Seit Jahrzehnten gehören sie zu den prominentesten Namen derzeitgenössischen Kunst weltweit. Ikonen des Marktes, Protagonisten von Rekordauktionen, gefeiert in Museen und auf Biennalen, verfolgt von Sammlern und Kuratoren. Jeder von ihnen hat ein wiedererkennbares Universum: Jeff Koons und die Hyperluzenz des Begehrens, Damien Hirst und der Tod als Spektakel, Takashi Murakami und die glitzernde Oberfläche des japanischen Pop, KAWS und die zur Kunst erhobene Spielzeugästhetik, JR und Street Art mit einem humanistischen Gesicht. Doch heute, in einem Zeitalter, das zunehmend auf Komplexität,soziale Dringlichkeit und Tiefe des künstlerischen Denkens achtet, hat etwas Risse. Überzeugen diese Künstler noch? Sprechen sie wirklich zur Gegenwart? Oder haben wir es mit einer Kunst zu tun, die aufgehört hat zu hinterfragen und sich nur noch selbst wiederholt? Ist es möglich, dass sie zwar für den Markt “relevant” bleiben, aber den entscheidenden Antrieb verloren haben, der ein Werk wirklich notwendig macht?
Jeff Koons ist das Paradebeispiel eines Künstlers, der Kunst und Markt endgültig verschmolzen hat. Seine Werke, die für ihre spiegelnden Oberflächen, ihre übersättigten Farben und ihre spielzeugartigen Proportionen berühmt sind, haben Museen, Stiftungen, Hotels und Flughäfen erobert und sind zu Statussymbolen einer postmodernen Ästhetik geworden, die auf Exzess und Spektakel beruht. Doch heute beginnt diese Ästhetik, ihre Grenzen aufzuzeigen. Die Ballonhunde, die Riesenherzen, die Gazing Balls scheinen der Sprache des dekorativen Designs näher zu stehen als einer wirklich kritischen Operation. Die Zurschaustellung einer “leeren Schönheit”, die in den 1980er Jahren noch wie eine Provokation klang, erscheint heute als eine sich wiederholende Formel. Die Pariser Ausstellung in Versailles (2008) erregte Aufsehen; die jüngste Ausstellung in Doha (2021) blieb dagegen fast unbemerkt. Vielleicht hat Koons seine Herausforderung gemeistert: Er hat gezeigt, dass Kunst ein reines Konsumobjekt sein kann. Aber gerade deshalb läuft sein Werk heute Gefahr, alles andere als lebendige Kunst zu sein.
Wenn Koons der Meister der glänzenden Sehnsucht ist, dann ist Damien Hirst der Meister des zum Spektakel gewordenen Memento mori. Vom Hai in Formaldehyd(The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living) bis zum diamantenbesetzten Schädel(For the Love of God) hat seine Kunst immer mit der Besessenheit von Tod, Zersetzung und Wert gespielt. Aber wie oft kann ein und dasselbe Konzept wiederholt werden? In den letzten Jahren hat Hirst seine Inszenierungen vervielfacht: Schmetterlinge, Kabinette, Pointillismus à la Spot Paintings und vor allem die kolossale Inszenierung von Treasures from the Wreck of the Unbelievable (2017), ein mit Hollywood-Mitteln nachgebauter archäologischer Fund, der für seine inhaltsleere Selbstverherrlichung kritisiert wurde. Auch das NFT-Projekt The Currency, bei dem er Tausende von Zeichnungen verbrannte, um “über Werte zu reflektieren”, schien eher eineMarketingaktion als eine authentische Geste zu sein. Was von Hirst heute übrig bleibt, ist mehr die Signatur als dasWerk. Das System liebt ihn, aber die aufmerksame Öffentlichkeit beginnt sich zu fragen: Ist das noch Kunst oder ist es eine Machtausübung?
Murakami hat maßgeblich dazu beigetragen, diejapanische Ästhetik in den Mittelpunkt der globalen Kunst zu rücken. Sein Superflat-Stil, in dem er Manga, buddhistische Spiritualität, Anime und japanische Traditionen miteinander verbindet, hat die Grenze zwischen Hoch- und Popkultur neu definiert. Aber seit wie vielen Jahren sehen wir das gleiche stilisierte Lächeln, die gleichen bunten Blumen, die gleichen zweidimensionalen Figuren? Man hat den Eindruck, dass Murakami von einem radikalen Künstler zu einem Warenproduzenten geworden ist. Von der Zusammenarbeit mit Louis Vuitton bis zu der mit Billie Eilish, über Turnschuhe und NFT hat sich sein Universum sprunghaft erweitert. Aber die Verbreitung von Bildern hat die Komplexität vom Inhalt abgezogen. Die Botschaft hat sich in Dekoration aufgelöst. Sicher, die Sprache ist wiedererkennbar, kraftvoll, kommerziell. Aber wo ist die kritische Ladung geblieben? Die Reflexion über das atomare Trauma, über die japanische Kulturgeschichte, über den visuellen Konsum? Heute scheint Murakami mehr daran interessiert zu sein, globale Maskottchen zu produzieren als Werke, die die Realität hinterfragen.
