Die Porträts der Verrückten: Als Géricault dem Wahnsinn ein Gesicht gab

In einer Zeit, in der der Wahnsinn noch als obskures und stigmatisiertes Phänomen galt, hat sich Théodore Géricault (Rouen, 1791 - Paris, 1824) mit großer Strenge und Tiefe mit diesem Thema auseinandergesetzt. Es handelt sich um denselben Géricault, der zwar die französischeRomantik anführte, indem er sich mit heroischen und tragischen Szenen hervortat, der aber in denselben Jahren beschloss, ein völlig anderes Gebiet zu erkunden. Nach dem Floß der Medusa von 1819, einem Manifest der menschlichen Verzweiflung und der Anprangerung der Grausamkeit des Schicksals, wendet sich der Künstler von den Emotionen der Romantik ab und richtet seinen Blick auf einen ruhigeren und persönlicheren Abgrund, den des menschlichen Geistes. Seine Protagonisten sind somit verwandelt: Vergessen Sie die Schiffbrüchigen und Helden. Stattdessen sind die Hauptfiguren vergessene Individuen, die in Irrenhäusern eingesperrt sind. Géricault hat also Werke geschaffen, die über die klassische klinische Darstellung hinausgehen. In der Serie der Porträts von Geisteskranken, die zwischen 1820 und 1821 entstand, verband der französische Künstler strenge Beobachtung mit menschlichem Mitgefühl. Zehn Gesichter von Geisteskranken, die nach dem Leben gezeichnet sind, ohne jegliche Ausschmückung oder Pietismus, geben die ganze Komplexität der menschlichen Seele in ihren Schattenbereichen wieder. Nur fünf der Gemälde sind überliefert, aber sie reichen aus, um die revolutionäre Tragweite eines Unternehmens zu verstehen, das die moderne Sensibilität für die Psyche und die menschliche Schwäche um Jahrzehnte vorwegnahm.

Lange Zeit unbeachtet, wurden die Porträts erst im 20. Jahrhundert wiederentdeckt. Lorenz Edwin Alfred Eitner, Kunsthistoriker und Direktor des Kunstmuseums der Universität Stanford, widmete ihnen in dem 1987 von Salander-O’Reilly herausgegebenen Band Théodore Géricault eine eingehende Analyse, in der er sie als die transzendente Leistung der letzten Lebensjahre des Malers würdigte. Für Eitner handelt es sich bei den Porträts der Entfremdeten um rasch nach dem Leben ausgeführte Studien, die eher aus einer inneren Dringlichkeit als aus einer akademischen Absicht heraus entstanden sind. Aus diesem Grund können die Gemälde nicht für das Publikum der damaligen Zeit betrachtet und begründet werden. Der intime Charakter, weit entfernt von den heroischen und monumentalen Tönen der Medusa, macht sie daher zu einem der intensivsten Zyklen des gesamten 19. Nach eigenem Bekunden (eine im Louvre-Archiv aufbewahrte Korrespondenz aus dem Jahr 1863, wie Eitner berichtet), fertigte Géricault diese Porträts nach seiner Rückkehr aus England an, vielleicht für Étienne-Jean Georget (1795-1828), einen auf Geisteskrankheiten spezialisierten Arzt, der mit ihm befreundet war und eine zentrale Figur der französischen Psychiatrie und Leiter der Salpêtrière (ein von König Ludwig XIV. in Paris gegründetes Krankenhaus) war. Als Schüler der von Philippe Pinel gegründeten Schule verkörperte Georget die neue Wissenschaft des Geistes, die sich in Frankreich nach der Revolution entwickelt hatte: eine Disziplin, die die Geisteskranken aus den Gefängnissen befreite und in ihnen Individuen erkannte, die es zu verstehen und zu heilen galt und die nicht länger Monster oder Sünder waren.

Nach dem frühen Tod des Arztes im Jahr 1828 wurden die Gemälde unter zwei Sammlern aufgeteilt, von denen, wie bereits erwähnt, nur fünf erhalten geblieben sind. Heute werden die Werke in verschiedenen Museen aufbewahrt: Alienato conmonomania del comando militare befindet sich in Winterthur (Zürich), in der Sammlung Oskar Reinhart ’Am Römerholz’; Alienato conmonomania del furto ist Alienatoconmonomania del furto befindet sich im Museum voor Schone Kunsten in Gent(Belgien);Alienato conmonomania del furto wurde nach einer langen und komplexen Sammeltätigkeit in die Sammlungen des Louvre in Paris aufgenommen. Das Gemälde Alienate mit derMonomanie des Neids wird im Musée des Beaux-Arts in Lyon aufbewahrt, während sich das GemäldeAlienate mit derMonomanie der Kindesentführung in den Vereinigten Staaten im Springfield Museum befindet. In jedem Gesicht fängt Géricault den Schatten einer Monomanie oder einer Besessenheit ein: ein verlorener Blick oder ein angestrengtes Lächeln. Das Auge des Künstlers urteilt nicht und beobachtet nicht von oben herab, sondern nimmt an der Krankheit teil und teilt sie. Es ist, als ob Géricault in den durch das Leiden entstellten Gesichtern denselben Schwindel erkennt, den er wahrscheinlich selbst durchgemacht hat, als er unter Depressionen und einem von Qualen geprägten Leben litt.

