Was bleibt vom Futurismus heute?

Es war der 20. Februar 1909, als Filippo Tommaso Marinetti auf die Titelseite von Le Figaro sprang, nachdem er zuvor in mehreren italienischen Zeitungen (beginnend mit der Gazzetta dell’Emilia am 5. Februar) einen Text veröffentlicht hatte, der noch heute wie ein Rammbock vibriert: das Manifest des Futurismus. Wir wollen den Mann loben, der das Steuer in der Hand hält...", heißt es darin. Ein Aufschrei, ja, gegen die Vergangenheit, gegen alle Formen der Unbeweglichkeit, gegen das, was Form, Energie, Leben zurückhält. Der Futurismus wurde als ästhetische und zivile Revolution geboren: die laufende Stadt, das rasende Auto, die in den Himmel ragenden Brücken. Maler wie Umberto Boccioni, Giacomo Balla und Gino Severini schlossen sich Marinetti an und versuchten, nicht statische Formen zu erfassen, sondern die Bewegung selbst darzustellen: den Schritt, den Sprung, den Verkehr, den Wind, der die Gesichter peitscht. Jeder Pinselstrich ist ein Impuls, jede Linie eine Flugbahn, jedes Objekt eine Explosion von Energie.

Der Futurismus verkündete die Schönheit der Geschwindigkeit, die Macht der Maschine, die Kraft des Fortschritts. Gebäude, Autos, Fahrräder, Fabriken, Städte: alles wird zum ästhetischen Thema, alles schreit nach Dynamik. Malerei und Bildhauerei zerfallen in sich überschneidende Flächen, gebrochene Linien und leuchtende Farben, nicht um die Realität abzubilden, sondern um sie in visuelle Erfahrung zu übersetzen. Es war eine Kunst, die von Energie, von Intensität, von Leben in Bewegung sprach und nicht aufhörte zu kontemplieren.

Und heute? Vielleicht ist der Schrei von 1909 noch nicht ganz verstummt. Es ist nicht nötig, Parallelen zu erzwingen, es reicht, zu beobachten, wie die zeitgenössische visuelle Welt voneiner Angst vor Bewegung durchdrungen ist. Animationen, die das Bild aufbrechen, Social Media Feeds, die ununterbrochen scrollen, schräge Logos, Industriedesigns, die sich zu bewegen scheinen, selbst wenn sie stillstehen. Sie sind keine direkten “Kinder” des Futurismus, aber sie haben dieselbe Sensibilität: die, die in der Geschwindigkeit eine Ausdrucksform, in der Dynamik eine Sprache sieht. Es ist eine Hypothese, eine Möglichkeit der Interpretation, ein dünner Faden, der ihre Suche nach Energie mit dem visuellen Rausch unserer Zeit verbindet. In der Geschichte des Futurismus geht es aber nicht nur um Schwung und diagonale Linien. Es geht auch um erschütternde Biografien, radikale Entscheidungen und tiefe Widersprüche.

Balla zum Beispiel verkaufte 1913 alle seine vorfuturistischen Werke und hängte ein Schild an sein Atelier, auf dem stand: Balla ist tot. Hier verkaufen wir die Werke des toten Balla". Eine Geste des totalen Bruchs mit der Vergangenheit. Bald darauf mischte Boccioni Malerei, Bildhauerei und Architektur, schrieb Manifeste und theoretische Texte und suchte nach einer Gesamtkunst, die sich nicht auf die Leinwand beschränkte. Und dann ist da noch der schwierige Aspekt, der weniger bekannt ist: die Verherrlichung des Krieges, die Verbindung mit dem Nationalismus, der Satz “Der Krieg ist die einzige Hygiene der Welt”, der noch heute wie eine historische Verantwortung lastet. Den Futurismus zu verstehen bedeutet auch, seine Schattenseiten zu akzeptieren und anzuerkennen, dass seine Ästhetik in komplexen politischen und kulturellen Spannungen entstanden ist.

