Wie viel kosten die Arbeiten bei Miart? Die 10 interessantesten, mit Preisen

Noch bis zum 16. April läuft in Mailand die 27. Ausgabe der Miart, der Messe für moderne und zeitgenössische Kunst, die von Fiera Milano organisiert und zum dritten Mal von Nicola Ricciardi geleitet wird. Das Schlüsselwort der diesjährigen Ausgabe lautet Crescendo, auch weil sich unter anderem die Zahl der angebotenen Galerien seit 2022 verdoppelt hat. Die Frage, die sich das weniger messeerfahrene Publikum am häufigsten stellt, lautet: Wie viel kosten die an den Ständen zum Verkauf stehenden Werke? Die Preisspannen sind sehr unterschiedlich: von Werken aufstrebender Künstler, die nur wenige hundert Euro kosten können, bis hin zu Werken etablierter oder historischer Künstler, die mehrere zehntausend Euro kosten. Es muss gesagt werden, dass auf der Miart nicht viele Galerien uns erlaubt haben, Preise zu veröffentlichen, und noch weniger haben einen Katalog mit allen Preisen ausgestellt (das beste Beispiel in dieser Hinsicht ist Cardelli & Fontana, die beschlossen haben, alle auf der Messe ausgestellten Werke auf Artsy zu veröffentlichen, mit allen Preisen). Die meisten Galerien verstecken sich hinter dem allgegenwärtigen Etikett “Preis auf Anfrage”. Hier sind zehn der interessantesten Werke, die wir auf der Miart gefunden haben. Sie wurden mit Beschreibungen und Preisen veröffentlicht, die uns von den jeweiligen Galerien mitgeteilt wurden, die der Veröffentlichung zugestimmt haben, in der Hoffnung, dass die Praxis, die Preise der Werke zu veröffentlichen, immer häufiger wird.

1. Dee Ferris, Sunset strip (2022), Präsentiert von Corvi-Mora (London). Forderung: 15.000 Euro.

In dieser Temperamalerei auf Leinwand erzählt die britische Malerin Dee Ferris von einer alten Welt, die bereit ist, verschlungen zu werden, von einem Sonnenuntergang, der in dem Moment anzuhalten scheint, bevor alles dunkel wird, von einer Erinnerung, die unerbittlich versucht zu entkommen. Ein Gefühl der Vorahnung und des Verlassenseins liegt über der jüngsten Werkserie der Malerin, die in dem Moment in der Schwebe gehalten wird, in dem man sich am zerbrechlichsten fühlt. Ihre Leinwände sind gleichzeitig beängstigend und leicht und sind, wie Ferris es ausdrückt, “ein riesiger Felsbrocken, der über mir schwebt, schwerelos und erdrückend zugleich”. Das Ergebnis ist immer das eines “Zerlegungsprozesses”: eine mühsame, aber schrittweise Suche und anschließende Überarbeitung von Quellen (von Magritte bis zur Werbung), die zur Schaffung von Bildern führt, die in Zeit und Raum schweben und unerreichbar sind. Corvi-Mora stellt auf der Messe eine Reihe von Werken in diesem Format vor, die in ihren Abmessungen leicht variieren und zwischen 12 und 15 Tausend Euro kosten.

2. Vincenzo Agnetti, Porträt eines Schauspielers (1971), präsentiert von Galleria Farsetti (Mailand). Forderung: 160.000 Euro.

Einer der führenden Vertreter der Konzeptkunst ist zweifellos Vincenzo Agnetti, der seine expressive Forschung auf die Sprache stützt und sie in eine Kunstform verwandelt, die gleichzeitig ironisch und ernst ist. Das von der Galleria Farsetti präsentierte Werk Agnettis gehört zu den berühmten Feltri, die der Künstler 1968 zu komponieren begann. In diesem Fall ist das Werk in einem dunklen Grau gehalten und zeigt das Porträt eines Schauspielers durch die Verwendung literarischer Redundanz. Mit Hilfe von sibyllinischen und lapidaren Sätzen stellt der Mailänder Künstler das Wesen der Figur vor und deutet sie durch Andeutungen ihres Verhaltens an.

3. Antonio Ligabue, Tiger mit Kitzen (1960-1961), Präsentiert von Galleria de Bonis (Reggio Emilia). Forderung: 300.000 €.