Wie bereits erwähnt, hat der Künstler den Zyklus der Entfremdeten nach seiner Rückkehr aus England gemalt, obwohl von allen Werken dieAlienata con monomania dell’invidia zu einem früheren Zeitpunkt entstanden zu sein scheint als sein Englandaufenthalt. In einem Brief von 1863 erwähnt der Kritiker Louis Viardot, dass er die Gesichter zufällig entdeckt hat, wahrscheinlich in Deutschland, und beschreibt sie als obsessiv. Viardot zufolge wurden die Porträts zwischen 1820 und 1824 gemalt (wahrscheinlich eine ungenaue Datierung für Étienne-Jean Georget). Auf jeden Fall gibt es keine Dokumente, die Georgets besonderes Interesse an dieser Art der Darstellung belegen, im Gegensatz zu dem berühmteren Esquirol, dem Reformer der psychiatrischen Kliniken, der 1818 behauptete, mehr als 200 psychisch Kranke gezeichnet zu haben, um seine Beobachtungen zu veröffentlichen.

“Das Studium der Physiognomie der Geisteskranken ist keine Sache eitler Neugier”, berichtet Alfred Eitner in seinem Text unter Bezugnahme auf Esquirols Worte. “Sie hilft, den Charakter der Ideen und Gefühle zu definieren, die den Wahnsinn der Geisteskranken befeuern. Zu diesem Zweck habe ich von mehr als zweihundert stationären Patienten Zeichnungen anfertigen lassen und werde vielleicht eines Tages meine Beobachtungen zu diesem interessanten Thema veröffentlichen”.

Man musste bis 1924, dem hundertsten Todestag von Géricault, warten, um die historische Bedeutung der Porträts zu verstehen. In derEntfremdeten mit Monomanie des Neides zum Beispiel ist die Malerei des Künstlers zutiefst introspektiv. Durch den Verzicht auf malerische Zugeständnisse stellt Géricault ein echtes klinisches Abbild der kranken Frau her und bricht mit den traditionellen Regeln der Porträtmalerei. Seine Aufmerksamkeit richtet sich auf präzise Details. Die Kopfbedeckung, die Kleidung, der ungewöhnliche Gesichtsausdruck und die hervortretenden Augen sind Elemente, die die Störung und die obsessive Persönlichkeit der Patientin offenbaren. Die Monomanie, die von Esquirol beschriebene systematische und zwanghafte Geisteskrankheit, wurde so zum Treffpunkt von Kunst und Wissenschaft. Für den Psychiater spiegelt der Wahnsinn die Ängste seiner Zeit wider.

Jede Revolution und kollektive Leidenschaft“, schreibt Eitner und zitiert erneut Esquirols Worte, ”findet ihren Spiegel in den Irrenhäusern von Charenton und Bicêtre". Géricault hat also mit seinem Pinsel die medizinische Intuition in ein Bildkonzept umgesetzt. Eitner weist auch darauf hin, dass die für Georget geschaffene Serie der Entfremdeten wahrscheinlich aus einer engen Zusammenarbeit zwischen dem Künstler und dem Arzt selbst hervorgegangen ist. Es handelt sich in der Tat um ein klinisches und zugleich poetisches Projekt. Der Arzt verschaffte Géricault Zugang zu den Patienten und dem wissenschaftlichen Kontext, aber der Maler ging über die Dokumentation hinaus und enthüllte das Drama und die Würde seiner Modelle. Die Werke, so Eitner, ordnen Géricault daher mit der gleichen Kraft wie Medusa in die europäische Avantgarde ein, blieben aber ein Jahrhundert lang im Dunkeln.

