Im weiten und gegliederten Panorama deritalienischen Kunst des 20. Jahrhunderts stellen Giorgio Morandi (Bologna, 1890 - 1964) und Lucio Fontana (Rosario, 1899 - Comabbio, 1968) zwei scheinbar gegensätzliche Pole dar, die jedoch durch eine gemeinsame Spannung zum Unendlichen verbunden sind. Ihre unterschiedliche Sprache, ihr Temperament und ihre Poetik spiegeln sich in einer Forschung wider, die, obwohl sie unterschiedliche Wege beschreitet, die Grenzen der Darstellung, der Materie und des Raums konfrontiert. Wenn man Morandi neben Fontana ausstellt, wie es in der Ausstellung im CAMeC in La Spezia der Fall war, die sie einander näher bringen wollte(Morandi und Fontana. Unsichtbar und unendlich, kuratiert von Maria Cristina Bandera und Sergio Risaliti, vom 12. April bis zum 14. September 2025), bedeutet, einen Dialog zwischen zwei Visionen vorzuschlagen, die das Verständnis von Materie und Raum revolutioniert haben, zwei Künstler, die, obwohl sie sich nie direkt auf persönlicher oder stilistischer Ebene begegnet sind, in der Lage waren, die Koordinaten der italienischen Kunst neu zu definieren, und nicht nur das.
Giorgio Morandi hat die Geschichte der italienischen Kunst ohne Unterbrechung und ohne Umwege durchlaufen, in einem ständigen Prozess, der von seiner unablässigen Forschung zeugt. Sein Engagement für Stillleben (wie die berühmten Flaschen) und Landschaften, Gattungen, die nur scheinbar veraltet sind, offenbart sich als eine kontinuierliche Aktualisierung und Überarbeitung der Grundlagen der Malerei im Lichte einer Tradition, die von Giotto bis Cézanne und über Piero della Francesca reicht. Morandi wiederholt nicht einfach obsessiv dieselben Gegenstände, sondern er vertritt eine völlig neue Auffassung von Raum. Seine Aufmerksamkeit für die Zweidimensionalität, die Reduktion der Tiefe und die Anordnung der Objekte auf einer fast theatralischen Ebene erinnern sowohl an die Monumentalität von Giotto als auch an die formale Synthese von Piero della Francesca. Roberto Longhi hatte bereits darauf hingewiesen, dass Morandi in der Lage war, “selbst den vermeintlichen Intervallen zwischen den Formen einen positiven Wert in Form von Fülle zu verleihen” und den Raum zwischen den Objekten zu einem aktiven und lebendigen Element der Komposition zu machen.
Morandis Laufbahn ist von einer ständigen Reflexion über die Quellen der westlichen Malerei geprägt: die direkte Kenntnis der Fresken Giottos, die Betrachtung der Werke von Piero della Francesca, die Lektion von Cézanne, den Morandi selbst als seinen “Lieblingskünstler, als ich mit der Malerei begann” bezeichnet. Es handelt sich jedoch nicht nur um formale Vergleiche, sondern um eine tiefgreifende Aneignung von räumlichen und lichttechnischen Lösungen, die in einer persönlichen Tonart überarbeitet werden. Morandi erfasst den Raum auf eine neue Art und Weise, indem er über die traditionellen perspektivischen Konventionen hinausgeht und Licht und Farbe als Instrumente einsetzt, um eine stille Zeit, eine konstante Gegenwart zu schaffen.