Ligabue führte ein Leben im Exil, das von einer ständigen, alles verschlingenden Unruhe geprägt war. Von klein auf liebte es der Künstler, mit Tieren zu spielen, und zeitlebens fiel es ihm leichter, mit ihnen zu kommunizieren als mit Menschen, weshalb dies ein Thema war, das Ligabue sehr am Herzen lag. Die mal lieblichen, mal gewalttätigen Szenen auf dem Land spiegeln das Innere eines Künstlers wider, der von Ängsten und Nostalgie geplagt wird. Die Sehnsucht nach seiner Schweiz, die er im Hintergrund seiner Werke darstellt und dabei auf seine Kindheitserinnerungen zurückgreift. Obwohl sich die Landschaften auf existierende geografische Orte beziehen, reist Ligabue nur mit seiner Vorstellungskraft, vermischt das Reale mit dem Traum, auf der Suche nach einer Glückseligkeit, die heute in der Erinnerung verblasst ist. Tiger mit Rehkitzen (1960-1961) ist das Manifest der Galerie de Bonis, die eine kleine, aber bedeutende Retrospektive über die drei Phasen des Künstlers zusammengestellt hat. Die Leinwand, die die symbolische Ausstellung eröffnet, gehört zu Ligabues dritter Phase und stellt die Aggressivität des Raubtiers dar, mit seiner dunklen Seite als wilde Bestie und der überwältigenden Angst vor der Beute, die einen sehr bedrohlichen Ort schafft. Nachdem er alle Koordinaten seiner eigenen Existenz verloren hat, sucht Ligabue den Tod, den aggressiven Trieb, aber auch die wilde Angst, den Schmerz und die ohrenbetäubende Einsamkeit. Der geforderte Preis ist hoch (man bedenke, dass Ligabues Auktionsrekord, der im Mai 2022 für einen Leoparden mit Schlange aufgestellt wurde, bei 344.000 € liegt), aber das Thema ist eines der bekanntesten in Ligabues Oeuvre und es ist nicht üblich, Werke dieser Art und Größe auf dem Markt zu finden.

4. Rosa Barba, Komposition im Feld (2022), Präsentiert von Vistamare (Pescara). Forderung: 90.000 Euro.

Zu den interessantesten Vorschlägen für Arbeiten mit bewegten Bildern gehört sicherlich Rosa Barbas Composition in Field: eine kinetische Skulptur, bei der ein Film mit einem Metallrahmen verwoben ist.Die von hinten beleuchteten Buchstaben auf der Folie werden ständig ausgetauscht und zeigen Auszüge aus Charles Olsons poetischem Manifest “Project Verse” von 1950, in dem es heißt, dass die Poesie eine Form von “Energie ist, die von dort übertragen wird, wo der Dichter sie empfangen hat”, womit die Künstlerin die Vorstellung zurückweist, dass der Mensch feste Gewissheiten haben und direkte Antworten erhalten oder geben kann.

5. Mario Sironi, Studie für das Mosaik La giustizia tra la forza, la legge e la verità im Palazzo di Giustizia in Mailand (1936-1938), Präsentiert von Galleria Russo (Rom). Forderung: 200.000 Euro.

Die große vorbereitende Studie für das Mosaik im ersten Stock des Palazzo di Giustizia in Miano, La giustizia tra la forza, la legge e la verità von Mario Sironi, sticht an den leuchtend roten Wänden der Galleria Russo hervor. Bevor das Werk 1938 offiziell vorgestellt wurde, fertigte der Künstler ab 1936 zahlreiche vorbereitende Studien an. In dieser Studie verkörpert Sironi die Gerechtigkeit als eine Frau in einem weißen Gewand, die sich den zentralen Raum mit der auf einem Thron sitzenden Figur des Gesetzes teilt. Neben dem Gesetz befinden sich zwei sich gegenseitig durchdringende, skizzierte Figuren und ganz links auf dem Werk zwei weitere statuarische Figuren, eine nackt und eine bekleidet. Es ist interessant, die sich verändernde Form der sich entwickelnden Ideen aus den vorbereitenden Studien zu entdecken, um sie mit dem Endprodukt vergleichen zu können. Im Mailänder Mosaik nimmt die noch immer weiß gekleidete Gerechtigkeit die Mitte der Szene ein, während Sironi auf der rechten Seite das Gesetz darstellt, das nun mit den Gesetzestafeln in den Händen steht und die Wahrheit verkörpert. Auf der linken Seite hingegen steht ein kräftiger und muskulöser Mann als Verkörperung der Stärke, flankiert von römischen und faschistischen Symbolen wie dem fascio littorio, der jetzt teilweise entfernt wurde.

6. Arcangelo Sassolino, Ohne Titel (2023), Präsentiert von Galleria Continua (San Gimignano). Forderung: 30.000 Euro.

Die Materie verformt sich mit raffinierter Eleganz unter der Hand des Künstlers aus Vicenza, der durch die Skulptur und durch die ständige Durchdringung von Kunst und Physik neue Konfigurationen und Reize eröffnet. Sassolino setzt Kräfte ein und schafft, wie in diesem Fall, konkrete Risse, die eine extrem glatte Seite zeigen, die auf der Rückseite das Ergebnis des Risses offenbart. Die Zeit, die oft als ephemer und flüchtig beschrieben wird, ist für ihn ein Instrument, um zu erschaffen und zu verformen, und Arcangelo Sassolino sagt selbst, dass “die Zeit in der Skulptur komprimiert wird”.