KAWS (Brian Donnelly) ist der emblematischste Fall für den Übergang von derKunst zur Marke. Als Straßenkünstler geboren, wurde er durch seine Neuinterpretationen von Pop-Figuren wie Mickey Mouse, SpongeBob und The Simpsons mit X-Augen und melancholischen Körperhaltungen bekannt. Von da an begann ein unaufhaltsamer Aufstieg: Museumsausstellungen, riesige Skulpturen, Zusammenarbeit mit Dior, Nike, Uniqlo, Samsung. Das Problem dabei?Das Werk ist immer das gleiche. Die Dimensionen, Materialien, Farben ändern sich, aber die Figur, der Companion, bleibt identisch, wie ein Logo. Es gibt keine Entwicklungen, keine Transformationen, weder konzeptionell noch formal. Nur Vervielfältigung. In einer Welt, in der die Kunst Einzigartigkeit und Identität in Frage stellen sollte, produziert KAWS Objekte, die replizierbar, begehrenswert, aber völlig risikolos sind. Ist er ein Künstler oder ein Luxusdesigner? Seine Werke sprechen Sammler an, weil sie beruhigend, vertraut und verkäuflich erscheinen. Aber gerade diese Vorhersehbarkeit untergräbt ihren kritischen Wert.
JR ist vielleicht der paradoxeste Fall: ein Künstler, der sich selbst als sozial engagiert darstellt, aber oft harmlose Projekte realisiert . Seine großformatigen Fotografien, die er in Arbeitervierteln, in Flüchtlingslagern und an Stadtmauern aufklebt, haben den Ehrgeiz, denjenigen eine Stimme zu geben, die keine haben. Aber die Sprache ist immer dieselbe: Gesichter in Schwarz-Weiß, emotionale Vergrößerungen, universelle Botschaften. Und das Ergebnis? Visuell starke Werke, aber ohne Analyse. Es gibt nie einen echten Konflikt oder eine Anprangerung. Die Menschlichkeit, von der JR erzählt, ist allgemein, beschwichtigt, “schön” im rhetorischsten Sinne des Wortes. Selbst seine ehrgeizigsten Projekte, wie Inside Out oder das Bild auf der Fassade des Louvre, erscheinen als symbolische Gesten ohne wirkliche Wirkung. In einer Zeit der strukturellen Ungleichheiten, der geopolitischen Spannungen und der Umweltkrise sollte man erwarten, dass die Kunst über einfache Emotionen hinausgeht. Und JR, der seine Absicht erklärt, Kunst “für jedermann” zu machen, scheint vereinfachte Erzählungen zu konstruieren, die für Instagram und ein Publikum geeignet sind, das nach Bestätigung und nicht nach Fragen sucht.
Koons, Hirst, Murakami, KAWS, JR: geliebte, gefeierte, meistverkaufte Künstler. Doch heute scheinen sie mehr denn je im Spiegelbild ihrer Ikonen zu leben. Sie haben eine wiedererkennbare, wirkungsvolle, aber in vielen Fällen kristallisierte Ästhetik geschaffen. Die anfängliche Stärke ist zur Routine geworden. Aus Innovation wurde Wiederholung. Aus dem Bruch ist Stil geworden.
Damit soll weder ihre historische Rolle geleugnet, noch ihr Talent verleugnet werden. Aber es ist legitim zu fragen: Stoßen sie immer noch an die Grenzen derKunst? Oder verwalten sie nur ihr symbolisches Kapital? In einer Landschaft, in der neue Generationen von Künstlern Praktiken in den Vordergrund stellen, die in Territorien, Konflikten, Körpern und persönlichen Geschichten verwurzelt sind, scheint das Modell des globalen Superstars zunehmend ermüdet. Kunst braucht Vitalität, keine Einnahmen. Risiko, nicht Marketing. Und vielleicht ist es an der Zeit, dass auch das System dies erkennt.
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