In seinen Stillleben ist die Komposition mit einer fast musikalischen Sorgfalt kalibriert. Die Gegenstände sind nach harmonischen Rhythmen angeordnet, die Farbtöne sind auf weiche, gedämpfte Farben reduziert, und das Licht - ein inneres, geistiges Licht - formt den Raum zart, löst die Konturen auf, verwischt die Materie, bis sie unbeweglich, schwebend und meditativ wird. Das Ergebnis ist ein stilles, versunkenes Universum, in dem die Zeit stillzustehen scheint und der Blick zum Verweilen eingeladen wird, um die Oberfläche zu durchdringen und eine tiefere, unsichtbare, fast metaphysische Essenz zu erfassen. In den Grizzana-Ansichten, in seinen beliebten Landschaften, wird das gleiche Prinzip auf ländliche Räume angewandt: sonnenverbrannte Hügel, rissige Mauern, Häuser, die sich im Licht auflösen, Landstraßen, die ins Leere führen. Auch hier konstruiert Morandi eine unbewegte Zeit, eine ewige Gegenwart. Es gibt keine Erzählung, kein Ereignis, nur Kontemplation. Jedes Bild wird zu einer Schatztruhe, in der das Sichtbare zu einem Tor zu dem wird, was man nicht sehen, sondern nur erahnen kann.
Bandera lädt uns ein, Morandis Stillleben mit Flaschen zu lesen und dabei "an die ausgeschnittenen Silhouetten zu denken, die sich vor dem Hintergrund der einheitlich bemalten Leinwand der Teatrini von Fontana in ihrem räumlichen Rahmen abheben". In beiden Fällen erhält der Raum zwischen den Formen, so der Wissenschaftler, einen positiven Wert, er wird zu einem Ort der Spannung und der Erwartung.
Das Verhältnis Morandis zur Moderne ist zudem komplex und nie selbstverständlich. Giorgio Morandi selbst erklärte in einem Interview, er sei sich “der neuen Entwicklungen in der Kunst in Frankreich sehr bewusst” und sehe Cézanne als unumgänglichen Bezugspunkt. Seine Modernität erschöpft sich jedoch nicht in der Übernahme fremder Vorbilder, sondern drückt sich vor allem in seiner Fähigkeit aus, den Raum auf autonome und originelle Weise zu identifizieren", was sich in seiner Aufmerksamkeit für Intervalle, Pausen und die Stille zwischen den Formen zeigt. In dieser Dimension wird die Malerei Morandis zu einer kontemplativen Erfahrung, zu einem Ort des Zugangs zu einer tieferen und unaussprechlichen Wirklichkeit.
Wenn Morandi durch Subtraktion arbeitet, greift Fontana durch Zerreißen ein. Seine radikale Geste, die die Leinwand durchschneidet und durchbohrt, bricht mit der Bildtradition, um die Oberfläche für eine neue Dimension zu öffnen: den realen, dreidimensionalen Raum, der von Leere und Licht bewohnt wird. Fontana selbst bezeichnete sich als Forscher und reihte Morandi in ein Pantheon italienischer Künstler (wie De Chirico, Sironi und andere) ein, “vielleicht nicht modern, aber doch Teil einer Tradition”, wie er sie definierte, Künstler, von denen man für neue Erkundungen ausgehen konnte. Nach den Recherchen von Bandera war dies eine der seltenen Gelegenheiten, bei denen Fontana Morandi zitierte: Der Satz stammt aus einem Gespräch mit Tommaso Trini, das am 19. Juli 1968 in Cernobbio stattfand. Die Distanz zwischen Morandi und Fontana, obwohl im selben Jahrzehnt geboren, ist auch eine Distanz der Welten und Ziele: “zwei verschiedene ’Welten’”, sagt Bandera, “und ständig im Wandel begriffen, so dass sie keine gleich schnelle Entwicklung, geschweige denn eine direkte Begegnung finden können”.
In den 1930er Jahren besuchten beide die Galleria Il Milione in Mailand, einen Bezugspunkt für dieitalienische Abstraktion, und wurden, wenn auch auf unterschiedlichen Ebenen, zu Protagonisten der Nachkriegskunstszene. Fontana, der zu dieser Zeit als Bildhauer tätig war, nahm an Gruppenausstellungen teil und knüpfte Beziehungen zu Künstlern wie Licini, Melotti, Soldati und Veronesi. Morandi hingegen sah sich in seiner Autonomie des Denkens und Forschens anerkannt, so dass er von Longhi als “einer der besten lebenden Maler Italiens” gepriesen wurde. Nach dem Zweiten Weltkrieg, während Fontana die Manifeste des Spatialismus unterzeichnete und seine ersten Raumkonzepte vorstellte, wurde Morandi auf der Biennale von Venedig mit einem Preis ausgezeichnet und für sein dreißig Jahre altes Werk als Vertreter des italienischen 20. Seine Forschung hatte sich jedoch nicht herauskristallisiert, sondern setzte sich in einer Reihe von Werken fort, die von einer ständigen Vertiefung zeugen.