Arcangelo Sassolino

7. Kathleen Goncharov, Purple Haze (2023), Präsentiert von Olympia (New York). Forderung: 3.850 Euro.

Die Amerikanerin Kathleen Goncharov, von Beruf Kuratorin (sie war auch Kuratorin des US-Pavillons auf der Biennale von Venedig 2003), widmete sich nach einer Italienreise in den 1980er Jahren, wo sie von der Spätgotik und der Renaissance mit ihrer reichen, warmen Farbpalette bezaubert wurde, eifrig (aber privat) der Malerei. Ihre phytomorphen Werke erinnern an die Sinnlichkeit und Leichtigkeit von Seide, an die wogenden Formen der toskanischen Landschaft und vor allem an eine bedingungslose Liebe zur Kunst. Seine Themen sind die Atmosphären und die süßen Empfindungen, die von der Eitempera oder, wie in diesem Fall, vom Farbstift wiedergegeben werden. Die Berührung, die Geste ist ein integraler Bestandteil von Goncharovs Werk, das durch langsame Schichtung lebendige Farben erzeugt und dabei eine verwobene, spürbare Spur beibehält. Das Debüt der Künstlerin fand erst im vergangenen Jahr in der Olympia Gallery statt, so dass ihre Arbeit nun zum ersten Mal in Italien zu sehen ist.

8. Beatrice Meoni, Ready to change (2023), Präsentiert von Cardelli & Fontana (Sarzana). Forderung: 6.600 Euro.

Eine Künstlerin, die man mit Anmut und Bewunderung entdecken sollte, ist Beatrice Meoni, die sich der Malerei auf Zehenspitzen nähert und die Welt beobachtet. Eine Welt, die sie zunächst als Bühnenmalerin erkundete und in engem Kontakt mit dem Theater arbeitete. Die Körper der Künstlerin befinden sich auf der ständigen Suche nach einer präzisen Position im Raum und schaffen so eine ständige Überschneidung von Körpern und Leerräumen, Abwesenheiten und Entwicklungen und nehmen immer wieder neue Erscheinungsformen an. Ein wahres Märchen, eine Inszenierung eines Körpers, der sich mit seiner Fragilität und unauflösbaren Unruhe verändert, mal im freien Fall, mal in Knäueln von Armen und Beinen. Er ist seit langem ein führender Name in der Galelria von Sarzana und ist auf der Messe mit Werken verschiedener Größen vertreten. Die kleineren sind mit 2.400 Euro, die größeren mit etwas über 8.000 Euro bewertet.

9. Valerio Adami, La Nuvola (1991), Präsentiert von der Galerie Dep Art (Mailand). Forderung: 125.000 €.

Valerio Adami kam schon als Kind mit der Kunst in Berührung, als er die Ruinen und Trümmer von Mailand während des Zweiten Weltkriegs zeichnete. Schon in jungen Jahren begann er bei Felice Carena zu studieren und verliebte sich dann in die Kunst von Oskar Kokoschka und die amerikanische Pop Art von Roy Lichtenstein. Die Wolke von 1991 repräsentiert seine Studien und seine ständige Forschung, die sich in Richtung Comics und Pop-Art bewegt, aber immer fest in der höfischen Studie verankert bleibt, indem sie lateinische Sätze einfügt und die einsame Metaphysik von Giorgio de Chirico betrachtet. Vor dem säuregrünen Hintergrund ist eine geheimnisvolle Frauenfigur zu sehen, die im unendlichen Moment der Selbstentblößung gefangen zu sein scheint, während im Vordergrund ein entkleideter Mann steht, der an die nervösen Körper von Egon Schiele erinnert.

10. Anders Davidsen, September, (2023) von M+B (Los Angeles). Forderung: 2.500-8.400 Euro.

Ein interessanter Vorschlag ist der junge Däne Anders Davidsen, geboren 1987, der seine Kunst in träumerische Meereslandschaften taucht, in denen die Sonne steil ins Meer fällt. Erinnerungen mit verwischten Grenzen zwischen Innerlichkeit und objektiven Daten erlauben es dem Künstler, dem Betrachter eine Welt der Abwesenheit zu vermitteln, in der die Landschaft perfekt mit emotionalen und mentalen Zuständen zu verschmelzen scheint. Ihr Pinsel vibriert unter dem warmen Licht der ewig untergehenden Sonne, während leuchtende ockerfarbene Muster durch die flackernden Pinselstriche hindurchschimmern. Der Künstler präpariert seine Leinwände mit Schichten aus Kaninchenfell, Leim, Kreide und Pigmenten, um genau diese ephemeren, ungreifbaren Texturen zu erzielen. Davidsens Gemälde sind zart und drängen sich dem Betrachter nicht auf, sondern schaffen sich selbst mit äußerster Sanftheit Raum. Interessant ist die Preisgestaltung: Sie reicht von 2.500 Euro für die kleineren Bilder bis zu 8.400 Euro für die großformatigen.

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