Der Künstler hatte schon immer ein tiefes Interesse an der Welt der Medizin gehegt. Schon während der Entstehung des Floßes der Medusa, vier Jahre vor dem Zyklus der Entfremdeten, besuchte er das Krankenhaus von Beaujon in der Nähe seines Ateliers, wo er mit morbider Neugierde alle Stadien des Leidens beobachtete und die Spuren studierte, die die Krankheit im menschlichen Körper hinterließ. Dort freundet er sich mit einer Reihe von Medizinstudenten an, von denen er anatomische Fragmente erhält, die er zu Stillleben arrangiert und mit fast wissenschaftlicher Präzision darstellt, wie im Fall des Gemäldes Studien von Füßen undHänden, das zwischen 1817 und 1819 entstanden ist, oderAnatomische Teile von 1818-1819. Das Thema des Wahnsinns hatte für ihn jedoch eine eher persönliche Bedeutung. Geisteskrankheiten waren in seiner Familie sehr präsent, sein Großvater mütterlicherseits und ein Onkel waren an den Folgen des Wahnsinns gestorben, und Géricault selbst erlebte nach dem Geschrei der Medusa eine Phase tiefer Depression, die von paranoiden Wahnvorstellungen begleitet war. Wahrscheinlich entwickelte er in dieser Zeit ein neues Interesse an der medizinischen Erforschung der Ursachen des Wahnsinns. In jenen Jahren war Henri Savigny, der Chirurg, der den Schiffbruch der französischen Fregatte Medusa überlebt hatte, im Begriff, eine Studie über die Auswirkungen von Hunger und Durst auf den geistigen Zustand der Opfer zu veröffentlichen, und wahrscheinlich war er es, der Géricault in die aufkommende Wissenschaft der Psychiatrie einführte. Als der Künstler kurz darauf selbst von einer Krise heimgesucht wird, hat er die Gelegenheit, die Krankheit und den Heilungsprozess hautnah mitzuerleben: Von diesem Moment an beginnt er, die Arbeit der Alienisten, darunter auch Georget, mit neuer Aufmerksamkeit, Neugier und Beteiligung zu verfolgen.

Die Porträts der Verrückten werden als Halbfiguren präsentiert, die in Lebensgröße gemalt und in tiefe Schatten getaucht sind, aus denen nur die Gesichter hervortreten. Auf den ersten Blick könnte es sich um gewöhnliche bürgerliche Porträts handeln, wäre da nicht die Spannung, die sich durch die Gesichtszüge zieht. Nur dieAlienata mit der Glücksspielmonomanie schaut den Betrachter an, alle anderen wenden den Blick ab, in Gedanken versunken oder ohne zu wissen, dass sie beobachtet werden. Tatsächlich spürt man in jedem von ihnen einen inneren Aufruhr, der hinter der Maske des Gesichts verdichtet bleibt. Géricault verzichtet also auf die Theatralik und die traditionellen Darstellungen des Wahnsinns (die rasenden Verrückten, die Besessenen, die grotesken Narren), um eine direkte und moderne Sprache zu wählen. Im Gegensatz zu Francisco Goya, der 20 Jahre zuvor die Verrückten der Anstalt von Saragossa als ein Volk im Delirium mit theatralischen Gesten und imaginären Szenarien dargestellt hatte, beobachtet Géricault sie genau, einen nach dem anderen, mit der Aufmerksamkeit eines Arztes und dem Mitleid eines Menschen, der in ihnen einen Teil seiner selbst erkennt. In Das Asyl, das zwischen 1808 und 1812 entstand, stellt Goya entfremdete Personen dar, die in völlig imaginäre Zeremonien oder Schlachten verwickelt sind. Auf dem Gemälde sehen wir einen Mann mit einer Federkrone, der seine Hand zum Kuss anbietet, einen anderen, nackt mit einem Dreispitz, der einen Schuss simuliert, einen dritten (rechts), der ein Skapulier trägt. Licht fällt durch ein einziges vergittertes Fenster und erhellt den düsteren Steinraum. Goya selbst schrieb an den Politiker Bernardo de Iriarte: “So habe ich sie in Zaragoza gesehen”. Das Werk wurde in einem Druck von 1885 aufgegriffen, der von José María Galván entworfen und gestochen wurde, mit einem Text von Juan de Dios de la Rada, um die eigenartigsten Bilder der Akademie von San Fernando zu verbreiten.

In der Tat hatte Goya das Thema des Wahnsinns bereits in Der Hof der Verrückten, einem Werk aus Öl auf verzinntem Eisen von 1794, aufgegriffen. In einem offenen Hof, der mit der Irrenanstalt des Krankenhauses Nuestra Señora de Gracia in Saragossa identisch ist, stellt der Künstler eine Gruppe von Geisteskranken dar. In der Mitte der Szene stehen sich zwei nackte Gestalten gegenüber, die wie griechisch-römische Ringer aussehen und an Modelle aus der klassischen Bildhauerei erinnern, während ein Pfleger mit einer Peitsche auf sie einprügelt. Um sie herum stacheln andere Patienten, die in fadenscheinige weiße Tuniken gehüllt sind, die Goya, wie das Portal der Fundación Goya en Aragón berichtet, in einem Brief als “Säcke” bezeichnet, den Kampf an. Auf der linken Seite starrt ein stehender Mann mit verschränkten Armen den Betrachter mit einem Ausdruck des Schreckens an; auf der rechten Seite zieht eine sitzende Figur mit Hut eine sarkastische Grimasse. Weiter vorne, der Wand zugewandt, erscheint eine stehende Figur, die eine grün-braune Livree trägt, die Uniform, die den als weniger gefährlich geltenden Patienten vorbehalten ist. Das Licht, das den oberen Teil der Szene durchflutet, und das Licht, das durch das vergitterte Fenster am unteren Rand des Gemäldes eindringt, macht die Konturen der Figuren weicher, vereinheitlicht den Raum und hebt den Winkel auf, in dem die Wände des Hofes aufeinandertreffen. Die dunkle und undefinierte Umgebung wird hier zu einer Metapher für den Zustand der Geisteskranken und spielt auf die Dunkelheit ihrer begrenzten Fähigkeit zu verstehen und zu denken an.