Das Nachdenken über unsere Zeitgenossenschaft mit dem Futurismus im Hinterkopf wird zu einer Übung in Sensibilität, nicht in Genealogie. Ein schräges Logo, eine Werbung, die die Diagonale nutzt, um Geschwindigkeit zu suggerieren, eine Schnittstelle, die mit einer fließenden Fingerbewegung gleitet - all das sind Elemente, die, ohne “Nachfahren” zu sein, mit der gleichen Dringlichkeit zu sprechen scheinen, wie sie es einst taten. Die Futuristen sprachen von der “Gleichzeitigkeit der Wahrnehmungen”, und etwas von dieser Gleichzeitigkeit lebt in der visuellenÜberfrachtung unserer Bildschirme fort, wo alles auf einmal geschieht, alles fließt, alles Aufmerksamkeit verlangt. Der Futurismus bietet uns keine Antworten, sondern einen Blickwinkel: Geschwindigkeit als Form, Energie als Sprache, Bewegung als Begehren.

Es geht nicht darum zu sagen, dass die soziale oder zeitgenössische Grafik vom Futurismus “abgeleitet” ist: Das wäre zu einfach. Vielmehr geht es darum, in der heutigen Bildsprache eine ähnliche Spannung, eine Art Echo zu erkennen. Die Verweigerung der Unbeweglichkeit, der Drang zum Auftauchen, die Notwendigkeit, jedes Bild in eine dynamische Geste zu verwandeln. Das fließende Material wartet nicht, es drängt. Das Design will nicht stehen bleiben, es beschleunigt sich. Die visuelle Kommunikation lebt von der Schnelligkeit, von der unmittelbaren Wirkung, vom Wettlauf. Und vielleicht spricht sie, auch ohne es zu wollen, dieselbe Sprache, die die Futuristen vor hundert Jahren zu erfinden versuchten, nämlich die einer Welt, die niemals stillsteht.

Wenn wir den Futurismus im Kontext der Gegenwart lesen, sollten wir nicht vergessen, dass die Feier der Geschwindigkeit, der Wettlauf zum Neuen, auch einen langen Schatten hatte. Der Held der Maschine war auch der Held der Kriegsmaschine, und für die Futuristen schritt die Moderne nicht allmählich voran: Sie brach durch, zerschlug, löschte aus. Den Futurismus zu verstehen bedeutet daher, seine doppelte Natur zu begreifen: eine Geste außergewöhnlicher ästhetischer Vorstellungskraft und zugleich ein politischer, radikaler, ja brutaler Akt. Und vielleicht ist es gerade diese Ambivalenz, die ihn immer noch zu einem nützlichen Werkzeug für die Lektüre unserer Gegenwart macht, weil sie uns daran erinnert, dass jede Beschleunigung ein Risiko, ein Verlangen, eine Wunde mit sich bringt.

Die Erzählung des Futurismus bleibt nicht auf seine Zeit beschränkt: Sie spricht zu uns von der digitalen Stadt, vom scrollenden Bildschirm, vom visuellen Konsum, der uns nicht atmen lässt. Es ist ein Echo des von Marinetti proklamierten Wunsches, “das Universum zu rekonstruieren”, umgeschrieben in die Formen von heute.

Den Futurismus heute zu lesen, bedeutet nicht, eine erzwungene Verwandtschaft zu suchen, sondern zu erkennen, dass bestimmte Intuitionen auf unterschiedliche, unerwartete und sogar unbewusste Weise wieder auftauchen können. Und vielleicht werden Sie das nächste Mal, wenn Sie durch einen Feed scrollen oder eine Werbung sehen, die den Eindruck erweckt, nach vorne zu projizieren, überrascht sein, eine unterirdische Ähnlichkeit wahrzunehmen: einen Schub, eine Vibration, einen visuellen Impuls, der nicht stillstehen will. Es handelt sich nicht um ein genau zu bestimmendes Erbe, sondern um einen Eindruck, einen Nachhall. Eine Art und Weise, sich bewusst zu machen, dass manche Ideen, wenn sie mit Kraft geboren werden, auch noch hundert Jahre später in Bewegung sind.

Der Autor dieses Artikels: Federica Schneck

Federica Schneck, classe 1996, è curatrice indipendente e social media manager. Dopo aver conseguito la laurea magistrale in storia dell’arte contemporanea presso l’Università di Pisa, ha inoltre conseguito numerosi corsi certificati concentrati sul mercato dell’arte, il marketing e le innovazioni digitali in campo culturale ed artistico. Lavora come curatrice, spaziando dalle gallerie e le collezioni private fino ad arrivare alle fiere d’arte, e la sua carriera si concentra sulla scoperta e la promozione di straordinari artisti emergenti e sulla creazione di esperienze artistiche significative per il pubblico, attraverso la narrazione di storie uniche.

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