In seinen Concetti Spaziali (Raumkonzepte) verwandelt Fontana die Leinwand in ein Portal, ein Tor zur Unendlichkeit, wo die Leere nicht Abwesenheit, sondern Substanz ist, ein Ort der Manifestation der ästhetischen Erfahrung. Der Schnitt, die Wunde, wird so zur Schwelle und zur Öffnung, in einer Spannung, die zwar der von Morandi entgegengesetzt ist, aber dasselbe Bestreben hat, die Grenzen des Sichtbaren zu überwinden. Fontana hebt Jahrhunderte der Malerei auf und schlägt eine neue Konzeption des künstlerischen Raums vor: einen realen, dreidimensionalen Raum, der von Licht und Leere bewohnt wird. Die Leere ist bei Fontana nicht Abwesenheit, sondern Substanz: Sie ist der Raum, in dem sich die ästhetische Erfahrung abspielt, der Ort des Unendlichen, der sich durch die Wunde, die Unterbrechung, die Schwelle manifestiert.
In seinen späteren Werken, wie den Teatrini, den Concetti Spaziali mit Steinen oder Porzellan und den Leinwänden der Serie Fine di Dio, vertieft Fontana diese Forschung. Die Materialien werden bereichert, die Materie vergrößert und vervielfältigt sich, aber die Essenz seiner Arbeit bleibt unverändert: das Absolute durch den radikalen Akt zu suchen, die Malerei in eine konzeptuelle und spirituelle Dimension zu verwandeln.
Die Gegenüberstellung von Morandi und Fontana beruht, wie Bandera feststellt, nicht auf einer realen Bekanntschaft oder einer direkten gegenseitigen Beeinflussung, sondern auf einer “kulturellen Distanz und Reichweite, die schon in den Momenten spürbar war, in denen sie sich gekannt haben müssen”. Doch gerade diese Distanz macht den Vergleich fruchtbar: Morandi fragt nach Form und Zeit, Fontana nach Raum und Fläche. Beide messen sich jedoch an der Tradition und gehen über sie hinaus, indem sie die Kunst als Erfahrung des Absoluten neu definieren. In beiden Fällen erhält der Raum zwischen den Formen einen positiven Wert, er wird zu einem Ort der Spannung und der Erwartung.
Morandi und Fontana bewegen sich zwar auf unterschiedlichen Wegen, führen uns aber zum selben Ziel: dem Jenseits. Morandi tut dies mit der Langsamkeit der Wiederholung, mit geistigem Licht und mit der Stille seiner unbewegten Objekte. Fontana tut es mit der Energie der Geste, mit dem Zerreißen der Leinwand, mit der Kraft einer Idee, die die Form bricht, um das Unendliche hervorzubringen. Zwei gegensätzliche Sprachen, ein einziger Wunsch: die Grenzen des Blicks zu überwinden, eine neue Vision der Welt, der Kunst, der Wirklichkeit anzubieten. Morandi mit Fontana zu vergleichen bedeutet also, einen Dialog zwischen zwei Visionen vorzuschlagen, die das Verständnis von Materie und Raum revolutioniert haben.
Es ist kein Zufall, dass beide Künstler zu unverzichtbaren Referenzen für Generationen von zeitgenössischen Künstlern geworden sind, nicht nur in Italien, sondern in der ganzen Welt. Ihr Erbe manifestiert sich heute in vielfältigen Formen: in der Konzeptkunst, in der Minimal Art, in der abstrakten und analytischen Malerei, in Praktiken, die Leere, Zeit, Serialität und Kontemplation hinterfragen.
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