Im Gegensatz zu den Werken Goyas handelt es sich bei Géricaults Porträts also um Darstellungen von realen Personen, die mit einer Klarheit ausgeführt werden, die auch Emotionen einschließt. Der Maler hält die sichtbaren Zeichen der Krankheit durch die Körperhaltung, das Anspannen des Mundes, so sorgfältig fest wie ein Arzt die Symptome notiert. Seine Präzision entspringt also derEmpathie. Géricault malt mit dem Ziel, sich an die Fakten zu halten, die ihm vorliegen, er sucht die Wahrheit und nicht die Dramatisierung. In jenen Jahren beginnt die Psychiatrie, den Wahnsinn als einen natürlichen Prozess anzuerkennen, der sich an körperlichen und verhaltensmäßigen Anzeichen ablesen lässt. Die äußere Erscheinung wurde somit zu einem präzisen Schlüssel zum Verständnis des inneren Zustands des Menschen. Wie schon in seinen abgeschlagenen Köpfen und anatomischen Fragmenten, die er Jahre zuvor gemalt hatte, hatte der Künstler in der Tat gezeigt, dass er schmerzhafte Themen mit scheinbarer Kälte und innerer Intensität behandeln konnte. Sogar in seinen Porträts von Verrückten koexistiert wissenschaftliche Kälte mit einer verhaltenen Emotion: das Ergebnis ist eine Reihe von Werken von schrecklicher Schönheit.

In denselben Jahren studierte John Constable die Wolken mit ähnlicher wissenschaftlicher Aufmerksamkeit und versuchte, die unsichtbaren Gesetze, die sie beherrschen, zu erfassen. Beide, jeder auf seinem Gebiet, haben so die Beobachtung zur Offenbarung gemacht: Constable mit dem Himmel, Géricault mit dem menschlichen Geist. Dies war der Moment, in dem sich Kunst und Wissenschaft trafen und das gleiche Vertrauen in das Auge als Instrument der Wahrheit teilten.

Andere Künstler der Romantik versuchten, den Wahnsinn darzustellen, aber keiner erreichte die Intensität von Géricault. Zwischen 1825 und 1829 malte Horace Vernet Die liebende Verrückte, eine junge Frau in halblanger Pose, mit hochgestecktem Haar und geschmückt mit einer Reihe von Perlen und einer Weizenähre. Die Brust bleibt unbedeckt, während die mit einem Seil gefesselten Handgelenke das Gefühl der Verwirrung und Leidenschaft, das das Bild durchzieht, noch verstärken. Das Werk ist eine Lithografie auf Chine Collé, eine Technik, die in Verbindung mit Druckverfahren wie Gravur oder Lithografie verwendet wird, um feinere Details und empfindlichere Oberflächen zu erzielen.

Im Gegensatz zu dem von Vernet interpretierten Wahnsinn sucht Géricault nicht nach Katharsis. Seine Stärke liegt in derAbwesenheit von Rhetorik. Die fünf Porträts der Entfremdeten scheinen an Ort und Stelle gemalt worden zu sein, in wenigen Sitzungen und ohne vorbereitende Zeichnungen. Géricault arbeitet nach dem Leben, und wie ein Landschaftsmaler unter dem wechselnden Licht des Himmels fängt er die Nuancen des Geistes in Echtzeit ein. Die Leinwände zeigen Vertrauen, einen festen und fließenden Pinselstrich, der keine Zweifel aufkommen lässt. Es ist, als ob sich die Malerei, befreit von Heroismus und Mythos, über den Menschen in seiner zerbrechlichsten Wahrheit beugt. “Das Gesicht wird zum Theater, in dem sich die Seele entblößt”, berichtet Lorenz Edwin Alfred Eitner in seinem Buch. Und vielleicht liegt genau hier, in dem Licht, das das Gesicht vom Schatten trennt, der tiefste Punkt der Kunst Géricaults: der Schiffbruch des Menschen selbst.

Der Autor dieses Artikels: Noemi Capoccia

Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.

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