barock bis zum 20. Jahrhunderts. Der rote Faden ist die Qualität der Werke und ihre Fähigkeit, komplexe Geschichten zu erzählen, die aus Auftragsarbeiten, Zerstreuungen, Wiederentdeckungen und Neuinterpretationen bestehen.
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| Neid, Wahnsinn und die Maske: Brun präsentiert drei wichtige Erkenntnisse für die Bildhauerei |
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