Die Melancholie des Felice Casorati

Felice Casorati ist in der italienischen Kunstszene zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine stille, eher zurückgezogene, aber sehr prägnante Erscheinung. Seine Kunst, eine raffinierte, kultivierte Kunst, durchquerte die wichtigsten Strömungen des Jahrhunderts mit unabhängigen Schritten, aber immer auf der Höhe der Errungenschaften der Avantgarde. Seine Kunst, die jetzt in einer großen Ausstellung im Mailänder Palazzo Reale (kuratiert von Giorgina Bertolino, Fernando Mazzocca und Francesco Poli, vom 15. Februar bis 29. Juni 2025) dokumentiert wird, durchlief daher verschiedene Phasen. Zunächst war er Symbolist, eine Zeit lang öffnete er sich sogar der Wiener Sezession und malte Werke, die denen von Klimt nahe standen, dann gab es eine Phase der Annäherung an Cézanne, und schließlich, in den 1920er und 1930er Jahren, lässt sich Casoratis Poetik in die verschiedenen Tendenzen der Rückkehr zur Ordnung einordnen, die diese historische Periode kennzeichneten. Unter den Linien, die sich durch seine Produktion ziehen, gibt es jedoch mehrere konstante Fäden: einer davon lässt sich in einem bestimmten Gefühl, der Melancholie, erkennen. Ein Gefühl, das nicht nur eine psychologische Figur ist, sondern auch zu einer Art strukturierendem Prinzip einer Vision wird, zu einem relevanten Bestandteil seiner Malerei. Ein Thema, das Casoratis Werke von seinen Anfängen in Padua bis zu seiner Reife durchzieht und das sich in der Wahl der Themen, der Komposition, der Farben, der Haltung der Figuren und sogar in der gedanklichen Anordnung der Räume zeigt.

In den ersten Jahren des Jahrhunderts debütiert Casorati in einem noch stark vom Jugendstil und Symbolismus geprägten Umfeld. Aber es ist die neapolitanische Periode zwischen 1907 und 1911, die den ersten Kern einer melancholischen Poetik in Casoratis Werk darstellt. In Briefen an seinen Freund Tersilla Guadagnini beschreibt der junge Felice sich selbst in einem ruhelosen, fast quälenden Zustand: “Wie seltsam ich bin! [...] es scheint mir, dass ich kein wahres, vollständiges, gewöhnliches Leben gelebt habe, sondern ein halbes Leben, ein Leben des Schlafes”, und “ich war immer ein großer Träumer, und vielleicht bin ich es immer noch”, oder “ich wurde von der Vergeblichkeit jeder Anstrengung, jedes Versuchs überzeugt [...] es war nicht nur Demütigung... es war auch Schmerz - intensiver Schmerz - komplex - aufdringlich”. Worte, die nicht nur von privatem Leid sprechen, sondern von einer dunklen und erschöpften inneren Dimension, in der die Vergeblichkeit jeglicher Anstrengung zur einzigen Wahrheit wird. In diesem Klima düsterer Isolation zog sich Casorati in die Stille von Capodimonte zurück, betrachtete die antike Kunst und schuf die Alten Frauen, ein Gemälde, das er selbst als Synthese dieser frühen einsamen Studien betrachtete. Ein Gemälde, das von einer schweren und unbeweglichen Atmosphäre durchdrungen ist, das Bruegels Gleichnis der Blinden zu zitieren scheint, in dem aber die Melancholie nicht nur das Thema, sondern die eigentliche Substanz des Bildes ist.

Einen formalen und thematischen Wendepunkt stellt das große Gemälde Die jungen Damen von 1913 dar. Monumental, rätselhaft und symbolistisch geprägt, bietet sich das Werk als eine Galerie von Stimmungen an, die von vier weiblichen Figuren verkörpert werden, nämlich Dolores, Violante, Bianca und Gioconda. “In unterschiedlichen Posen und Kleidern sind sie - auch dank der Kartuschen zu ihren Füßen - identifizierbar: Dolores, die Verkörperung der Trauer, Violante, die Melancholie und existenzielle Unruhe verkörpert, worauf das Violett ihres Kleides und ihr gesenkter Kopf hinweisen, Bianca, unschuldig in der Reinheit ihres jugendlichen Aktes, der sich im Spiegel spiegelt”, schreibt der Wissenschaftler Fernando Mazzocca. “Sie ist diejenige, die in dem mit Details überladenen Gemälde am meisten Aufmerksamkeit erregt und geht der Mona Lisa voraus, deren Name, extravagantes Kleid und Ehering an ihrem Finger sie zum Sinnbild eines zufriedenen Lebens machen. Der Ankauf des Bildes durch die Internationale Galerie für Moderne Kunst in Ca’ Pesaro bedeutete die entscheidende Weihe für Casorati”. Violante ist also die Verkörperung der Melancholie: eine Ikone der Unruhe des Malers, eingebettet in eine seltene Landschaft, die an Botticellis “Primavera” erinnert, aber ohne jede Freude. Dieses Gemälde stellt für Casorati eine wahre rituelle Passage dar: die Ankunft in einem Bild, das nicht mehr beschreibt, sondern andeutet und symbolisiert. Die Melancholie wird hier zu einem Bildkonzept, zu einer ganzen emotionalen Struktur, die in Farbe, Gestik und Haltung umgesetzt wird.

Die unmittelbar darauf folgenden Jahre bestätigen den Weg des Künstlers zu einer zunehmend inneren Vision. Die Malerei wird zur “Unwirklichkeit”, wie er selbst schreibt (“es sind keine Gemälde: es sind Unwirklichkeiten, die ohne Kunstfertigkeit gemalt werden”), zu einer Projektion des Traums. In Gemälden wie La Via Lattea (Die Milchstraße ) oder Notturno (Nocturne) versucht Casorati, die Bilder zu malen, die er im Traum sieht, bevölkert von “unsichtbaren Wesen”, “Halluzinationen”, “reinen Geistern”. Dies ist eine Periode, in der die Melancholie unter dem Einfluss von Klimt und Kandinsky in eine lyrische Abstraktion übergeht, in einer Sprache, die die Realität ablehnt, um ihre Transparenz zu bewohnen. Auch in seiner grafischen und bildhauerischen Produktion drückt sich die Melancholie in essentiellen, fast archaischen Formen aus, wie in der Maske von 1914, die eine Menschheit zu beschwören scheint, die zwischen dem Alten und dem Jenseitigen, der Ehrfurcht und der Stille schwebt.

Die Kunst von Casorati entwickelt sich in den 1920er Jahren weiter. Auf der Biennale von Venedig 1928, die vier Jahre nach der grundlegenden Wende der Biennale von 1924 stattfand (wo der Künstler nicht weniger als vierzehn Werke in einer Einzelausstellung präsentierte, die von der Kritik sehr geschätzt wurde: der Erfolg war vor allem darauf zurückzuführen, dass der piemontesische Künstler hier die neuen klassizistischen Tendenzen mit geschicktem Geschick und mit zahlreichen und ungedeckten Verweisen auf die antike Kunst aufnahm), präsentierte Casorati Scolari, ein Werk, das eine weitere Veränderung in seiner Poetik markiert. Die im Saal sitzenden Mädchen sind unbeweglich, stumm, fast einbalsamiert in der Zeit. Die Gegenstände scheinen in der Schwebe zu sein, die Szene ist in einen Wartezustand versetzt, der das Gefühl der Entfremdung noch verstärkt. Die Melancholie wird hier zu einer lyrischen Aufhebung der Realität, zu einer Form der häuslichen Abstraktion, einer Atmosphäre, die für viele Werke dieser Zeit charakteristisch ist. Das Gemälde bewegt sich trotz seines scheinbaren Realismus im Bereich desRätselhaften: die verhaltenen Gesten, die vagen Blicke, das instabile Gleichgewicht des Raums sprechen eine stille Sprache der Schüchternheit und der Einsamkeit.

In den 1930er Jahren wird die weibliche Figur immer mehr zur Protagonistin in Casoratis Malerei und verkörpert eine psychologische, aber auch archetypische Melancholie. “Die melancholische, schweigend-nachdenkliche Haltung, die auch von einer intimistischen Dimension der Verwirrung und der Erwartung überlagert wird”, schreibt der Wissenschaftler Francesco Poli, "ist einer der Aspekte, die viele der nackten oder bekleideten Frauen und jungen Heranwachsenden, die Casorati in den 1930er Jahren (und auch später) darstellte, mit einer besonderen malerischen Spannung zwischen psychologischer Sensibilität und kompositorischer Abgeklärtheit kennzeichnen. In Frau mit Mantel (1935) zum Beispiel kauert die Protagonistin auf einem Stuhl, eingehüllt in eine grüne Decke: nur ihre nackte Schulter und ein gebeugtes, vertieftes, verlassenes Gesicht sind zu sehen. Der Körper, mehr verborgen als enthüllt, erzählt von verhaltenen Emotionen. Ähnlich ist das Gefühl in Ragazza a Pavarolo, wo die junge Frau in einem kahlen Atelier sitzt, die Hände im Schoß, den Kopf gesenkt: ein Schweigen, das wie eine Identität lastet. Aber erst mit Sleeping Girl (1931) erreicht die Melancholie eine fast beunruhigende Dimension. Der nackte, knochige Körper wird in einem Spiegel reflektiert: ein Doppelgänger, der ein anderes Wesen sein könnte. Die Szene ist häuslich, aber unbewohnt, wie ein leerer Traum.

Im Jahr 1936 malt Casorati dann die Frau vor dem Tisch, eines seiner intensivsten Werke. Der nackte Körper, vorgebeugt, die Hände im Schoß und auf dem Kopf, ist von anmutig arrangierten Gegenständen umgeben: Krüge, Flaschen und sogar ein Hammer - ironisch und zugleich verstörend. Die Geste der Figur ist dramatisch zurückhaltend und symbolisiert eine Emotion, die niemals explodiert, sondern gefangen bleibt. Es ist die Melancholie der Gegenwart, die nicht schreit, sondern sich wehrt: ein stiller, fast metaphysischer Schmerz.

Melancholie ist für Casorati nicht nur ein Gefühl. Sie ist ein kompositorisches Prinzip, eine Art, die Welt durch die Kunst zu ordnen. Sie ist der leere Raum zwischen den Objekten, der Schatten, der das Gesicht umgibt, die stets zurückhaltende Haltung der Körper. Es ist der Wille, das Geräusch, die Erzählung, die übermäßige Geste zu unterdrücken. Eine Kunst, die das Absolute durch das Unfertige sucht, die den Traum im Bewusstsein seines Vergehens bewohnt. In der Zeit der Avantgarde, in der Zeit des Zerbrechens der Formen, hat Casorati, während er die neue Poetik betrachtete und immer zu den modernsten Künstlern seiner Zeit gehörte, nie aufgehört zu versuchen, der Melancholie eine Stimme zu geben.

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